Grand Mix - Tourcoing

Ami mélomane, ami lecteur, de deux chose l’une : soit tu étais au concert de Phantom Band mercredi soir au Grand Mix, auquel cas tu te seras fait ta propre opinion de leur prestation, soit tu n’y étais pas et tu as eu tort. Ecoute donc pourquoi.



D’abord, très franchement, aucune excuse ne sera recevable : France-Brésil sur la une, c’était pas folichon. En revanche, le team resserré de ces six Ecossais venant jouer en terres tourquennoises, c’était quand même autre chose. Quand bien même leur chanteur, malade, n’aura pu donner toute latitude à sa magnifique voix de baryton. Des excuses rigolotes, quelques quintes de toux, une grosse heure de concert : 200 personnes les ont applaudis avec un enthousiasme non feint ; c’était la moindre des choses.



Car ces six gars-là ont : du talent à revendre, une joie visible à jouer ensemble, des mélodicas en guise de cornemuses, pas une once de suffisance, un bonnet rouge très Cousteau pour l’homme aux claviers, une timidité maladive pour le troisième guitariste qui aura joué dos au public tout du long, un jeu de batterie du tonnerre, tout en nervosité maîtrisée, de l’humour et last but not least, une musique franchement impossible à étiqueter.



Voyage en terres inconnues

Ni tout à fait pop, ni complètement (kraut) rock, pas vraiment prog, leurs chansons vont leur chemin, souvent long et tortueux, mais pas torturé.



Puisant dans "Checkmate Savage" et "The Wants", leurs deux premiers albums, ils ont baladé le public en terres inconnues sans que les oreilles ne cherchent leur route. Beaucoup de chœurs (tout le monde chante), façon Beach Boys, pas mal de lignes de guitares (dont une jouée de dos, donc !), un bassiste monolithique (comme souvent avec la quatre cordes), pour des versions de The Howling, Burials Sounds, Everybody Knows It’s true plus punchys que sur disque ; sans pour autant en perdre la finesse, watts en live oblige.



Impossible de s’ennuyer, donc, malgré un jeu de scène quasi inexistant : bougent pas trop, ces six Ecossais. Mais ça se passe en dedans, vous voyez le genre ? Comme sur, au hasard, In The Corn. Ou le final bruyant mais joli quand même de Crocodile. De quoi verser une larme : c’était déjà fini. A quand leur prochaine apparition ?


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Ils en ont fait, du chemin, Ben et Nili, depuis leur concert sur la troisième scène du festival Rock en Seine en 2009, lorsque leur talent et leur fraîcheur avaient éclaboussé une foule qui ne les attendait pas, mais qui s’est rapidement laissé conquérir. Un an et un album plus tard, on les retrouve en pleine tournée nationale, qui fait étape ce soir à Tourcoing. Ne manquez d’ailleurs pas l’interview qu’ils nous ont accordée quelques minutes avant le concert !

En première partie, c’est la troupe de 1973 qui doit chauffer la salle. Connus depuis leur tube estival Bye Bye Cellphone, ils arrivent sur scène à quatre pour enchaîner des ballades un peu molles. Ce n’est pas désagréable, mais encore moins transcendant. Le chanteur semble jouer plus sur son physique avantageux que sur sa voix, et l’ensemble donne une image assez fade de pop-rock pour groupies en fleur. C’est sympa, c’est léger, mais c’est rarement enthousiasmant et leur musique glisse sur nous sans laisser de trace. On notera en revanche qu’ils font beaucoup de blagues, avec une bonne dose d’autodérision, comme lorsqu’ils essayent de faire participer un public peu réactif et qu’ils en viennent à se demander à voix haute s’ils sont "en train de se prendre un gros vent par 650 personnes". Malheureusement, la réponse est oui. Ils ont gardé le fameux Bye Bye Cellphone pour la fin, qui est de loin leur meilleur titre, avec de belles harmonies qui nous font revoir les lueurs de l’été. Ils offrent même au morceau un final très rock qui sauve un peu l’ensemble, mais leur prestation n’aura sans doute pas marqué grand-monde. A noter qu’à la fin de la soirée, autour du petit stand de dédicaces, ils en sont venus à presque supplier les gens d’acheter leur album, d’abord avec humour, puis de plus en plus lourdement, ce qui aura laissé une impression pour le moins dérangeante.



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Le Grand Mix de Tourcoing affichait complet depuis déjà quelques semaines pour ce concert du duo new-yorkais Ratatat. Recommandés par Daft Punk, Mike Stroud et Evan Mast se sont forgés une solide réputation en six albums, dont certains sont de vrais chefs d’œuvres (notamment Classics, sorti en 2006). Pourtant, le groupe peut encore être qualifié d’ "underground", avec une production exclusivement instrumentale et assez exigeante.



On passera rapidement sur l’indigeste première partie, assurée par le bruxellois DJ Elephant Power, qui s’écoute sans doute mieux en rave party sous acides qu’à 18h un dimanche à Tourcoing.



Les deux New-Yorkais entrent en scène à 20h tapantes. Derrière eux, un écran géant surplombe la salle. En dessous, on a disposé un treillis de lampes et des stroboscopes. Sur les côtés de la scène, on remarque la présence de deux vitres en plexiglas, sur lesquelles des images sont également projetées. L’ambiance est sombre et mystérieuse, à l’image de la musique du groupe. Seulement équipé d’une guitare et d’une basse, mais entouré de divers synthétiseurs, d’un pad électronique et de deux tambours, le duo Américain parvient sans mal à occuper toute la petite scène tourquennoise. Les effets de lumière en mettent plein les yeux, même si l’on reste assez dubitatif devant les images qui défilent sur l’écran en arrière-plan, faites d’oiseaux, de statues antiques et de gens ordinaires. Le jeu de scène se veut minimaliste, la place est laissée à l’expérience musicale.



Justement, la musique de Ratatat est toute en vrombissements d’outre-espace, elle est hypnotique, envoûtante, tutoyant parfois la trance. Sur des rythmiques tantôt hip-hop, tantôt tribales, le duo envoie se perdre les plaintes lancinantes de leurs cordes vers l’infini. C’est une averse de pianos désaccordés, de violons futuristes, d’orgues du XXIIIe siècle. On a la cage thoracique martelée, on se fait bringuebaler, puis on s’envole, et on retombe brutalement sur le sol. Un concert de Ratatat, c’est un peu un grand huit sonore. Mais c’est diablement efficace : le groupe enchaîne ses titres, dont beaucoup sont familiers au public (notamment tous ceux issus de Classics, mais aussi du plus récent LP4), qui en connaît même certains par cœur, presque comme des rengaines pop.



Il faut dire que le groupe n’a pas son pareil pour les mélodies entêtantes, souvent légères, portées par un train enflammé dont le souffle renverse les spectateurs. C’est à la fois dansant et enivrant, tellurique et atmosphérique, c’est un jaillissement d’étoiles, comme des éclaboussures lumineuses balancées çà et là sur un ciel d’encre. Tout est dans les détails, chez Ratatat, dans les petits effets, dans les breaks, dans l’assemblage des sons. On reste béat devant la superposition de rythmiques percutantes et de cordes langoureuses, dont les vibrations brûlantes lacèrent l’air glacé pour venir vous claquer en plein visage.



Ratatat en concert, c’est comme en album, mais en mieux. C’est une véritable expérience. D’ailleurs, à la différence de certaines de leurs productions studio, leur prestation scénique n’est jamais ennuyeuse, jamais répétitive, jamais lassante. Et pour un groupe dont la production est exclusivement instrumentale, c’est une prouesse. Mais c’est tellement riche, tellement complexe qu’au bout d’une heure et demie, quand le concert se termine, on est rassasié.



Pourtant, à l’issue du bis, le public semble en vouloir encore et ne cesse de rappeler énergiquement le groupe sur scène. Même quand les lumières se rallument, les spectateurs continuent d’applaudir pendant encore de longues secondes. Et puis, à contrecœur, ils finissent par se disperser et par repartir dans le froid tourquennois, un kaléidoscope vrombissant dans la tête.


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Il y a de toute évidence mieux à faire un samedi soir qu’aller à Tourcoing. A moins, bien-sûr, que les Bewitched Hands, chouchous rémois des Inrocks depuis plusieurs semaines, et Fool’s Gold, valeur montante du rock africano-judéo-californien, ne soient venus partager la scène du Grand Mix.



Si les "mains ensorcelées sur le dessus de nos têtes" sont annoncées en première partie, nombreux sont les spectateurs qui sont venus pour eux plutôt que pour la "tête d’affiche" du soir. Du coup, dès les premiers accords à 20h30, la petite salle est déjà bien remplie. Et ils sont sympas, les Bewitched Hands, toutes bedaines dehors, chevelures hirsutes et pilosité galopante. Avec leur look, qui de bucheron canadien en chemise à carreaux, qui de rockeur du dimanche mal rasé en t-shirt débraillé, qui de geek à lunettes, on dirait qu’ils jouent encore sur les scènes en carton des fêtes de village champenoises. Pourtant, c’est dans une tournée nationale que le groupe est lancé, avec une notoriété grandissante pour l’accompagner. Découverts sur le premier opus de Yuksek, ils ont depuis sorti un album salué par la critique, et leurs prestations scéniques font déjà parler d’elles.



Et il faut dire que dès qu’on les voit apparaître, on pense à une référence pour le moins prestigieuse, les déjantés d’Arcade Fire. Mais les Arcade Fire des débuts, quand la troupe s’amusait encore à se taper sur la tête pour faire des sons. Il se dégage des BHOTTOOH la même impression de bonhommie, de groupe un peu foutraque qui s’amuse bien ensemble et qui assume à fond son côté bon-vivant décomplexé. On retrouve aussi des similitudes dans la musique des deux groupes : le même élan, la même puissance, la même complexité dans l’assemblage des voix et des sons (jusqu’à trois guitares sur certains morceaux, en plus d’une basse, d’une batterie et de claviers).



Et puis c’est une musique incarnée, vivante, un grand tourbillon d’énergie, de vie et de bonne humeur. On note des inspirations folk, rock, parfois même très électriques, à d’autres moments plus proches d’un rock californien insolent. La prestation des Bewitched Hands pourrait sans doute être plus musclée, plus enthousiasmante, moins policée qu’elle ne l’est, mais la petite troupe nous fait passer un bon moment et c’est bien le principal. Ils joueront d’ailleurs pas moins de seize (!) morceaux, pour près d’une heure de concert, soit presque autant que Fool’s Gold.



Fool’s Gold, justement, venons-y. C’est un peu l’OVNI musical de l’année. Emmenée par le succès fulgurant de l’irrésistible tube Surprise Hotel, la carrière du collectif de Los Angeles a décollé ces derniers mois. Beaucoup disent qu’ils sont les Vampire Weekend de la côte ouest, en référence à leur production, au croisement du rock et des musiques africaines (modernes, celles qui ont été elles-mêmes inspirées par les artistes occidentaux). Sauf que, vu comme ça, ce serait juste Amadou & Mariam en moins aveugle et chanté en hébreu. Ah oui parce qu’ils chantent en hébreu, aussi. D’ailleurs l’influence judaïque se fait beaucoup sentir : Luke Top, bassiste, chanteur et leader du groupe est né en Israël, et l’influence des musiques hébraïques est au moins aussi présente que celle de l’Afrique.



Et puis Fool’s Gold a pris tout ça, l’a mixé avec le rock californien qui l’environnait, et y a rajouté un brin de pop, une pincée de funk, une noix de hip-hop, un soupçon de dance, enfin un peu tout ce qui pouvait leur passer sous la main. En fait, ils ont composé une sorte de pot-au-feu musical ; la recette est simple : on prend tous les restes de la semaine, on mélange, on fait cuire de longues heures dans la chaleur de L.A. et, à la fin, on a un plat délicieux.



Sur scène, le collectif à géométrie variable arrive à cinq : batterie, percussions, basse, guitare et saxophone. Rien que dans leur look, les Fool’s Gold respirent le multiculturalisme : le percussionniste semble venu tout droit de Cuba, ou peut-être du Brésil, le guitariste fait très surfer grunge, le saxo a des allures de dandy jazzman classieux, et le bassiste/chanteur Luke Top ne fait pas mystère de ses origines méditerranéennes. Même s’ils jouent en nocturne (très peu d’éclairage, et presque uniquement par l’arrière de la scène), le groupe fait briller le soleil de Californie sur Tourcoing, et il règne une chaleur saharienne dans la salle. La musique est entraînante, dansante, incroyablement travaillée, et pourtant d’une étonnante simplicité et d’une efficacité redoutable. Le mélange de tous les ingrédients prend parfaitement et on se laisse emporter très spontanément par les rythmiques infernales, les mélodies pétillantes et les envolées de saxophone.



Le fameux Surprise Hotel intervient en milieu de set, livré dans une version à peine étendue de huit minutes. Dans l’ensemble, tous les morceaux font à peu près cette durée, et on ne voit pourtant pas les secondes s’égrener. Il faut le temps d’installer l’ambiance, l’univers de chaque morceau, de faire le voyage d’un bout à l’autre de la planète en l’espace de quelques accords. Et malgré ces influences diverses, tout ceci n’est pas de la world music : Fool’s Gold a su garder la fraîcheur de la pop, l’énergie du rock et la futilité de la dance pour bannir l’ennui de son concert. Le public, pourtant majoritairement profane, prend son pied et se laisse emporter. Il reprend même en chœur les vocalises de The World Is All There Is, qui conclue le set. Le morceau se décompose comme un Boléro de Ravel à l’envers, avec des instruments qui arrêtent un à un de jouer pour laisser la place à la voix seule. Luke Top se met à genoux au bord de la scène pour tendre son micro aux premiers rangs, puis c’est tout le groupe qui se réunit progressivement en cercle au milieu de la scène pour continuer de chanter et c’est toute la salle qui finit a capella. Doucement, les cinq compères, qui se tiennent par les épaules, s’asseyent, et le chanteur finit même le morceau allongé sur le dos. Le groupe finit par sortir de scène après ce beau moment de communion, et voilà comment s’offrir un rappel de folie. Le public tourquennois recommence même, au bout de quelques secondes, à reprendre tout seul l’air de The World Is All There Is pour faire revenir les musiciens. Un dernier morceau pour le plaisir et la soirée s’achève. Grand moment de chaleur et d’humanité à Tourcoing.

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Dans la grande famille rock-indé-tendance-psyché façon Brian Jonestown Massacre et The Velvet Underground, The Warlocks faisait figure d’incontournable héritier. Oui, faisait. Car, en 2007 patatrac : changement de cap sans (presque) crier gare. Fini le côté indie classique enjoué, la filiation directe avec les groupes précédemment cités. Place à la lenteur, aux guitares noyées sous les effets ou broyées par la fuzz. Tout côté mélodique est réprimé, le chant devient plaintif et la musique exprime désormais ce que Surgery avait commencé à mettre en texte : le spleen, tendance plus suicidaire que rêveur. Et au final The Warlocks accouchait de son meilleur disque : Heavy Deavy Skull Lover – avis purement subjectif loin de faire l’unanimité. Deux ans plus tard The Mirror Exploses, dernier album en date, continuait sur cette voie.

Or le problème avec les groupes qui changent de style, c’est qu’à un moment donné il faut choisir son camp. Les soutenir dans leur choix ou pas. Surtout avant d’aller les voir en concert.

Et forcément, de camps, il y en avait deux ce soir. Ceux pour qui la discographie du groupe s’était arrêtée en 2002 avec Phoenix. Et les autres, attirés par leurs deux derniers efforts. La logique voudrait que le premier camp soit déçu. Les groupes ayant souvent tendance à délaisser leurs vieux titres sur scène - exceptés les incontournables.

Heureusement le groupe a le sens du compris. Et surtout pas mal de morceaux incontournables. De ses deux derniers opus, The Warlocks ne défendra que cinq titres (cf setlist plus bas). Et restera toute la soirée en position de grand écart, tranchant mécaniquement entre ses tubes et ses autres titres moins immédiats. Ouvrant avec The Red Camera, clôturant sur Zombie Like Lovers, et balançant entre les deux majoritairement ses tubes issus de Phoenix ou Rise And Fall, leurs deux premiers albums. Et en écartant les morceaux les plus sombres de son répertoire récent, histoire de ne pas plomber l’ambiance.

Pas décontenancé par cette posture le public apprécie et commence tardivement à sortir de sa léthargie. Soit au moment où Bobby Hecksher les toise et où commence à résonner Shake The Drop Out. Les autres tubes, bien plus nerveux que sur cd, feront le reste. Le groupe restera désormais en terrain conquis. Et le public en redemandera. Il ne se calmera que difficilement : après deux rappels.



Setlist :
1. Red Camera (The Mirror Explodes)
2. ?
3. So Paranoid (Heavy Deavy Skull Lover)
4. Song For Nico (Rise And Fall)
5. Shake The Drop Out (Phoenix)
6. The Dope Feel Good (Phoenix)
7. ?
8. ?
9. Stickman Blues (Phoenix)
10. Hurricane Heart Attack (Phoenix)
11. Zombie Like Lovers (Heavy Deavy Skull Lover)

Premier rappel :

1. Nouvelle chanson
2. You Make Me Wait (The Mirror Explodes)
3. We Need Starpower (Surgery)
4. Come Save US (Surgery)

Deuxième rappel :

1. The Midnight Sun (The Mirror Explodes)
2. ?


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Première au Grand Mix de Tourcoing pour notre équipe de choc et premier constat : c’est loin. Mais deuxième constat : c’est vachement cool. Une salle à taille humaine, avec une vraie proximité entre la scène et le public, et puis une ambiance des plus conviviales. Info HS mais utile quand-même : si les privilégiés que nous sommes n’ont pas droit à un bar VIP avec petits fours à volonté (eh, on peut pas tout avoir), le prix des consommations est plus que raisonnable, et c’est suffisamment rare pour être souligné.

Mais trêve de bavardage, rentrons dans le vif du sujet. C’est devant une salle bien vide que débarquent les Lillois de Shiko Shiko, chargés d’assurer la première partie du concert du soir. Un coup d’œil à leur MySpace laissait augurer de bonnes choses… Résultat : c’était avant tout bruyant et brouillon. Le chanteur est des plus véhéments (mais pourquoi tant de haine ?), bien plus d’ailleurs que son bassiste, pourtant affublé d’un masque de catcheur. Pris d’élans rageurs, le groupe assène des stridences insupportables et quelques bonnes inspirations rythmiques sont bien incapables de sauver nos tympans de ce déluge assourdissant. Les jeunes musiciens livrent une prestation confuse, brutale, décousue, parfois à la limite du cubisme acoustique, et force est de reconnaître qu’ils déploient plus d’énergie que de talent. Sur leur page, ils revendiquent : "Shiko Shiko plays noisy rock with some electronics and tribal things". Certes. Après s’être fait broyer le marteau, l’enclume et l’étrier, on parlera d’une sorte de punk expérimental braillard. A vrai dire, on a assez rapidement fui, mais le vacarme qui nous parvenait à travers la lourde porte de la salle ne nous a jamais incités à y remettre les pieds.



Une fois nos nouveaux amis sortis de scène, il était enfin l’heure de faire place aux Australiens de Midnight Juggernauts, pour leur premier concert sur le sol européen cet automne. Forts d’un immense succès critique et public en 2007, à la sortie de leur premier album, Dystopia, sur l’élan duquel ils avaient enchaîné une tournée mondiale (dont la première partie de Justice aux Etats-Unis), ils s’étaient ensuite fait un peu oublier. Les voilà de retour en 2010 avec un nouvel opus, The Crystal Axis, largement construit sur scène, et une nouvelle tournée pour en assurer la promotion.

Les trois musiciens entrent sur scène et entament Lifeblood Flow, un de leurs nouveaux titres. Entrée en matière plutôt calme, mais qui commence déjà à faire monter la sauce sur les refrains, devant un public qui remplit maintenant honorablement la petite salle. Ne s’attardant pas trop en route, le combo de Melbourne enchaîne directement sur Shadows, un de ses morceaux les plus connus, tiré de Dystopia. La recette a déjà prouvé son succès : nappes de synthés stratosphériques, soutenues par une basse disco ravageuse et des effets solaires. Les spectateurs ne mettent pas beaucoup de temps à se laisser emporter et à se dandiner en rythme. Ils n’ont pas le temps de s’arrêter puisque s’enchaîne immédiatement le troisième titre de la soirée, Lara vs. Savage Pack, nouvel extrait de The Crystal Axis. Avec son refrain pop entêtant, il délaisse le voyage intersidéral pour une petite virée qui a le mérite de ne pas faire retomber la pression. So Many Frequencies poursuit le voyage, respectant à merveille l’alternance entre titres du premier et du deuxième album et repartant dans les nébuleuses étoilées chères à la bande de Vincent Vendetta. Ce (déjà) cinquième titre continue d’envoûter un public qui ne demande plus maintenant qu’à se lâcher complètement. Il lui faudra encore un peu de patience : Vital Signs, premier extrait de leur nouvel album, permet aux Midnight Juggernauts de vendre avantageusement sur scène leur dernière livrée, puis Winds of Fortune et ses accents vintage viennent parachever la promotion.



Il est temps de passer aux choses sérieuses et le public comprend rapidement ce qui est sur le point de se passer. On sent la tension monter, voilà enfin arrivé le moment que tout le monde attendait : les premiers accords de Tombstone résonnent et emportent immédiatement le public dans un tourbillon de voix vocodée et de basses électrisées qui arrache les spectateurs du sol. Le Grand Mix saute, se trémousse, les mains s’envolent, la petite salle prend son pied et son énergie est communicative. Sur scène, les trois compères n’ont pas fort à faire tant leur morceau se suffit à lui-même : parfaitement construit, imparable, chaque montée vers le refrain est comme une montée d’adrénaline vers l’orgasme. Et ça ne rate jamais. Le batteur en profite même pour placer un solo aussi court qu’efficace en guise d’ultime spasme collectif. Une fois le public revenu à lui-même, les Midnight Juggernauts calment le jeu avec Cannibal Freeway, dont l’intro aura permis à chacun de reprendre ses esprits. Mais les Australiens ne sont pas venus pour ça, il est temps d’asséner le coup de grâce. Les premiers accords de Into The Galaxy, dernier de leurs titres stars, font vrombir les murs orangés du local tourquennois et donnent le coup d’envoi du feu d’artifice final. A l’image de Tombstone, ce dernier morceau emporte tout le monde, même si sa recette est un peu moins évidente : la jubilation gagne les rangs d’une salle qui aura eu droit à ce qu’elle était venue trouver, sans rien de plus, mais sans rien de moins non-plus. Les explosions colorées de ce qui sera l’ultime piste du set finissent d’éclabousser des spectateurs aux anges et les incite à applaudir de plus belle pour faire revenir le groupe sur scène.



Ce sera rapidement le cas : les trois musiciens reviennent pour un rappel centré autour d’une seule chanson, Road To Recovery, dont l’intro est ici particulièrement travaillée. Avec ses basses à la Justice qui pilonnent le thorax et sa voix envoûtante, le titre est une vraie merveille, même s’il n’a pas l’efficacité de certaines autres pépites du trio. Son refrain est sublime de simplicité et confirme que le groupe fait preuve d’une maestria impressionnante lorsqu’il s’agit de trouver des mélodies simples et entêtantes. Le mélange doux-amer, joué version "extended", vient clore un concert de dix petites chansons qui laisse le public nordiste à la fois satisfait et un peu sur sa faim.

En effet, voilà bien le seul problème de la soirée : le concert aura duré moins d’une heure, expédié en quatrième vitesse par un trio qui n’aura eu presque aucun mot pour son public. Hormis pour le rappel, les Australiens ne sont contentés du minimum syndical, enchaînant les titres comme à la caisse automatique. Fort heureusement, ceux-ci sont suffisamment géniaux pour faire l’unanimité et contenter les spectateurs, et peut-être ce set minimaliste est-il à mettre sur le compte de la fatigue pour un groupe qui venait à peine de poser le pied aux antipodes de ses bases, mais il faut bien avouer que ce sera le regret et le point négatif d’un concert par ailleurs maîtrisé de bout en bout, agréablement dosé et qui a satisfait sans discussion aux attentes qu’on pouvait placer en lui. Las, aura manqué ce petit plus, ce supplément de folie, de générosité, peut-être, qui fait d’un bon petit concert, un concert dont on se souvient. Midnight Juggernauts, ce soir, aura livré une prestation sans faute mais sans génie et un peu pingre.
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