Parc Longchamp - Marseille

Dernière soirée du Festival Jazz Des Cinq Continents. La foule est au rendez-vous, plus nombreuse que jamais. En première partie, un quartet qui rassemble des musiciens de trois continents, et quatre pays.


Tigran Hamasyan : piano / Chris Jennings : contrebasse / Dhafer Youssef : oud et voix / Mark Guiliana : drums.

Les disputes debout/assis devenues malheureusement habituelles, durent de plus en plus, s’étendent jusque dans l’arrière partie de la pelouse et contaminent salement les premiers morceaux. Quel dommage.


Le groupe attaque sur une mélodie Africaine, qu’on suppose être Tunisienne, ou Maghrébine d’après la nationalité du chanteur oudiste. C’est joli, et si l’association des musiciens d’horizons si différents est originale, elle fonctionne immédiatement.


Dhafer Youssef applique régulièrement l’index sur sa paroi nasale gauche, à l’extérieur, évidemment, pour effectuer des notes longues, profondes, aériennes. Je n’oserai pas commenter ce chant, même techniquement, tant il semble ancré dans une culture qui m’est inconnue, et que je sais immense, et très ancienne. La seule chose que je peux dire est que ce chant produit un effet puissant, et très beau.


Les musiciens s’échelonnent sur une verticale qui va de l’arythmie jusqu'à la régularité, la constance rythmique, assurée par ces longues notes chantées de Dhafer Youssef. Vient ensuite la contrebasse, et les trois autres instruments, en comptant l’oud, alternent leurs rangs sur cette échelle, selon les morceaux, les passages. Une belle cohésion d’ensemble émerge.


Une autre chose émerge, c’est le jeu pianistique exceptionnel de Tigran Hamasyan. Une merveille d’énergie, de finesse, de sensibilité et de virtuosité associées. Une belle personnalité musicale déjà affirmée se profile chez ce jeune pianiste.


Par moments, Dhafer Youssef se retire vers l’arrière de la scène : les morceaux deviennent plus jazz. Il revient pour ramener le groupe vers l’Afrique lors des morceaux suivants. Passages renouvelés d’un continent aux autres, nous n’avions pas encore entendu une telle alternance, une telle dualité sur cette scène. Un concert de qualité, de charme et de personnalité à l’arrivée.

La deuxième partie représente pour beaucoup l’apogée, le point culminant du Festival. Le Groupe de fusion Return To Forever, rescapé des années 70 revient sur scène dans une quatrième formule.


Chick Corea : piano / Jean-Luc Ponty : violon / Stanley Clarke : basse / Frank Gambale : guitare / Lenny White : batterie.


Ça attaque très fort, en intensité et en volume. Les râleurs qui s’acharnent à crier "assis" tout en sachant qu’ils ont depuis longtemps perdu la bataille sont vite couverts par les décibels. On ne s’assied pas devant Chick Corea, Stanley Clarke et Jean-Luc Ponty.


Les trois musiciens alternent régulièrement instrument électrique et acoustique. Stanley Clarke, tantôt à la contrebasse, tantôt à la basse reprend la parole à Jean-Luc Ponty, tantôt violon marron, tantôt violon bleu, puis la cède à Chick Corea, tantôt piano, tantôt clavier. Bien que ce ne soit pas le propos, il est difficile de dire qui domine, qui l’emporte dans l’excellence des solos qui s’enchaînent.


Mais on a toujours besoin d’une idole, d’un premier, alors très arbitrairement, et ne partageant cet avis qu’avec moi-même, je déclare que c’est Jean-Luc Ponty le dabe. Il est petit, ma, il est grand. Sans doute est-ce dû à la richesse de la palette sonore du violon. Cet instrument, même s’il est électrique, permet des effets de doigté, des distorsions, des nuances en tout genre que n’ont pas les autres.


Ce style fusion propre à ce groupe, Return To Forever qui en est le créateur n’a pas pris une ride. D’une grande tonicité, et riche de nombreuses variations, il soulève le public qui l’écoute, et c’est encore le cas ce soir, dès que celui-ci reconnaît les grands titres de Chick Corea ou de Stanley Clarke : Señor Mouse, Romantic Warrior, Dayride, After the Cosmic Rain, et vers la fin du concert, Spain après son entrée concerto d’Aranjuez et Schooldays. Et si Fiesta n’était pas au répertoire, elle était bien présente chez le public, dans l’ambiance générale, sur la pelouse.


Nous émettons le vœu pieux de voir revenir ce groupe, pour toujours, sur toutes les scènes du monde qu’il parcourt encore activement, et la nôtre avant toutes bien sûr.

Plus de photos de Dhafer Youssef Abu Nawas Rhapsody et Return To Forever IV.

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Pour cette nouvelle et pénultième soirée au parc Longchamp, une chanteuse Coréenne accompagnée d’un guitariste Suédois (ah ! le label cinq continents) vont égayer la première partie de soirée.
Youn Sun Nah : chant
Ulf Wakenius : guitare


Un premier morceau est donné par Ulf Wakenius en solo sur sa guitare folk. Un chant indien (ah ! le label cinq continents). Après une partie instrumentale, le Suédois entame une litanie du type "chant de pluie", façon Cochise. Espérons qu’il ne sera pas trop efficace. Une intro qui produit un effet bizarre, inattendu, pour le moins.


Puis arrive Youn Sun Nah, toute en timidité, elle a l’intonation d’une fillette de cinq ans qui débarque sur le plateau de l’école des fans. Un premier abord qui s’estompe dès qu’elle entame le chant sur Calypso Blues. Elle a soudain beaucoup plus d’assurance et se pose d’emblée comme une chanteuse à forte identité.


Les morceaux s’enchaînent, puissants, suaves, et empreints d’un brin de folie parfois. Youn Sun Nah fait étalage de tout son répertoire vocal, en termes de registres, de capacités, d’inventions. On entend de hautes montées dans l’aigu, des percus murmurées façon Beat Box, des cris, le timbre qui devient guttural sur quelques mesures, puis change encore. C’est le plus souvent bien adapté au morceau, bien choisi.


Il faut reconnaître à sa décharge que l’exercice est périlleux : deux sur scène, elle en avant, qui se met selon l’expression familière "à poil" devant le public, elle s’expose avec une grande prise de risque. Mais elle assure sans vaciller et même avec sérénité au fil des morceaux. Belle performance. La plupart des titres sont des reprises de stantards, plus un chant traditionnel Coréen, une compo personnelle et une autre d’ Ulf Wakenius.


Question goût personnel, j’aime moyen. Certaines chansons oui, d’autres moins. Je suis plus dans l’écoute attentive, genre observateur, limite captivé. La mise en scène de sa personne, de sa voix (il y a toujours une mise en scène, même si elle est minimaliste) force l’intimité, mais bon, elle a un joli sourire, un joli visage, on joue volontiers le jeu, d’autant plus que la technique vocale est là, solide qui appuie une personnalité affirmée. Sous les dehors timides d’une fillette effarouchée, Youn Sun Nah maîtrise totalement son show.


Dans le genre prise de risque casse gueule, Youn Sun Nah nous en réserve une belle, elle aurait pu tenter une traversée de l’autoroute les yeux bandés, à 18h00, mais non, autre chose du même acabit : la voilà qui entame Avec Le Temps de Léo Ferré. Elle craint vraiment dégun. Les avis seront partagés. Je trouve qu’elle a bien assuré : intonation très "française", pas de facéties, version sobre, voix solennelle, prenante, profonde, mais qui ne tente pas l’imitation de Léo Ferré, respect global de l’ambiance du chef d’œuvre : je pense qu’elle a choisi la bonne et unique manière. Certains puristes considèrent qu’il y a des trésors auxquels on ne touche pas. Chacun se fait son avis. Elle enchaîne avec un titre de Tom Waits.


Un bon concert, qui aura charmé et fasciné certains, enchanté ou époustouflé d’autres, et qui aura retenu toute mon attention.

En deuxième partie de soirée, le trompettiste Wynton Marsalis a pris place au sein du Lincoln Center Orchestra, un Big Band rutilant, tout en costume cravaté et cuivres étincelants.

Wynton Marsalis : trompette
Lincoln Center Orchestra

Une façade impressionnante vient de se monter : douze souffleurs assis, devant leurs pupitres, un contrebassiste et un pianiste sur le côté gauche, un batteur au fond, la vitrine est superbe, ça en jette. Et on vérifie dès les premières notes, bien qu’on s’en doutait un peu, que ça n’est pas que de la vitrine. Quelle classe ! On a eu droit a des Bentley, des Rolls ou des Cadillac tout au long de la semaine. Ce soir c’est la Limousine de 12 mètres.


On pense évidemment à une grande époque mythique, que l’on a pas connue, celle des grands orchestres de Duke Ellington, de Glenn Miller -on nous apprend d’ailleurs que le sax Baryton a joué dans l’orchestre de Duke Ellington- et l’on ne sait pas qui remercier que cet exploit artistique et collectif puisse encore exister, dans ce monde ingrat, étranglé par la cruelle emprise du commerce et de la rentabilité.


Les morceaux sont des standards arrangés par l’un ou l’autre des membres du groupes, qui est cité à chaque fois et se lève pour un bref salut applaudi. Ce sont selon toute vraisemblance plus que de simples arrangements, j’imagine qu’il s’agit de véritable réécriture. Nous passons d’un Limbo Jazz à un Blues annonce Wynton Marsalis.


On annonce un special guest : le pianiste se lève humblement pour céder la place à Chick Corea qui est programmé demain soir. Celui-ci reviendra sur d’autres morceaux, prendra même la place à mi-parcours d’un titre (chaque plage dure entre 10 et 15 minutes) et nous gratifiera de superbes solos.


Les cuivres n’ont plus le même son lorsqu’ils sont nombreux et parfaitement synchrones. Les attaques de notes ainsi que le timbre propre à chacun s’estompe (c’est stomp !) pour peaufiner un son collectif et unique qui glisse. L’identité de chacun émerge lors des solos, que chacun prend à son tour. Les noms et instruments des solistes sont cités à chaque fin de morceau par l’académicien Wynton Marsalis, rang d’en haut à gauche. C’est la Big Band Theory, appliquée merveilleusement devant nous.

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On ferme les yeux et nous voilà en train de pénétrer dans l’immense salle d’un Copacabana Club quelconque, après avoir siroté un délicieux cocktail aux dix-sept fruits exotiques, le public s’écarte sur la piste au moment où l’on s’élance en Tuxedo et nœud pap, tenant fort la main et la hanche de Ginger Rogers, que l’on fait tourner trois fois. Et bien qu’on ne partage avec personne ce trip loufoque, on n’a pas trop honte de le confier au lecteur parce qu’après tout, il faut bien le reconnaître, cette musique en noir et blanc sort des cuivres dont on fait les rêves, hauts en couleur.


Après le départ du Big Band, pour les frustrés de ne pas avoir entendu la vedette de la soirée, qui s’est volontairement et humblement alignée au rang de simple exécutant au sein du Lincoln Center Orchestra, Wynton Marsalis revient en formation de quartet (piano, contrebasse, batterie, trompette) et effectue quelques morceaux en soliste : éblouissant. Le panoramique du jazz auquel nous assistons depuis mercredi dernier s’est enrichi ce soir d’une nouvelle page, passionnante.



Plus de photos de Yun Sun Nah et Jazz At Lincoln Center.

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La scène marseillaise compte de nombreux et talentueux artistes jazz. L’activité musicale, riche de nombreux concerts, fourmille tout au long de l’année grâce à quelques lieux dynamiques. Les organisateurs du festival ont réservé une place à l’un des plus éminents et des plus actifs représentants du jazz marseillais, le batteur Ahmad Compaoré. Il est accompagné en première partie du bassiste qui lui est cher, Jamaaladeen Tacuma et du guitariste New-Yorkais Marc Ribot.
Ahmad Compaoré : batterie, percussions
Marc Ribot : guitariste
Jamaaladeen Tacuma : basse


La session commence, la guitare s’impose d’emblée, elle semble ressurgie des années 70, avec un son saturé et de longs riffs qui rappellent ceux de Jimi Hendrix. Une ambiance s’installe qui gagne le public : Je lève la tête, m’attendant à voir apparaître les hélicoptères d’Apocalypse Now. Rien ne surgit et les deux autres musiciens trouvent rapidement leur place.


C’est maintenant une créature hybride, monstrueuse qui prend forme : trois têtes sur un seul corps. La voilà qui progresse : un pas lent, qui accélère parfois, marque une pause, reprend son souffle, change de rythme, repart, s’élance puis ralentit encore. L’un assure le système nerveux, l’autre articule les membres et imprime des mouvements, le troisième impulse la circulation sanguine au rythme de ses battements. Le monstre se déplace de manière improbable, à la fois coordonné et imprévisible.


On retrouve avec plaisir et passion le jeu compulsif d’Ahmad Compaoré, fait d’élans, de montées, de courses effrénées, de chutes brutales et d’explosions soudaines. Un jeu que l’on écoute sous un nouveau jour tant il convient bien à l’accompagnement de Marc Ribot. Le batteur marseillais est totalement engagé dans son jeu, c’est lisible sur son visage : chaque séquence rythmique, même brève est ponctuée d’une expression, d’une tension faciale.


Ahmad Compaoré s’associe régulièrement à de nombreux autres musiciens marseillais il entretient avec eux d’étroites relations, il a constamment un projet en cours et ce soir, il a convié quelques uns de ses collègues pour nous rappeler que le jazz, c’est la rencontre, c’est l’impromptu, c’est l’association sans cesse renouvelée.
C’est Edmond Hosdikian qui arrive d’abord et entame un morceau au saxophone.


Puis Fred Pichot, au saxophone lui aussi, et Sylvain Terminiello à la basse viennent agrandir le cénacle. Marc Ribot qui avait quitté la scène les rejoint pour un morceau soutenu, tendu, intense. Le vent fripon joue des tours aux partitions du guitariste, vent de panique, mais le groupe assure, et enchaîne.


Avec Ahmad Compaoré, on retrouve un aspect fondamental et audacieux du jazz, qu’aucun groupe sur le plateau du parc Longchamp n’a produit jusqu’à aujourd’hui. Les formations présentes jusqu’à maintenant se connaissent, tournent ensemble depuis longtemps, le programme est fixé, préparé, les morceaux ont souvent été joués et rejoués lors de tournées et s’il reste un côté live unique, propre à l’instant, le tout est souvent cousu de fil blanc.


Dans le cas d’Ahmad Compaoré, il y a sans aucun doute eu de la préparation, de la réflexion de la part des musiciens en prévision de cette soirée, mais rien à voir avec les machines ultra rodées des soirées précédentes. Avec Ahmad Compaoré, on a assisté à la genèse d’une rencontre, d’une identité qui se crée, se peaufine et s’affirme peu à peu, au fil des morceaux. Ce soir, en première partie, pour un événement prestigieux, il y a eu prise de risque, ça crée une tension dramatique, c’est rare en musique, et ça, c’est génial. Bravo Ahmad, ne change rien.


Deuxième set avec un groupe venu de La Nouvelle-Orléans, la formation de Trombone Shorty.
Dan Oestreicher: saxophone bariton
Tim McFatter: saxophone ténor
Joey Peebles: batterie
Mike Ballard: basse
Pete Murano: guitare
Dwayne Williams: batterie


Le groupe attaque plein pot, hyper dynamisé par son leader, Trombone Shorty. C’est une bande de sept gamins de bien moins de trente ans, surdoués du funk. Le stomp est contagieux, le public se lève et ne s’assiéra plus (pour ceux qui ont suivi les chroniques précédentes : 2 à 2). Trombone Shorty devient occasionnellement Trompette Shorty, et il est aussi doué pour le pavillon court que le coulissant, et encore Singing Shorty, avec une aisance égale sur les trois registres.


La technique est éblouissante, Trombone Shorty tient à la trompette une note durant plus de cinq minutes par le procédé du souffle continu, avant de s’effondrer sur scène, derrière une enceinte de retour, provoquant une ovation hilare du public médusé. On assiste a un panel (exhaustif ?) des ressources du trombone : distorsions, glissandos, notes détachées, puis piquées, et enfin en saccade façon mitraillette.


Il chante On The Sunny Side Of The Street, en hommage à Louis Armstrong. Le voilà maintenant qui entame un moonwalk, puis une danse trop cool, tout en jeu de jambes. Il dirige par intermittence son orchestre avec délire (Louis De Funès peut aller se rhabiller).


Ce jeune homme a du bouffer du tigre. Il contraste avec la lymphatique section cuivre et le visage somnolent du guitariste. Il y a aussi le batteur fou échevelé, le percussionniste rebondi et le bassiste tout en concrétion, et en chaussettes sous les tongs. Une image fugace du Muppet’s Show m’effleure. Mais quelle que soit leur allure, tous les musiciens sont excellents.


Le guitariste fouette ses cordes et les deux cuivres envoient leurs boucles courtes et synchrones dans la plus pure tradition funk. Le succès est total, le public l’acclame et en redemande. Trombone n’est Shorty que par la taille, à 24 ans, il fait déjà partie des grands.


Troisième partie avec le bassiste Larry Graham et son Graham Central Station qui entrent en scène depuis le fond du jardin, creusent une tranchée dans la foule et traversent la pelouse en fanfare. Couverts de paillettes, strass et autres plumes, le spot blanc les accompagne, on se croirait dans Rocky !

Larry Graham : basse
Brian Braziel : batterie
Ashling Cole : chant
David Council : clavier
Jimi Mc Kinney Jr : clavier
Wilton Rabb : guitare.


Dès leur montée sur scène, la chanteuse gironde Ashling Cole harangue la foule, chauffe le public et force l’ovation pour l’entrée de Larry Graham. Celui-ci endosse sa basse et entame illico l’un des slaps frénétiques qui ont fait sa renommée et dont il est, selon les historiens, le créateur. On reconnaît immédiatement certaines plages des titres de Prince, dont il a été le bassiste durant quelques années.


La musique est le top du genre, mais on est vite submergés par le mega show assourdissant qui l’accompagne. Tous les membres du groupe sont vêtus de blanc et de bleu ciel (les couleurs de Marseille !) La touche bleu ciel, c’est le T-shirt rayé sur le batteur, les manches longues du guitariste, la robe entière brillante sur la chanteuse, le chapeau du clavier et la plume de Larry Graham. On dirait du Boney-M, grande époque, mis à part que c’est du funk, pas du disco.


Les mêmes phrases sont ressassées, tout au long du show : ils adorent Marseille, c’est la plus belle ville qui leur fut donné de voir, et merci de nous accueillir etc. Régulièrement, Larry Graham place le nom de son groupe Graham Central Station. A croire qu’il a fait des études de com/pub/marketing. C’est un peu gonflant à la longue, on est loin du jazz, on se rapproche dangereusement de la variété mais force est de reconnaître que le public adhère et si on enlève tous les artifices lourds qui l’enrobent, la musique est bonne. La version de I Can’t Stand The Rain chantée par Ashling Cole n’égale pas l’originale, par contre, pas plus que son arrangement musical.


Larry Graham descend sur la pelouse. Ceint du service de sécurité qui fait chaîne autour de lui, il fend la foule et s’engage sur la pelouse. Ovation. Il s’arrête à trois mètres de moi. Entre lui et moi, trois enfants dorment ( !) allongés sur la pelouse. Les parents s’affolent, et commencent à barrer le passage de leurs corps : va t’il virer au sud ? Il repart finalement en sens inverse. Un mega show à l’arrivée, rutilant, hyper huilé, qui enchante si on accepte d’entrer dedans.


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Grande soirée populaire au Festival Jazz des Cinq Continents avec une affiche au label spécial "Cinq Continents" : Le Klezmer de David Krakauer et le Reggae de Monty Alexander en deuxième partie de soirée.
Monty Alexander : piano
Harlem Kingston Express


Incroyable, le pouvoir du Reggae : le Harlem Kingston Express entre en scène et dès les premiers contretemps forts, tout le monde se lève, et restera dressé jusqu’à la fin. C’est la revanche des "DeBout-Wap-Dou-Wap !" sur les "Assis-Bonanga !". Le score remonte à deux soirées contre une. Jah Love.


La formation de Monty Alexander, Harlem Kingston Express comprend piano, guitare, basse (à six cordes, original), contrebasse, batterie, percussions, clavier/synthé.
Deux doublettes originales garantissent la pulsation :
batterie et percussions/batterie
basse et contrebasse
Si l’un des quatre oublie que le temps faible devient le temps fort, trois autres sont derrière pour le sauver, mais bien évidemment ce ne fut pas le cas.


Depuis sa position centrale, Monty Alexander (quel nom d’enfer, j’aimerais qu’on m’appelle ainsi) mène sa troupe avec délectation. Les reprises, qu’on reconnaît souvent après de longues plages introductives s’alternent avec les compos. Le public s’enflamme dès qu’il identifie No Woman, No Cry, Banana Boat Song. Parfois, les clins d’œil sont discrets -Love Hurts- parfois plus évidents -le thème de Hawaï, Police d’Etat, (Hawaï Five O), ou celui de James Bond-


Chaque instrumentiste a droit à sa part belle, à plusieurs reprises. Les solos du guitariste souriant sont ponctués de plages percutantes îliennes, du chant du bassiste -No Woman, No Cry- d’un long solo de batterie. Le tout s’alterne avec les accords et notes piquées de Monty Alexander au piano qui se lèvera à plusieurs reprises pour chanter ou jouer du melodica, dialoguer avec le public sur Banana Boat Song notamment. Pas de bonnet tricolore ni de dreadlocks sur scène, mais ces reggae men sont diablement pêchus en plus d’être conviviaux.


La plupart des morceaux sont agencés reggae, ovationnés par l’adhésion addictive du public, ce qui entretient une ambiance dansante, festive. D’autres, moins nombreux sont plus jazz. Dans tous les cas, la fièvre ne descend pas. Au premier rappel, une jeune femme entre en scène pour chanter, au second, Bob Marley ranime la flamme encore vive avec One Love. Le public ne veut pas laisser partir Monty Alexander. Il s’en ira pourtant et l’ovation qui accompagne son départ persistera bien après qu’il ait quitté la scène. Positive Vibrations tout au long de ce set.


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Grande soirée populaire au Festival Jazz des Cinq Continents avec une affiche au label spécial "Cinq Continents" : Le Klezmer de David Krakauer et le Reggae de Monty Alexander. La première partie est assurée par l’ensemble Klezmer Madness.


David Krakauer : clarinette
Keepalive : ordinateur portable
Sheryl Bailey : guitare électrique
Will Holshouser : accordéon
Nicki Parrott : basse électrique
Michael Sarin : batterie

Difficile de commenter cette musique tant elle est attachée à une culture, à une tradition, à une religion. D’autant plus difficile et délicat que je n’ai pas accroché de folie. Alors commençons par le positif.

Gros succès au niveau du public n’a pas tari d’applaudissements, d’enthousiasme et de rappels. Et admettons sans résignation que l’essentiel est là : un succès authentique estampillé par l’accueil chaleureux et les salves renouvelées du public.


La performance du clarinettiste David Krakauer est remarquable, une technique irréprochable, une grande virtuosité, des envolées dans les aigus tourbillonnants, un engagement total appuyé par une gestuelle endiablée. L’artiste tricote avec vélocité sur les mécaniques du bois d’ébène, et sa frénésie contagieuse gagne le public.


Ce qui fait que je ne suis pas rentré dans son jeu : Cette musique est indissociable de la culture, de la tradition juive, c’est à la fois son identité, sa force et à mon sens sa faiblesse. David Krakauer a renouvelé le genre en le modernisant –guitare électrique, DJ- mais c’est d’après moi de la poudre aux yeux, ou aux oreilles. Ce que j’entends ressemble à tout ce que j’ai entendu (dans le Klezmer), et n’en sort pas vraiment. D’aucuns assurent que le Klezmer a su recevoir au cours de sa longue histoire de nombreuses influences. Je ne les ai pas entendues.


David Krakauer mime la montée en transe par sa frénésie, son jeu hystérique et ses torsions corporelles spasmodiques, mais à mon sens, il simule plus qu’il ne stimule.


Le Klezmer de David Krakauer, c’est l’identité d’un peuple, d’abord, avant tout, et il n’y a rien à redire à cela. Malgré les artifices de la modernité, le milieu reste fermé et qu’il n’y ait pas véritablement d’ouverture, d’influences, rien à redire non plus. Après tout, c’est bien qu’une musique soit une partie de l’identité d’une culture et d’un peuple. Mais dans le cadre d’un festival, les musiques que nous avons eu le grand plaisir d’entendre lors des deux soirées précédentes sont selon moi l’idéal du jazz : une identité forte et personnelle d’un musicien, ou d’une formation teintée d’influences éparses plus ou moins prégnantes. Le Griot Sénégalais ou la Biguine Antillaise chez Ray Lema, les effluves éthérées, tantôt Miles Davis, tantôt Chet Baker nappées d’électro-pop chez Erik Truffaz, et dans la deuxième partie de cette soirée, le Reggae chez Monty Alexander : tout cela était magnifique car, l’identité personnelle est évidente au premier abord, les influences plus ou moins affirmées ou en demi-teinte, ensuite.


Je termine de manière redondante et renvoie au haut de cette page : faisons confiance au public : l’avis de plusieurs centaines de spectateurs prévaut celui d’un chroniqueur peu réceptif au Klezmer.

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À y regarder de près, mais sans vouloir jouer à "qui a la plus grosse", si on aligne les programmations de Porquerolles, Nice, Antibes, Marciac, force est de constater que le Festival Jazz des Cinq Continents s’est hissé au rang des festivals de jazz les plus prestigieux du sud de la France, et même au delà, et se place à mon sens en tête. Respect. Erik Truffaz et Ahmad Jamal partagent l’affiche de la deuxième soirée au parc Longchamp.

Le trompettiste Erik Truffaz fait l’entame en formation de quartet.

Benoît Corboz : clavier / Erik Truffaz : trompette / Marcello Giuliani : basse / Marc Erbetta : batterie.

La balance des sons me surprend un peu au début : beaucoup de réverbération, de résonance, d’écho, une basse hyper puissante, lourde, un clavier saturé, mais passé l’effet de surprise, et –oserais-je l’avouer- de crainte, je réalise que le quartet est très efficace, la musique et son agencement sonore sont très aboutis.


Erik Truffaz propose une musique d’immersion, ou d’envol du type "Leaving on a jet plane" selon la trajectoire que l’on préfère. Pas besoin de produits douteux pour le suivre, son jazz électro rock, électro pop et plus acoustique sur certains morceaux fait un effet immédiat : le public adhère et au fil des morceaux, on perçoit de plus en plus d’yeux qui se ferment, de têtes qui balancent.


La trompette dépose de longues notes éthérées et aériennes sur la structure solide lourde et pesante de la basse et de la batterie, un contraste qui génère un bel effet. Le clavier ajoute une touche électro-psychédélique au tout pour produire un ensemble contrasté mais cohérent.


Deux titres de morceaux nous indiquent qu’Erik Truffaz semble sensible aux malheurs de ce monde : Fujin, qu’il dédie au Japon, et Les Gens Du Voyage. Ce dernier est l’occasion d’un retour à l’acoustique, le clavier devient piano, la réverbération s’atténue pour une mélodie sobre, grave et dépouillée à la trompette : magnifique pièce.


Au rappel, Erik Truffaz finit en beauté sur le très planant In Between, de l’album éponyme. La basse répète en boucle les trois mêmes notes tout au long du morceau, mais entre deux soupirs, le public attrape les croches qui s’échappent du pavillon de la trompette et part très loin, très haut.


Deuxième set avec le très attendu Ahmad Jamal, en quartet lui aussi.
Ahmad Jamal : piano
Manolo Badrena : percussions
James Cammack : basse
Herlin Riley : batterie


Le géant s’installe, la fièvre monte dans l’instant. Il démarre très fort, l’intensité est immédiate. Le monstre aux deux mains droites plaque d’emblée des accords à sept doigts dans chaque main (droite), il enfonce à fond la pédale droite du Steinway, beaucoup de résonance dans son jeu aussi, mais tout en acoustique ! Puis une série de notes brèves, piquées, légères, véloces.


Ses comparses ne sont pas en reste. Eux aussi sont entrés à fond dès le premier morceau. Brutale, sauvage, d’une énergie contagieuse : voilà une entrée qui aurait bien figuré le film d’un départ de sprint ou d’une entrée dans un grand magasin un premier jour de soldes.


On découvre à cette occasion un OVNI, le percussionniste Manolo Badrena qui vaut, tant par son talent percutant que par son jeu de scène et ses grimaces, ses éclats de rire constants. Gilet rouge, barbe d’amish, looké façon Paul Bunyan, le bucheron emblématique canadien appelle sans cesse ses compagnons de scène d’un regard, d’un rire, d’une exclamation. Les trois autres le contemplent hilares et le public entre dans ce sympathique jeu de scène.


Les morceaux interprétés sont longs et passionnants. Les quatre musiciens ont de l’énergie à revendre. Tout en explosant de saillies géniales, l’immense leader, le prophète, l’architecte laisse la part belle aux trois autres et chacun affirme solidement sa place dans le quartet.


On a plaisir à retrouver certaines caractéristiques du jeu du magicien, entièrement libéré des contraintes formelles : des phrases entamées qui s’arrêtent brutalement, laissant l’auditeur terminer, imaginer la suite, mais aussi les décalages rythmiques constants, l’utilisation des silences, l’incroyable main gauche et la légèreté du phrasé mélodique. Ahmad Jamal offre tout cela abondamment et avec un grand naturel, sans jamais donner l’impression d’un étalage.


En comparaison de la soirée d’hier avec Herbie Hancock, Wayne Shorter, (plus très jeunes eux non plus) et Marcus Miller, qui était déjà très belle, il y a ce soir un surplus d’énergie, de compulsion, de fièvre. Est-ce pour certain l’enchaînement des tournées européennes, la fatigue, le grand âge, ou simplement la forme, absente un soir… beaucoup de raisons qui ne font que renforcer l’admiration qu’inspire Ahmad Jamal.
Un artiste de 81 ans qui se donne autant, c’est une belle leçon de vie. Le public ne s’y est pas trompé qui l’a couvert d’applaudissements renouvelés. Bravo Monsieur Jamal.


Plus de photos d’Erik Truffaz Quartet et Ahmad Jamal Quartet.

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