Château de La Tour d'Aigues

Le Festival Jazz à La Tour bénéficie d’un cadre exceptionnel, celui du château de La Tour d’Aigues, ou de ce qu’il en reste : de magnifiques façades, des tours et un portail Renaissance qui limitent une cour intérieure ajourée. La scène et des gradins y ont été dressés.

C’est Eric Longsworth Quartet qui ouvre les festivités avec un programme éponyme de son dernier album : A Ciel Ouvert.


Jean-Charles Richard, saxophones
Eric Longsworth, violoncelle
Rémi Charmasson, guitare
François Verly, percussions et batterie

L’entame se fait par un long solo de violoncelle électrique, cordes frottées à l’archet, ponctué de pincements des cordes de la main gauche : Eric Longsworth assure à la fois la mélodie et la basse qui l’accompagne. Lorsque la guitare de Rémi Charmasson effectue une entrée discrète, le violoncelle passe en mode accompagnement. Le tempo s’accélère sur l’entrée de la batterie, puis c’est au saxophone entrant que revient la mélodie. Celui-ci attaque avec un phrasé d’une grande souplesse.


On retrouvera cette entrée progressive, lente, sur plusieurs autres morceaux. La musique d’Eric Longsworth qui semble très "écrite" prend son temps, elle s’inscrit dans un espace qui est vaste, un espace qui ne manque pas dans cette cour de château et qui permet aux musiciens d’être placés à distance l’un de l’autre.


Le leader violoncelliste nous parle longuement entre deux morceaux d’ours Grizzly, qu’il a rencontré personnellement en personne, et d’orignaux (on dit un orignaux quand il y a plusieurs orignals), à moins que ce ne soient des caribous, et autres bestioles du grand nord Canadien, croisées au cours de périples de type "Into The Wild". Sa musique semble refléter une spiritualité, une zen attitude issue d’un rapport intime avec Mère Nature.


Le batteur attaque un morceau en percutant deux boules attachées à une ficelle, en cadence, façon yoyo. S’ensuit un passage très soutenu rythmiquement qui s’attarde ensuite, et encore sur une longue plage, détendue. C’est un jazz que l’on pourrait qualifier de très "Européen". Il me fait penser aux magnifiques compositions du contrebassiste Renaud Garcia-Fons, ou à celles de Denis Colin, accompagné de Paolo Cueco aux percussions.


C’est au tour du saxophoniste Jean-Charles Richard d’entamer le morceau avec une longue intro sur une flûte, qui semble traversière, et tribale à la fois. On ressent encore l’espace, la profondeur sur chacune des interventions solistes, et tutti et le rapport intime et cosmique du leader entre sa musique et son mode de vie, de pensée. C’est agréable qu’un musicien nous permette d’entrer dans son monde, très personnel, avec de longs monologues didactiques ou métaphoriques, selon le degré qu’on accorde à son discours.


Un beau concert à l’arrivée qui laisse une impression de gravité et de sophistication mélangées. Chaque musicien aura été successivement soliste et accompagnant. Et le tout se termine sur une invitation des organisateurs à déguster de la soupe au pistou, et du vin de pays, invitation à laquelle les auditeurs répondent en masse : cinq minutes plus tard, on fait la queue pour avoir sa ration, sur la magnifique terrasse, côté sud du château, qui surplombe la vallée d’Aigues. Pause de trois quarts d’heure, face à la pleine lune, on prend son temps avant de regagner sa place.

En deuxième partie, trois jeunes musiciens (ou plutôt deux jeunes et un dans la force de l’âge) entourent une grande célébrité de la batterie. Le Daniel Humair Quartet entre en scène et nous présente sa formation originale.


Émile Parisien, saxophone soprano
Daniel Humair, batterie
Vincent Peirani, accordéon
Jean-Paul Celea, contrebasse

La présence d’une gloire de la musique provoque au tout début d’un concert un sentiment identique, renouvelé, fait d’un mélange de suspense et d’excitation. C’est couillon mais ça le fait à chaque fois. Ce qui est intéressant est que cette expectative provoque une écoute particulière : Va-t-on trouver, entendre ce qu’on a auparavant lu ou entendu sur lui ? Nos simples oreilles rustres vont-elles percevoir ce en quoi un musicien se distingue par son expérience, son parcours, sa virtuosité ? Convaincu par ailleurs que de nombreux critiques ou simples auditeurs brodent et mentent sur la magnificence d’un musicien en prétendant l’avoir ressentie et avoir été touchés par la grâce, la question me tarabuste particulièrement (et je me remercie de me l’avoir posée).


La question est d’autant plus pointue que dès le premier morceau, on écoute du jazz moderne, intransigeant, sans concession. Et ce qui frappe d’emblée, c’est la qualité d’écoute de Daniel Humair, l’écoute de ses compagnons de scène, le souci de fournir un accompagnement adéquat, offrant la mise en valeur optimale de chaque musicien soliste.
Les quatre sont placés en demi cercle, de manière à être vus du public, mais aussi à se voir, mutuellement, se regarder. Si sa manière de battre est impressionnante de maîtrise, de puissance contenue, c’est encore plus par l’attention qu’il porte à ses musiciens que Daniel Humair apparaît comme un grand maître.


Le jeu du saxophoniste Émile Parisien est très personnalisé, dans le son et dans le phrasé. La posture et la gestuelle du musicien appuient chaque note avec insistance. Une drôle de gestuelle : penché en avant, saxophone qui pointe comme une sarbacane, et le coude gauche qui remonte régulièrement, comme un vieux TOC irrépressible. On dirait un de ces fous poivrots de certains films, que l’on voit parler tout seul, haranguer un interlocuteur invisible dans une rue de New-York.


L’accordéoniste Vincent Peirani s’inscrit lui aussi tout autant dans la modernité par son jeu impromptu, surprenant, décousu souvent. L’instrument n’offre pas autant de possibilités de distorsions ou autres effets stylistiques que le saxophone ou le violon, mais s’il ne reste que le choix d’un rythme, d’une dissonance d’accord ou d’une ligne mélodique inattendue, cela suffit largement à Vincent Peirani pour personnaliser et authentifier fortement son style. Il excelle sur une valse de sa composition.


Il n’en reste pas moins que cette musique est difficile d’accès, elle semble aride à quelques auditeurs. Dès la fin du premier morceau, des gens se lèvent et quittent le concert. D’autres moins délicats le font en cours de morceau, descendant les marches du gradin central et métallique, difficile de rester discret. Ils ont droit à un au-revoir ironique de l’accordéoniste, verbal et mélodique, et quelques rires du public. La musique continue et les applaudissements qui accompagnent la fin du dernier morceau attestent de l’excellence de la musique, tout au moins pour les passionnés qui parviennent à l’apprécier.


Nos oreilles sont formatées depuis l’enfance à des mélodies classiques, soumises à des normes plus ou moins tacites, liées à l’histoire de la musique et à la tonalité des gammes harmoniques. Il s’ensuit que nous avons tous une certaine dose de capacité à absorber, apprécier la modernité, la disharmonie. Chacun aura pu éprouver cette capacité ce soir, la mesurer. La situation de concert, de public collectif fausse peut-être les réactions, certains vont s’enorgueillir d’être entré à fond dedans, d’avoir trop aimé... peut-être pour flatter leur image d’ouverture d’esprit. Voilà que je deviens cynique. C’est pas beau. Après tout, on s’en fout. Pour ma part, j’ai bien aimé, et jusqu’au bout (mais ne serait-ce pas pour faire style "je suis trop moderne" ?).

Plus de photos de McYavell des quartets d’Eric Longsworth et Daniel Humair
Et des vidéos de Mardal par là.
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Terminé le Festival Jazz A La Tour ?
Pas tout à fait. Nous sommes conviés en ce dimanche midi à un pique-nique animé par La Fanfarine, fanfare élégamment déambulatoire. Elégante, elle l’était bien plus l’année dernière au Charlie Jazz Festival. Elle y était alors à majorité féminine. Exit Alice et Emmanuelle, virilement remplacées. Mais la belle Marie Braun fait toujours virevolter son saxophone baryton sous sa voilette noire et ses gants blancs.


Les titres aussi entraînants que Gepetto sont encore présents, le répertoire klezmer plus que jamais. Les percussions sont devenues plus élaborées grâce au lourd harnachement de Nicolas Pellier. L’arrivée d’une trompette apporte une plus grande diversité d’instruments. L’enrobage théâtral est toujours là avec la sollicitation du public. Mais il est moins axé sur le charme et a glissé vers le théâtre de rue : les percussions se chamaillent avec la clarinette, la trompette fait des chatouilles aux enfants, la chenille d’instruments parcourt aléatoirement la prairie.


La Fanfarine : Marie Braun : saxophone baryton / Nicolas Pellier : percussions / Guillaume Grenard : trompette / Mathieu Guerret : saxophone soprano / Jean-Louis Marchand : clarinette

La Fanfarine va se changer pour venir pique-niquer avec nous. Pendant ce temps, les bénévoles font un triomphe à Benoît, leur stagiaire paraît-il très efficace. Jean-Paul Ricard voit le bilan de cette semaine "globalement positif pour une première édition". La soirée de samedi avec son hommage à Django Reinhardt en a été le plus gros succès populaire malgré le mauvais temps. Viennent ensuite les soirées de mercredi (Louis Sclavis), vendredi (Christophe LeLoiL) et jeudi (Andy Emler).


Pas un groupe n’a omis de louer le cadre exceptionnel du lieu. Pour en assurer la pérennité, quelques progrès restent à faire. Les organisateurs semblent déjà avoir compris que l’amplitude des horaires (19 heures pour le premier concert, minuit pour le troisième) est un non-sens puisque les concerts nocturnes ont débuté de plus en plus tôt au fil de la semaine. Le personnel de restauration doit également être revu à la hausse surtout si le délai d’une heure trente entre les deux premiers sets se réduit. L’idée d’inviter un producteur de vin différent chaque jour est judicieuse. Ma préférence va au rosé du vignoble de Château Fontvert (Lourmarin) mais je n’ai pas tout goûté)…


Bien que n’étant pas Tourain, j’avais eu vent de certaines tensions après la décision du Conseil Général de créer ici "un nouveau festival". Certaines sont encore palpables, les plus véhéments considèrant qu’on leur avait "volé" leur manifestation et parlant de 25ème édition du Festival du Château. Quant au changement du sens de la scène, il a fait couler beaucoup de salive début août. Le climat semble toutefois s’être quelque peu apaisé.


A l’année prochaine pour la deuxième édition de Jazz A La Tour ou, si vous préférez, la 26ème édition du Festival du Château avec une scène dans le sens que vous voulez mais une programmation au moins aussi riche et éclectique que celle-ci.
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La pluie a rafraîchi l’atmosphère en ce samedi après-midi. La porte du Château est close malgré l’heure dépassée du début prévu du premier concert. On entend les balances des disciples de Django à l’intérieur. C’était le moment ou jamais d’utiliser la fanfare chargée d’égayer le site.


La Fanfarine (j’en parlerai demain) n’arrivera pourtant qu’après une demi-heure d’attente, au moment où les festivaliers s’agaçaient d’être traités comme des usagers de la SNCF, pâtissant d’un retard sans aucune information…

Perrine Mansuy Quartet "Vertigo Songs"

Depuis que je connais la date de ce spectacle, j’essaie d’éviter d’en savoir quoi que ce soit. J’aime les surprises et celle-ci est prometteuse : association de Perrine Mansuy, pianiste aérienne vue dans le Christian Brazier Quartet et de Marion Rampal, (en)chanteuse pour laquelle ceci sera mon huitième coup de cœur.


Et le deuxième pour Perrine Mansuy, donc. Car ce sont ses compositions que le quartet, complété par Jean-Luc Difraya (percussions) et Rémy Decrouy (guitare, laptop) va interpréter.
Des mélodies subtilement interprétées au piano comme Wandering Dreams qui inciteront nombre de spectateurs à fermer les yeux pour mieux s’en imprégner. Une douce sérénité s’en échappe. Son jeu de piano évoque celui de Tori Amos quand celle-ci n’est pas habitée par les démons.


Celle qui est habitée ce soir, c’est Marion. Elle crie à la rédemption sur Xanadu, elle réussit l’exploit de danser le tango tout en restant les pieds cloués au sol tant son chant est expressif. Elle est (presque) aussi sensuelle qu’Audrey Hepburn dans Diamants Sur Canapé mais bien meilleure interprète de la merveilleuse Moon River. Elle est parfaite sur Rythm A Ning, lorsque Perrine nous fait enfin face, délaissant le temps d’un titre son piano pour son Korg.


Jean-Luc Difraya, assis sur son cajón, le tapote de la main gauche et baguette ses autres percussions de la droite. La moindre parcelle de son visage semble concernée par son jeu. Rémy Decrouy, lui, ajoute sa guitare ou sample des sons. L’un d’entre eux a fait râler ma voisine qui cherchait partout le malotru qui avait oublié d’éteindre son portable…


Perrine Mansuy "Vertigo Songs" : Perrine Mansuy : piano / Rémy Decrouy : guitare, laptop / Jean-Luc Difraya : percussions / Marion Rampal : voix.

La reprise de Smile (Chaplin / Nat King Cole) clôturera en beauté cette belle découverte. Les quatre étoiles de la soirée sont déjà assurées.

Ca tombe bien car voilà le set que je redoute le plus :

"Django Et Rien D’Autre !"


Pour ceux qui l’ignoreraient encore, 2010 est l’année Django Reinhardt (centenaire de sa naissance). Ce projet-là, quinze jours après celui de Bireli Lagrène au Festival Jazz Des Cinq Continents est un hommage encore plus fidèle. Le producteur prend la parole : "beaucoup de groupes jouent des titres d’autres compositeurs "à la manière de Django Reinhardt", je ne sais pas si c’est à encourager ou à déplorer". On a compris le message, il le déplore. Ce jazz-là, je ne l’écoute plus, je m’en suis lassé. Mais le slogan de l’AJMi, "la meilleure façon d’écouter du jazz, c’est d’en voir" trouvera pour moi sa signification ce soir.

Bonus vidéo :

Car la vision des mains du maestro Raphaël Faÿs et de ses deux acolytes Steeve Laffont et Yorgui Loeffler sur le manche respectif de leur guitare est un réel plaisir.
Il fait froid mais leurs doigts ne sont pas gourds !
Rudy Rabuffetti va faire la pompe pendant une heure et demie. Il n’en semble pas frustré, bien au contraire, tout comme le contrebassiste dont le maestro ne se souvient pas du nom lorsqu’il s'agit de le présenter.


Les titres se succèdent, les prouesses avec : Swing Guitars et Webster (composés avec Stéphane Grappelli), Artillerie Lourde, Blues En mineur, I’ll See You In My Dreams (Raphaël Faÿs en solo), Valse A Django, Minor Swing…
Danse Nuptiale a dû donner des idées à une spectatrice aux formes généreuses. Elle a jeté son dévolu sur Yorgui et s’avance vers la scène pour lui faire une danse d’approche.
Seul Bolero a tranché avec le reste du répertoire, un peu trop linéaire à mon goût.


Django Et Rien D’Autre : Rudy Rabuffetti : guitare rythmique / Steeve Laffont : guitare / Raphaël Faÿs : guitare / Jean-Luc Fabre : contrebasse / Yorgui Loeffler : guitare

Laure Donnat & Lilian Bencini Duo "Gloomy Holiday"

2010 est donc l’année Django Reinhardt. Je préférais 2009. C’était l’année Billie Holiday (cinquantenaire de sa mort). Justement l’hommage qui suit lui est adressé. Je l’avais apprécié à Marseille, à la Maison du Chant : Laure Donnat est au chant, Lilian Bencini à la contrebasse.
Je préfère rester sur cette prestation-là. Les conditions n’étaient pas idéales pour eux ce soir :
- Ils n’ont pas eu le temps de faire des balances à cause de la pluie. Conséquence, retour pas au point, trop de réverbe ;
- Le froid est devenu carrément glacial ;
- Leur déception devait être grande de voir les nombreux amateurs de jazz manouche (plus forte affluence de la semaine) déserter en masse pour ne finalement jouer que devant une trentaine de spectateurs ;
- Le matériel s’y est mis : pédale à boucles de Lilian récalcitrante…


Tous ces paramètres ont notamment perturbé les scats, si scotchants voilà dix mois. Les plus belles réussites furent My Man et sa belle fin à l’archet, l’adaptation d’une folle originalité de Strange Fruit et Don’t Explain (pourtant le titre où Lilian n’a pu sampler mais son plan B fut judicieux).
C’est toujours un plaisir de se replonger dans le riche répertoire de celle que Lester Young surnomma Lady Day. Vivement 2015. Ce sera à nouveau l’année Billie Holiday (centenaire de sa naissance).

Setlist : Trav’lin’ Light / My Man / Good Morning Heartache / Lady Sings The Blues / Strange Fruit / I Want To Die Easy, When I Die / I Have A Dream / What A Little Moonlight Can Do / Body & Soul / Don’t Explain / God Bless The Child
Rappel : Gloomy Sunday.
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Le jour 3 de ce Festival Jazz A La Tour en fut le plus beau.

Rémi Charmasson Trio “Wired Fishes”


Rémi Charmasson débuta en remerciant vivement Jean-Paul Ricard, directeur de l’AJMi, et "tous ces gens qui portent la musique à bout de bras". Dans l’acronyme AJMi, le J signifie Jazz. C’est plutôt le grand M et le petit i de "Musique improvisée" qui furent concernés pendant ce premier plateau.

On y retrouva deux membres du MegaOctet d’Andy Emler vu la veille : le contrebassiste Claude Tchamitchian et le batteur Eric Echampard.

"Wired Fishes" est leur création, consécutive à une résidence de plusieurs jours. Leur collaboration débuta bien antérieurement. La première pièce jouée ce soir (vidéo ci-dessous) fut enregistrée en 1988. L’impro y était moins présente que par la suite.


Sur les deux pièces suivantes par exemple qui s’enchaînèrent, semblant n’en constituer qu’une seule. Elles recelaient tout ce que les Musiques improvisées peuvent apporter : expérimentation / construction / apogée / effilochage / reconstruction / zénith. Lors de la première plage expérimentale, Tchamitchian montra tout son génie, lors des moments denses, la guitare de Charmasson, complètement habité(e), me magnétisa.


Comme lors de la prestation de Melc au Charlie Jazz Festival le mois dernier, certaines personnes venues écouter du jazz et rien d’autre ont pu être désappointées par des riffs plus proches d’Aerosmith que de Wes Montgomery.

La cloche qui sonna 20 heures a peut-être modifié les plans de Tchamitchian qui débutait – et a du coup interrompu – l’intro d’une pièce. Mais lorsqu’il saisit son archet, il savait exactement où il voulait en venir. Sa création tout en nuances devait le mener au thème écrit que la batterie peaufina et la guitare décora magistralement.


Le rappel fut une composition inédite du violoncelliste Eric Longsworth, Long Day, un magnifique blues. Pour l’anecdote, Eric Longsworth était présent dans ce festival comme spectateur la veille et le lendemain. Pas ce soir-là. Il était à Clansayes où il m’a dit avoir joué une compo de Charmasson…


Rémi Charmasson Trio "Wired Fishes" : Rémi Charmasson : guitare / Claude Tchamitchian : contrebasse / Eric Echampard : batterie.

Christophe LeLoiL Sextet “E.C.H.O.E.S.”

Dans AJMi, le J signifie jazz. Ceux qui sont venus écouter du jazz et rien d’autre ne seront pas déçus. ECHOES est également un acronyme : Extended Composition Heard On Evolutive Swing ! C’est Christophe LeLoiL qui essaie de nous en convaincre dans son speech inaugural plein d’humour. On y apprend que s’il nous présente directement les musiciens, c’est parce qu’ils joueront tout d’une traite, qu’on a quand même le droit d’applaudir les solos si on veut, que Simon Tailleu accède à la propriété et que sa banquière est sourcilleuse…


La bonne humeur sera de mise tout au long de leur brillante prestation, la plus excitante de la semaine. Son bugle donne le ton. La soirée était fraîche, elle s’est soudain réchauffée. Pour l’instant, le baryton de Thomas Savy et l’alto de Raphaël Imbert sont discrets.
Disposant de davantage d’espace que lors de leur concert au Cri du Port en février 2009, les souffleurs peuvent sortir de scène pour mettre en lumière la rythmique, souvent sollicitée. Le piano, la contrebasse et la batterie s’occuperont quelquefois de créer des oasis de tendresse. Car les grains de folie sont nombreux. Le premier surgit du ténor de Raphaël Imbert sur un solo dont il a le secret, jeu de jambes en prime. La folie de Thomas Savy est plus douce (solo au baryton) mais ce n’était que sa face lisse (The Smooth Side Of T.S.). On découvrira son côté rugueux plus tard au baryton…


Simon Tailleu est récompensé d’avoir joué cinq notes en boucle depuis dix minutes en accompagnement. On lui rend la monnaie de sa pièce et deux clarinettes basses et la trompette ponctuent son solo à lui.

LeLoiL, grand consommateur de sourdines (au moins quatre différentes), a du coup une trompette polyglotte. Chacun des sons obtenus évoque un style différent de jazz. Le sien s’en nourrit abondamment mais reste résolument moderne.

Bugle cajôleur, changements de rythmes, saxos psychopathes, rythmique softissime, batterie qui chante, trompettes diverses interviennent à nouveau avant le final offert en rappel : un jubilatoire résumé des chapitres précédents. L’humour de Christophe entrevu dans la présentation initiale est ici présent dans sa musique.


Christophe LeLoiL Sextet "E.C.H.O.E.S." : de gauche à droite : Carine Bonnefoy : piano / Simon Tailleu : contrebasse / Cédrick Bec : batterie / Christophe LeLoiL : bugle, trompette et sourdines / Raphaël Imbert : saxophones ténor et alto, clarinette basse / Thomas Savy : saxophone baryton, clarinettes basse et si .

Bonus vidéo : Part 9 : Miscellaneous


Les progrès du festival continuent de jour en jour : l’attente a encore été réduite pour le dernier plateau, mais un exode massif a tout de même lieu.

Francis Le Bras & Daniel Erdmann Duo

Dans AJMi, le A signifie Association. Celle de cette fin de soirée est judicieuse. Il s’agit du second duo piano / saxophone de la semaine après celui de Rémi Dumoulin & Bruno Ruder mercredi.


On retrouve avec plaisir Daniel Erdmann au saxo, beaucoup plus gendre idéal que la veille avec Das Kapital. Il va faire sonner son ténor dans la fraîche nuit touraine accompagné du pianiste rémois Francis Le Bras. La crainte d’assister à un set linéaire sera vite dissipée. Leur musique est tantôt sautillante (Double Stupide), tantôt divinement apaisante (composition du contrebassiste Johannes Fink), tantôt mélancolique (titre en hommage à un footballeur tchèque méchamment taclé !), toujours fluide et expressive.


Les couche-tôt ont eu tort pour la troisième soirée consécutive. Pour ma part, je suis encore resté jusqu’au rappel. La preuve ? L’improvisation finale était dédiée à la grand-mère de Daniel, "parce que j’aime bien ma grand-mère" qu’il nous a dit.
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Voici comment nous sommes accueillis devant le château : une mini-fanfare, le Trio Tout-Ut, nous fait joyeusement patienter avant le plateau de 19h00. Nous le retrouverons aussi avant le grand concert de 21h30.



Das Kapital Plays Hanns Eisler

A leur arrivée, un monsieur du deuxième rang quitte immédiatement sa place. Il ne doit pas aimer les chemises kitsch.


La découverte sera double. Tout d’abord Hanns Eisler. "Il écrivait toujours en rapport avec le régime politique qu’il subissait" nous dit le saxophoniste. Je n’avais jamais entendu parler de cet homme, pourtant mine de création : l’hymne est-allemand, c’est lui, la musique de Nuit et Brouillard, c’est encore lui, longue collaboration avec Berthold Brecht… Son parcours géographique complexe (Liepzig / Vienne / Berlin / Hollywood / Berlin) a été souvent lié à une nécessité idéologique. Das Kapital met son extrême créativité à son service. La mission est brillamment accomplie puisqu’on a envie d’en savoir plus sur l’homme.


Le thème de Das Wunderland (Le Pays Des Merveilles) est plaisant lorsqu’un (gros) grain de folie vient le transfigurer. Ce n’est que le début des délires du trio. La batterie sera attaquée maintes fois à la scie à métaux, la corde aiguë de la guitare devra être changée à deux reprises.


Daniel Erdmann est le moins déjanté des trois. Quoique… A l’issue de son stratagème pour inciter les spectateurs à acheter les disques, on aurait bien vu des hommes en blanc arriver pour l’emmener. Mais son saxo joue imperturbablement les entraînants thèmes que ses amis prennent un malin plaisir à "égayer". L’œuvre de Hanns Eisler est du même acabit, témoins les titres dont nous est donnée la traduction française : Sans Le Capitalisme Ca Va Mieux, La Mère Beimlein A Une Jambe De Bois…
Ils terminent par une samba puis nous offrent ceci en rappel, récompense suprême :


Non, celle-ci n’a pas été écrite par Hanns Eisler. Ni Le Soldat Des Marécages, sublime ballade devenue l’emblême des centres de rétention en Allemagne. Mais ils faisaient partie de son quotidien.


Das Kapital : Daniel Erdmann : saxophone tenor / Edward Perraud : batterie / Hasse Poulsen : guitare

L’organisation de ce festival tout neuf a déjà fait des progrès mais est encore perfectible. La queue au stand restauration est beaucoup moins importante que la veille. C’est bien, même si c’est en partie dû à une moindre affluence. Quant au trio-fanfare Tout-Ut, il aurait pu meubler cette looongue heure d’attente aux quatre coins du site. Au lieu de cela, il intervient à 21h40 et retarde du coup l’arrivée de la méga formation qui n’aura pas le temps de proposer un rappel !

Andy Emler MegaOctet

Vous connaissiez le solo de jazz ? Andy Emler a inventé le MégaSolo de jazz.
Sa formation est tellement un MegaOctet qu’ils sont neuf. Andy Emler est le pianiste, compositeur et directeur de l’orchestre. Il n’en profite pas pour tirer la couverture à lui, bien au contraire. Son solo à lui doit être le plus court de la soirée.


Il s’est entouré de musiciens d’exception. On s’en aperçoit d’emblée sur Crouch, Touch, Engage où sax ténor, sax alto, trompette et contrebasse s’illustrent déjà brillamment. Ce n’était qu’un échauffement.

Andy Emler est en fait l’arbitre. Il vient de donner le départ d’une mêlée de rugby. Une mêlée qui va durer deux heures. Mais si dans un pack, ils sont bien huit, on ne compte que deux piliers. Ici, chacun va être le pilier de la mêlée à un moment ou un autre de la soirée.
François Thuillier tout d’abord avec son tuba pour une intro scotchante de la pièce suivante. Il parvient à extraire de son lourd instrument des sons de guimbarde ! Fabrice Martinez ensuite à l’issue de cette même pièce. Au bugle d’abord (alternance remarquable de graves et d’aigus), à la trompette ensuite.


Suivent un duo d’aliénés clarinette basse / contrebasse calmé par le sax soprano, un solo d’Adrien Amey à l’alto, un autre de Thomas de Pourquery au même instrument, un duo piano / contrebasse, un autre batterie / percussions et, mon préféré, celui de Laurent Dehors au ténor.
Chacun est à la fois une prouesse instrumentale et un exploit physique. Il semble que ce n’est qu’à bout de forces que l’instrumentiste demande l’aide de ses partenaires. Investissement et solidarité rugbystiques. Mais ne vous y trompez pas, le set ne se résume pas à une galerie de soli improvisés avec de simples passerelles/prétextes jetées entre les chorus. La trame est solide et mélodique et reprend dès la fin de chaque performance comme en témoigne la vidéo ci-dessous :



Les hommes en blanc auraient pu intervenir à nouveau sur le Postlude où le chant de Thomas de Pourquery/Marguerite, traduit simultanément en allemand par Laurent Dehors/Siegrund illustre la saine folie qui règne dans cette formation. Leur joie de jouer ensemble est communicative.
C’est leur deuxième concert en six jours, "presque une tournée" ironise Andy Emler…


Andy Emler MegaOctet : de gauche à droite : Laurent Dehors : saxophone ténor, clarinette basse / Thomas de Pourquery : saxophones alto & soprano, voix / François Verly : percussions / Fabrice Martinez : trompette, bugle / Adrien Amey : saxophone alto / Eric Echampard : batterie / François Thuillier : tuba / Claude Tchamitchian : contrebasse / Andy Emler : piano

Jeanne Added & Yves Rousseau Duo

Les hommes en blanc ne viendront plus. On redevient sage en fin de soirée. Un duo piano / voix sur la terrasse nous est proposé avant de prendre congé. Pas folichon sur le papier après un tel flot de démences jubilatoires.


La voix de Jeanne Added m’incitera toutefois à rester jusqu’au bout. L’ambiance créée sur les deux premiers titres par l’archet d’Yves Rousseau puis par ses doigts est apaisante. Le choix de textes est intéressant (Marguerite Duras, Antonin Artaud, Yves Bonnefoy, Louis-René des Forêts, Léo Ferré).
On a totalement changé d’univers, l’heure avancée de la nuit, la fraîcheur de la terrasse ont créé une douce intimité.


J’aurais toutefois préféré que Jeanne Added termine sur ce magnifique et méconnu texte de Léo (Thomas Pourquery est venu lui donner la réplique pour Où Va Cet Univers ?) que par le rappel raté qui le suivit.

Non mais sans blague Christ tu fuis de ton flanc triste
Sur ce monde impotent et sur ces potentats
Qui t’ont étiqueté d’étiquette à touriste
Le plat du jour : c’est Christ avec les bras en croix
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Ce n’est pas d’aujourd’hui que La Tour d’Aigues et son château accueillent un festival en leurs murs. La danse, le théâtre et les musiques y sont à l’honneur depuis un quart de siècle. Pourtant ce Festival Jazz à la Tour est le premier du nom. Le Conseil Général semble vouloir le pérenniser et l’AJMi arrive avec son savoir-faire et son carnet d’adresses.


Le programme de ce "nouveau festival" est riche et varié. A sa lecture, on souhaiterait tout voir, tout écouter, mais sera-ce possible avec trois concerts quotidiens et une telle amplitude dans les horaires (de 19 h à 1h du matin quatre jours durant) ?
Une première réponse ce soir.

Jean-Philippe Viret Trio “Le Temps Qu’Il Faut”


Que les compositions soient de Jean-Philippe Viret, d’Edouard Ferlet (Page 345) ou de Fabrice Moreau (Vert), elles véhiculent toujours une quiète angoisse. Pourquoi cet oxymore ? Parce que si l’omniprésente contrebasse nous opprime, chaque intervention du piano rend l’ensemble apaisant. Le batteur, expressif au point de sembler tout donner à chacun des cliquetis distillé sur ses cymbales, est le trait d’union entre ces deux sentiments opposés.



Le titre des pièces contraint l’auditeur à mettre son imagination à contribution : Not Yet, Les Mots Rebelles, Co-Errance, Peine Perdue…
Lorsqu’Edouard Ferlet égaye la longue migration de la Barge Rousse - pièce en hommage à un oiseau capable d’aligner 11 500 km "sans escale ni carte de séjour" - en percutant les cordes de son piano à la main puis à l’aide de baguettes, j’y entends des claquements de becs. Lorsque sur le sublime Peine Perdue, Jean-Philippe Viret multiplie les va-et-vient de son archet sur sa contrebasse, je me le représente écopant en vain sa barque trouée.

Si votre imagination est fertile, si les trios piano / batterie / contrebasse vous touchent, celui-ci vous fascinera. Leur prochain album sortira le 4 novembre.


Jean-Philippe Viret Trio : Edouard Ferlet : piano / Jean-Philippe Viret : contrebasse / Fabrice Moreau : batterie

Setlist : 1 Not Yet / 2 Les Mots Rebelles / 3 Co-Errance / 4 Page 345 / 5 La Barge Rousse / 6 Peine Perdue
Rappel : 7 Vert

Une heure d’attente c’est beaucoup. Et peu à la fois. Le petit stand restauration est pris d’assaut et les derniers à avoir pris place dans la longue queue regagneront à la hâte les gradins leur assiette à la main.

Louis Sclavis Quintet "Lost On The Way"

Ceux qui ont fait fonctionner leur imaginaire avec Louis Sclavis ne l’ont pas fait à partir des titres. Il n’en a donné aucun et n’a pris la parole qu’à une reprise pour dédier "un petit moment de tendresse à l’AJMi et aux autres organisateurs".
Curieux quintet qui semble coupé en deux. D’une part les deux souffleurs, de l’autre la rythmique (basse / batterie / guitare).



Les uns multiplient les heureuses associations : le plus souvent clarinette basse (Louis Sclavis) / saxo alto (Matthieu Metzger), mais aussi clarinette basse / saxo soprano ou encore soprano / alto voire clarinette / alto…
Ils dialoguent dans plusieurs langages, le classique, le moderne, le free et sont envoûtants lorsqu’ils jouent la même partition.
Les autres auraient du mal à cacher leurs influences rock, manifestes à plusieurs reprises : sur un solo de basse vers le début du set, sur le solo de guitare de la pièce suivante accompagné de bidouillages électroniques et surtout lors de la pièce finale lorsque Louis Sclavis leur a laissé la clé du Château et sur le puissant solo de batterie.



La fusion se passe toutefois bien la plupart du temps même si lors du deuxième solo de basse consécutif à des plages un peu plus expérimentales des saxos, les travées se sont éclaircies.

Le moment le plus riche en intensité était le fameux "petit moment de tendresse", joué sans batterie, démarré free puis s’assagissant au fil des minutes avant les deux plus beaux chorus de la soirée de Sclavis (clarinette basse).


Louis Sclavis Quintet : de gauche à droite : Olivier Lété : basse / Louis Sclavis : clarinette, clarinette basse, saxophone soprano, harmonica / François Merville : batterie / Matthieu Metzger : saxophones alto et soprano / Maxime Delpierre : guitare

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Rémi Dumoulin et Bruno Ruder Duo

Il est 23h15. La troisième partie de soirée est programmée à minuit. Il s’agit toujours de duos pour le moins originaux (piano / saxophone ou contrebasse / voix). L’annonce faite au micro ("le concert aura lieu autour de minuit") laissait espérer un peu moins de trois quarts d’heure de patience. On n’attendra heureusement pas qu’il soit demain pour débuter. Le temps pour l’accordeur de piano de régler l’instrument (après les percussions d’Edouard Ferlet, y’a du boulot) et à 23h45 c’est parti.


Ici, le jeu de piano de Bruno Ruder est plus classique que celui du début de soirée. Rémi Dumoulin y accole immédiatement son saxophone ténor pour une Récitation. Ce n’est que leur second concert ensemble et l’osmose est parfaite. Peut-être davantage encore lorsque Rémi préfère sa clarinette, plus propice à l’heure tardive et au décor. Elle sera prenante sur L’Agglutination Des Pensées, délicieuse de légèreté sur une reprise de Thelonious Monk.


Bruno Ruder : piano / Rémi Dumoulin : saxophone ténor, clarinette

Le sax ténor aura toutefois le dernier mot pour une "Valse". Il est alors 0h40 et le public est repu. Valeureux sera le duo qui réussira à obtenir un rappel en troisième partie de soirée. Celui-ci le méritait pourtant.

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