Cité de la Musique - Marseille

Après un showcase fort sympathique au Lollipop Music Store (celui de Dissonant Nation venu présenter son premier "vrai" EP Sauvage, nous voici maintenant d'un coup de metro à la Cité de la Musique** pour voir le nouveau spectacle de Nuestra Cosa à l'occasion de cette première répétition publique.


Nuestra Cosa c'est ce groupe composé Guillaume Cros (ex Na Zdorovie) à la guitare, Quentin Le Roux (ex Gus Weg et toujours Samenakoa) au clavier, flûte, bugle, laptop, Loïc Marmet à la batterie et percussions et Ulrich Wolters (Kabbalah) au saxophone et mallets, les 3 premiers constituant aussi Hugo Kant et de Jean-Marc Lamoure à la narration et monteur (et auteur pour certaines) des images projetées ! Cela fait quelques années qu'ils tournent avec un ciné-concert du nom de Farenji que je n'ai pourtant jamais réussi à voir.


C'est Jean-Marc qui nous présentera ce nouveau projet et nous expliquera que les 4 premiers morceaux qu'ils vont nous présenter ce soir sont le fruit de leur semaine de résidence à la Cité de la Musique. Il nous parlera notamment de B. Traven écrivain (a priori) américain mais écrivant en allemand (et de ses nombreux pseudo utilisés pour brouiller les pistes) dont sont inspirés les textes de ce Vaisseau Fantôme qu'ils nous présentent ce soir, et insistera sur le fait que contrairement à Farenji où ils jouaient en regardant l’écran, cette fois ils jouent tournés vers le public.


Confortablement installés dans l'Auditorium de la Cité, j'ai donc découvert avec émerveillement ce groupe et leur nouveau spectacle. La voix de Jean-Marc à la fois grave et théâtrale est parfaite dans ce genre de narration. A deux reprises je penserai à Tom's pour le "flow" et le timbre de la voix. On utilise souvent la métaphore du voyage voire du bateau pour décrire un concert en disant qu'on se retrouve emporter par la musique ... dans le cas de ce spectacle c'est d'autant plus vrai ! Entre chaque morceau les lumières se rallumeront et l'origine voire la construction du morceau nous sera présenter.


Tout m'a plu, les textes, la musique riche et variée (pas étonnant vu les auteurs) et leur interprétation. En fait il ne s'agit pas d'un ciné-concert classique où les musiciens reconstruisent la bande son d'un film muet (ou rendu muet). Ici certains des films ont du son, voir de la voix (comme le 3ème morceau) qui fait du coup partie intégrante du morceau. Lorsque le dernier morceau (très Tom Waits avec ses "hey ! ho !") carrément entrainant voire dansant, s'achève on en redemande.


Mais c'est fini, le voyage n'aura duré qu'une grosse demi heure ; il ne s'agissait que d'une étape dans la construction de ce spectacle qu'on a hâte de revoir dans son intégralité ! Et si vous avez besoin de nouveaux spectateurs tests, n'hésitez pas à refaire une séance publique comme celle ci ! on sera là ! En attendant je vais guetter la prochaine programmation de Farenji ...


** Sur le site de celle ci on pouvait lire à propos de ce spectacle : "À bord du vaisseau fantôme, alors que la violence hiérarchique est poussée à ses paroxysmes les plus lugubres, les passagers ont en commun cette conscience aigüe qu’il s’agit là de leur dernier voyage. Le vaisseau rassemble sur sa passerelle quatre musiciens, un narrateur et des images sonores. Incarnant différents membres d’équipage, les musiciens naviguent et dialoguent avec l’écran d’où jaillissent les mots de quelques vagabonds pelliculaires, mais aussi les sons des machines et ceux de la haute mer. Présent sur scène, le narrateur nous conte cette tragédie librement inspirée du roman de B. Traven.

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Après l’échauffement de hier au Lollipop Music Store, les choses sérieuses recommencent ce soir avec en début de soirée Nicolas Cante à la Cité de la Musique, suivi de RIT au Paradox … enfin c’était le programme initial … En arrivant à la Cité de la Musique je ne suis pas trop sûr de ce que je vais voir, Nicolas Cante ayant plusieurs répertoires allant de grand public / très dansant (avec son irrésistible Mekanik Kantatik) à très contemporain / expérimental (que ce soit seul ou en duo) et je sais qu’il avait deux albums sur le feu, justement dans ces deux extrêmes.


Des petits tracts joliment dispersés sur les tables à l’entrée répondront à ma question. Nous sommes là pour fêter la sortie de Improvisum 1.1 disque coproduit par La Meson qui décidemment se bouge niveau discographique aussi (après les deux albums de Kabbalah et le Erem de Akosh S & Gildas Etevenard). Dans le public beaucoup de têtes connus, dont pas mal de gens "de la profession" (je parle de musiciens, journalistes, programmateurs …).



Je me cale au premier rang pas forcement au meilleur endroit pour les photos mais il y a de la place et je pourrai bouger, et puis comme il y a déjà au moins 2 photographes sur pieds je me dis qu’il y aura déjà de beaux souvenirs de cette date (je ne forcerai donc pas trop niveau photos). J’attends confortablement installé quand les lumières diminuent. On le devine qui arrive dans l’obscurité avec sa démarche caractéristique (mélange d’excitation et de timidité) …


Je ne sais plus si il s’est adressé à nous ou a attaqué tout de suite mais ce qui est sur c’est qu’il a assez vite commencé par mettre des trucs dans son piano (un bosendorfer) ; boules de billard, pelle pour décoller le papier peint, t-shirt, morceau de bois … Alors certes c’est la moindre des choses que de faire cela lorsqu’on fait de la musique expérimentale … comme les guitaristes / bassistes qui glisse tout un tas de trucs entre leurs cordes, mais il y a des fois où ça tombe à plat … pas là !


Le piano étant équipé de plusieurs micros reliés à des machines, il bidouille, sample, boucle les sons au fur et à mesure pour un résultat … comment dire … déconcertant dans un premier temps et qui très vite devient cohérent. Je crois que je ne serai pas trop capable d’en dire plus sur la musique et que le plus simple serait d’écouter des extraits du fameux disque ;-) Par contre je peux vous en dire un peu plus sur comment j’ai vécu la chose, plus quelques infos pratiques.


Je ne sais pas combien de morceaux compte le disque mais ce soir il n’aura joué que 4 morceaux (peut être 5) pendant plus d’une heure et demi. Je manquerai de m’endormir une fois ou deux, mais encore une fois ce n’est pas un signe de lassitude. J’ai d’ailleurs remarqué que je n’étais pas le seul à écouter les yeux fermés par moments. Il y a avait des moments très calmes pendants lesquels (moi !) je me retenais de faire clic clic à tout va, et d’autres beaucoup plus énervés.



Entre les morceaux il s’adressera au public avec émotion (ceux qui l’ont déjà vus voient sans doute), comme amusé / étonné de voir que nous étions si nombreux (public et les gens qui le soutiennent Meson / Cri du Port / … ) à le suivre dans ses délires. Ces interventions entre les longs morceaux donnaient beaucoup de fraicheurs et détendaient bien l’atmosphère (autant d’attention et d’écoute pendant les morceaux ça se sent).



A la fin du concert après nous avoir salués il nous invitera à boire un coup au bar ! Je déclinerai la coupe de champagne offerte pour me rendre vite au Paradox (où le concert s’avérera annulé pour cause de travaux) … Ne pouvant pas exprimer mon admiration pour le travail et la folie si joliment canalisé de ce savant fou extrêmement sympathique c’est donc via cette chronique que je l’exprime …

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Cité De La Musique, 21 heures. Sous les regards épars des spectateurs qui chuchotent, les instruments attendent, immobiles et en silence, d’être animés, sur la scène de l’auditorium. Puis les musiciens entrent et se placent.


Stephan Caracci : vibraphone / Joe Martin : contrebasse / Raphaël Imbert : saxophones tenor, alto et soprano / Gerald Cleaver : batterie.

En quelques mots, Raphaël Imbert explique la genèse du projet : un voyage aux USA, en Caroline du Nord, la rencontre avec des musiciens américains, une première tournée avortée à cause du volcan islandais au nom imprononçable (Eyjafjöll). Puis il énumère les différentes parties de la Usuite, que nous allons écouter.


1. Shared Temples
2. Ecosystem Of Citybirds
3. Po’ Boy
4. Omax At Lomax
5. Jamin With Jamin

Le jazz que nous écoutons est de tendance très urbaine. Le saxophoniste a cité ses inspirateurs : Charlie Parker et Eric Dolphy, entre autres. Raphaël Imbert a ingéré et assimilé l’héritage du passé, la touche moderne et avant-gardiste qu’il apporte y trouve toute sa valeur.


La qualité du son restitué dans l’auditorium de la Cité De La Musique met en valeur le talent de Raphaël Imbert : un son sourd, qui ne se disperse pas grâce aux qualités acoustiques de la salle (les rideaux, tentures et tapis sont nombreux, de partout), un son dont nous pouvons profiter pleinement, un son plein, franc, clair, riche en nuances et parfaitement maîtrisé. J’ai particulièrement apprécié celui du saxophone soprano, que j’ai trouvé proche de celui de Wayne Shorter (sur des phrases bien plus longues).

Par moments, le saxophoniste s’écarte et laisse le champ aux trois autres musiciens. Ces derniers jouent ensemble de manière très homogène. Les notes émises par le vibraphone et la contrebasse ont en commun un caractère percutant, souple, rebondissant. Le batteur frotte ses peaux de manière très suave, intimiste. Le contrebassiste semble chercher sa voie lors du premier solo, un peu surpris peut-être par le grésillement parasite et inopportun de l’instrument. Il sera beaucoup plus à l’aise lors des solos suivants. Le vibraphone est excellent d’un bout à l’autre.


Sur certaines plages, nous avons la sensation paradoxale d’assister à une activité fourmillante de constructivisme besogneux, enthousiaste et ésotérique à la fois, et parallèlement, à une vaste entreprise de déconstruction, où chaque élément, d’on ne sait quel tout, semble être identifié, puis isolé, pour un inventaire qui n’aura pas lieu. Déconstruction que chaque musicien opère, tour à tour, lors d’un solo.

Chaque musicien semble ainsi tributaire du groupe, qu’il sert et par lequel il est servi, et trouve simultanément l’espace pour affirmer sa liberté, son autonomie, son identité. Cette qualité que l’on apprécie chez tous les bons groupes est particulièrement présente, et préhensible ce soir, avec ces quatre musiciens. Il y a énormément de "substance" dans cette musique et les artistes ont le talent de gérer les silences, les "piano" pour rendre chaque note importante, essentielle.


Chaque réalisation de Raphaël Imbert est le fruit d’un travail de réflexion, soutenu par une solide érudition, d’une période de maturation, et l’aboutissement est souvent phénoménal. C’est encore le cas cette fois-ci. Pour ce qui est de la démarche, le saxophoniste Raphaël Imbert fait figure de professeur, à la fois chercheur et enseignant. Il se pose solidement, par son érudition, son travail, sa maîtrise, son excellence et sa modernité en hypothétique héritier légataire de Frank Zappa et Wynton Marsalis.


Plus de photos par McYavell ici
Quelques extraits vidéo de Mardal par là.
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La Cité de la Musique, au cœur de Marseille ... Je ne connaissais pas (oui, je sais, il faut sortir un peu de chez moi, mais bon : j’assume !!). Je pars donc ravie à l’idée de découvrir un nouveau lieu voué à la musique sous toutes ses formes et je ne suis déçue en rien. Le lieu est très accueillant dans son ensemble et la salle est vraiment super agréable. Scène de plein pied, fauteuils de théâtre, déco moderne et chaleureuse : c’est juste parfait. Elle n’est pas comble ce soir, mais le public a la bonne idée de rester groupé et nous attendons sagement que les musiciens d’ Etsaut prennent place.

Nous avons droit, pour commencer, à la petite présentation de rigueur faite par le maître des lieux. Et oui, c’est le premier concert de la saison, alors quelques chiffres pour présenter l’énorme travail effectué par la Citée, partagée entre ses activités pédagogiques (2 800 élèves) et musicales (240 spectacles l’année passée). Avec une programmation qui laisse entrevoir un réel penchant pour l'éclectisme, en nous proposant des musiques de tous les genres et de toutes les époques, allant du Baroque au contemporain, en passant par le jazz ou la musique du monde. Alors ce soir, pour rester dans cet état d’esprit, c’est une drôle d’association qui nous est proposée : celle du jazz et de la cornemuse, mélange "jubilatoire" s’il en est, offert par Etsaut, pour une première soirée musicale qui se conclura par le partage du verre de l’amitié. Ouverture oblige ;)



Tout commence par la récitation d’un texte sur la migration des bêtes vers la montagne, une poésie pastorale musicale de Laurent Cabané, accompagnée par Perrine Mansuy qui martèle les cordes de sont piano et Djamel Taouacht qui nous offre le clapotis de l’eau d’un torrent, tout droit sorti de ses percussions. On pense être en terrain connu, avec du bon jazz contemporain ... Et puis ... La cornemuse d’Eric Montbel entre dans la danse et nous emmène dans un univers complètement différent. Une présence juste parfaite, dans l’harmonie improbable de cette introduction fabuleuse.



Et lorsque le jazz se fait plus "classique", c’est encore la cornemuse, s’alliant au saxo de François Cordas, qui amène une couleur toute particulière à l’ensemble. Et au fil des morceaux, passant d’une flûte à l’autre, on fait un magnifique voyage, un pont entre le jazz et la musique du monde. Parce que Etsaut, ce n’est pas seulement un rassemblement de musiciens, ce sont 5 artistes qui se transforment en conteurs, qui nous font parcourir un village et découvrir sa vie. A l’écoute de Duoduo (dédicace spéciale à un ami présent dans la salle), on est immergé dans cette musique qui vous enveloppe pour emmener loin ... au-delà des montagnes de l’Isère. Au-delà du Mont Baral, montagne titre du morceau suivant, à l'acoustique si pure que l’on entend le saxo respirer.

La belle pianiste semble affairée sur son clavier comme sur un travail précieux. Elle me fait penser à une brodeuse attentive à son métier. Et je n’avais jamais entendu jouer de la cornemuse comme cela. C’est vraiment magique. Elle crie et se tord d’une manière incroyable. Et puis la musique repart avec ses airs dansants, pour nous emporter avec elle dans un tourbillon de notes.



Vient ensuite une traversée du village avec le petit train qui le parcourait jadis. Et je peux vous assurer qu’on y est derrière cette petite locomotive. C’est incroyablement vivant, amenant chacun au rêve ... Idéal pour laisser vagabonder l’imagination. C’est véritablement une musique universelle, qui ne peut que parler à chacun d’entre nous.

La ballade continue avec une petite pause au bal du village d’Estaut. On y danse en couple Dessus Dessous. Le départ au djembé pourrait plutôt faire penser que la fête se déroule dans un village d’Afrique, mais très vite viennent s’ajouter la clarinette et sa compagne de jeux, la cornemuse. Et lorsque le tambourin s’en mêle, on entrevoit d’un coup un banquet moyen-âgeux moderne, fleurant bon le parfum celte. C’est de toute beauté !!

Avec Ibogafatobé, la petite flûte du berger, accompagnée de la mandoline, est plus nostalgique et légèrement arabisante. La pianiste joue une nouvelle fois à même les cordes, frappant parfois directement le bois du piano. Place à la rêverie, avec un peu de nostalgie ... Et puis, encore une fois, c’est le début d’une belle histoire, pleine de surprises et de rebondissement ... Un nouveau chapitre du livre.



Le solo de la contre basse est aussi de toute beauté. Un drôle d’instrument décidément, puissant et sourd, qui peut paraître difficile d’accès et qui pourtant vous pénètre comme les battements d’un cœur. Les autres instruments se mêlent à sa musique, mais elle reste toujours omniprésente, comme l’âme de la mélodie. Et quand vient La Fontaine de l’Ours, notre apprentissage de l’art de la cornemuse continue. A chacune sa sonorité propre et même son maniement : en voici à présent une qui est équipée d’un soufflet qui se cale sous le bras. Mais cette fois, elle est accompagnée à la guitare par notre batteur. Et c’est fabuleux cette manière qu’ils ont de se renouveler, de nous emmener ailleurs en gardant toujours leur fil conducteur. Un beau voyage poétique et pastoral que celui que nous faisons ce soir.

Mais voici venu le moment du dernier morceau, qui va être très enlevé. Un véritable air de fête, qui se termine presque sur une marche ... On a la sensation de traverser le village, une dernière fois.

Viendra ensuite le temps des rappels ... Et puis encore un (le dernier pour la route), qu’il ne jouent pas souvent et qui vient du répertoire d’Eric Montbel : La Mazurka des sœurs Fauré. "On ne la joue pas souvent, annonce Laurent Cabané, mais d’un autre côté, on est pas là souvent non plus !!" ... Et c’est bien dommage à mon avis ! On va pourtant devoir se quitter, avec une dernière relance de Dessus Dessous, un dernier air de cornemuse et un solo de batterie exécuté avec maestria.

Ce fût pour moi une excellente soirée et une très très belle découverte.



Setlist
Guêpier
Duoduo
Mont Barral
Urbs
Dessus Dessous
Ibogafatobé
Sievoz
En Attendant
La Fontaine de l’Ours
Polar
D’un Endroit A l’Autre
Retour
------------------------
La Mazurka des Sœurs Fauré
Dessus Dessous

Chronique détaillé à ce lien : http://www.concertsenboite.fr/2011/09/30/etsaut/
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Ce vendredi 13 mai 2011, la Cité de la Musique de Marseille accueille le très talentueux trio de musique classique persane composé de Maryam Chemirani (chant), Bijan Chemirani (zarb) et de Shadi Fathi (tar, setar), l'occasion pour le public venu en nombre de passer une soirée d'une rare finesse.

Très rapidement, la salle se remplit jusqu'à être presque comble, le public averti ou simplement curieux s'imprègne de l'ambiance feutrée de l'auditorium et admire les instruments aux formes improbables et les tapis qui ornent la scène. On chuchote, comme pour ne pas briser la magie qui s'annonce et chacun s'apprête à vivre un beau voyage.

Vers 20h45, ainsi que le veut la tradition, le spectacle est ouvert par la danse. Sepideh Nayemi blessée, c'est vers Virginie Recolin-Ghanem, qui anime habituellement la Maison des Cultures Orientales à Marseille, que tous les regards se tournent.

Aux premières notes de sétâr, elle apparaît telle une madone, pieds nus, vêtue de soie, ses longs cheveux retenus par un ruban de soie blanche. Son visage est paisible, son sourire mystérieux, son regard comme perdu au loin.



Elle danse à la force des poignets. Ses mains esquissent des mouvements délicats et tourbillonnent comme des plumes, elle est impressionnante de pureté, de grâce et de précision.

On aimerait qu'elle ne s'arrête plus de danser...



Après de longs applaudissements, elle laisse la scène au trio de musiciens Shadi FATHI au setar (puis au tar).




Je suis impressionnée par la complexité de l'instrument. Il en émane une telle multiplicité de sons qu'il semblerait bien se suffire à lui-même. Shadi FATHI joue magnifiquement, ses notes sont une véritable invitation au voyage.

Se mêlent ensuite la voix chaude et apaisante de Maryam CHEMIRAMI et les percussions de son frère Bijan CHEMIRAMI, d'une dextérité fascinante.

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On perçoit l'émotion et on voudrait comprendre quel amour déçu chante Maryam, quelle souffrance est contée... heureusement quelques vers sont traduits "Je suis comme le pèlerin, ma place est sur la route qu'a emprunté mon cœur" "Tu possèdes le tourment et son remède" "Si ton intention est de me tourmenter, tiens voici ma tête mais si tu m'es fidèle, je te consacrerai ma vie"...


Tout au long de la soirée voix et instruments vont s'exprimer, se répondre et s'entremêler avec virtuosité entre thèmes imposés et improvisations, tradition et modernité.

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Ces musiciens sont une leçon de grâce, de respect, de générosité et méritent les tonnerres d'applaudissements et de bravos qui ont accueillis leur prestation.

Pour clôturer ces deux journées consacrées à l'Iran à la Cité de la Musique, c'est Isabelle COURROY à la flûte qui les rejoint sur scène pour un beau moment de partage musical.




Après plus d'une heure et demie de concert, et un rappel, le trio prend congé sur des notes enjouées et un rythme joyeux, de quoi nous laisser quitter les lieux le sourire aux lèvres et du baume au cœur.
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OMax At Lomax

1. Comprendre le titre
Alan Lomax était un musicologue américain. Il réalisa un exceptionnel travail de collecte de musiques à commencer par les chants de prisonniers noirs, terreau des différents styles de musiques américaines.
OMax est un programme conçu à l’Ircam. Faites-lui écouter de la musique, il saura la reproduire et en créer. Plus d’infos ici si vous avez de l’aspirine, là si vous préférez la vulgarisation.


2. Comprendre l’action des OMaxiens
Deux laptops trônent au centre de la scène. Benjamin Lévy y œuvre d’emblée rejoint plus tard par Gérard Assayag, créateur du programme, tous deux de l’Ircam.
On entend le sax de Coltrane sur I Want To Talk About You. On pense tout d’abord à un simple clic sur un fichier Mp3 mais le sax se dédouble. John poursuit son solo dans l’ampli de droite, The Trane lui répond dans celui de gauche. Raphaël Imbert ajoute un troisième sax, en direct celui-là. C’est riche et beau. Benjamin clique et jubile en scrutant son écran que nous ne voyons pas. Installer un rétroprojecteur pour permettre au public d’apprécier l’action du logiciel aurait été judicieux. Tous les amateurs de jazz ne sont pas forcément retraités et n’ont pas eu l’occasion d’assister au séminaire d’apprentissage qui s’est tenu l’après-midi même…


OMax samplera par la suite une impro solo dont Raphaël Imbert a le secret : souffler sans produire de note, utiliser le seul bec du saxophone, créer une atmosphère marine d’où émergent des baleines…
OMax mixera différents styles de jazz, montrera sa capacité à collecter et créer à partir de différents types d’instruments, qu’ils soient monodiques (saxophone) ou non (piano), voire de deux instruments sur un même micro (trombone et saxo).
C’est lors du solo de Simon Sieger au piano que la compréhension fut la plus aisée : il semblait créer une base de données, pinçant les cordes, plaquant des accords, mixant les deux, jouant des gammes. OMax, tel un bébé qui apprend vite, passera rapidement des balbutiements à la répétition puis au langage.


3. Ne pas se prendre la tête et apprécier la musique

Déjà intéressante dans la première partie, notamment lors du duo trombone / saxophone, hommage au Duke, la prestation devient brillantissime après la pause.
La formation s’est alors étoffée :
Raphaël Imbert : saxophone ténor / Thomas Weirich : platine, guitare / Jean Luc Difraya : batterie et voix / Pierre Fenichel : contrebasse & ordis / Simon Sieger : piano, trombone, Neptune / Benjamin Lévy & Gérard Assayag : OMax.


Les standards de jazz revisités se succèdent et avec eux les soli. Raphaël Imbert y est délicieusement inspiré, Jean-Luc Difraya hybride (vocalement lyrique, jazzistiquement percutant), Pierre Fénichel contagieusement swinguant.
Simon Sieger est la révélation de la soirée, littéralement prodigieux à deux reprises lorsque son piano est l’objet de son énergique déchaînement. Thomas Weirich et lui m’avaient déjà provoqué quelques frissons dans leur Mr T. Explosive Jazz Trio voilà deux ans. Tous deux sont en outre les compositeurs d’une fort originale Incarnation.

Le reste, c’est du culte : John Coltrane (Selflessness), Thelonious Monk (We See), Coleman Hawkins (Picasso) ou encore le légendaire Basin Street Blues.


4. Se remémorer le titre

Le programme de l’Ircam n’a cessé son rôle d’apprentissage/création qu’à deux reprises lors de cette deuxième partie. A l’issue du spectacle, nous pouvons enfin voir le fameux écran sur lequel évoluait bébé OMax, sous les yeux –et l’action– de Gérard et Benjamin. Celui-ci nous en explique avec passion les grandes lignes.
Quant à Alan Lomax, Raphaël Imbert en est le pendant français : il a également sillonné le Sud des Etats-Unis lors d’un récent voyage d’études à la rencontre de musiciens de différents styles (country, bluegrass, jazz…) Sa collecte à lui n’est pas étrangère à la qualité de cette soirée.

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