Théâtre Denis - Hyères

Nous sommes enfin arrivés au très joli Théâtre Denis, tout de rouge vêtu, à Hyères dans le Var.
Les spectateurs ont pris place sur les sièges en bas ou à l’étage au balcon et même sur les sièges qui font le tour.


Entre en scène un jeune homme à la chevelure abondante et indomptable, manifestement. Il prend place assis seul en scène avec sa guitare dans un nuage de fumée.
Il s’agit de Flashing Teeth.
Je suis affairée dans mon sac quand sa voix me soulève le menton : aigüe et légèrement cassée. While foundling your glass joue sur les ½ tons dans des rythmiques vraiment particulières et Film Noir, un peu triste s’enchaine avec When you feel out off from your story. Ambiance 60ies, 70ies.
Ces premières chansons, plutôt "roady", me donnent des envies d’échappées belles. L’herbe étant toujours plus verte ailleurs, je suis prête à charger le coffre.
Retour au calme, il récupère sa voix pour nous annoncer la "reprise d’un vieux qui a les mêmes cheveux que moi". J’adore les devinettes. Ayé, j’ai trouvé !! Mika bien sûr !….oops non Dylan …une évidence, il est à l’aise et entre dedans. Sa voix colle parfaitement à cette chanson : It’s all aver now baby blues .
When you’re through est nostalgique, plus courte, mais tout y est. Il retombe dans les graves en fin de phrases et nous récupère sur le fil pour nous lâcher en plein vol.
Fool for love sera la préférée de mon voisin de frère de gauche. Il a pris sa guitare électrique et brise un silence un peu pesant pour nous dire "encore une chanson gaie " : il le sait donc qu’il ne nous met pas le cœur sur un trampoline !!
C’est réussi, dès les premières phrases je farfouille dans mon sac frénétiquement à la recherche de mouchoirs. Une chanson simple et efficace avec des montées de voix fascinantes.
Il reprendra ensuite pour cet avant dernier morceau "encore un jeune homme" : Neil Young, Here we are in the years. Le public est très silencieux, intimidé autant qu’il l’est, nous n’osons même pas répondre à ses petites blagues : "ça parle de campagne et de hotdog".
Ha tiens, l’occasion de se demander encore "Pourquoi le pain est-il toujours trop court pour la saucisse ?? Damned !". J’essaierai de lui en toucher un mot avant de partir, c’est important d’avis un avis éclairé. La voix est superbe et les ruptures poignantes. Il est très à l’aise sur scène.
Year One" pour se dire au revoir. Très intense, servi par des ponts doux, des sons à la guitare frôlant l’orgue qui deviennent saturés et font vibrer le parquet. La voix éclate. Il nous laisse aussi simplement qu’il est venu après avoir annoncé : "Syd Matters".
Héé, au fait tu t’appelles comment et tu vas où là ?
Il nous a rappelé Jagger jeune, les Pink Floyd, Dylan, Nick Cave, Buckley, enfin tout ça à sa façon avec son talent d’interprète et de compositeur.
J’ai deux regrets : il me manque une chanson en français histoire de voir un peu avec des mots à nous, des émotions à moi et des idées à lui.
Et j’aurais vraiment aimé l’entendre avec d’autres instruments sur scène.

Les Syd Matters arrivent dans une fumée diffuse. Le public se manifeste déjà plus pour ceux qu’ils attendaient.
Wolf accroche au clavier et monte en puissance dans une ambiance un peu spéciale, une belle présence scénique. Les visages seuls sont éclairés et ils finissent tous debout dans un élan de gaité.
Hi Life est un morceau pure pop avec des montées de voix soutenues par la batterie façon Beatles ou encore plus récemment ce que réussit à merveille Local Natives. Ce morceau a d’ailleurs bien plus d’intérêt en live car il est vraiment physique.

Le suivant, Hallal, met en relief la rythmique, comme d’autres par la suite. Pour l’occasion le batteur est soutenu par un autre membre debout au tome bass. Tous convergent mettant en commun leur énergie. Des breaks très sympas, très bien contrôlés.

Jonathan Morali (merci Wikipedia) débute Cloud seul à la guitare rattrapé par le clavier et les voix des potes autour. En duo ou quatuor de voix, l’envolée au dernier quart est superbe. Le clavier hulule, "the ocean is mine", rentrée en force de la batterie pendant qu’ils ont la lumière dans le dos, masquant ainsi leurs visages. On plonge. Le fait d’être dans ce théâtre ajoute encore à la magie.


L’intro de My lover’s On The Pier, loufoque, donne une tournure enfantine. Rythmique au souffle de la 2ème guitare et batterie jazzy. Le quatuor dans le refrain est très entrainant. On oscille entre les Beatles et Supertramp.

I might float, rythmique à la Ben Harper, a un petit côté gospel avec un chœur de voix final très chouette. Saccadée, elle fait balancer. C’est malin, j’ai envie de me lever maintenant.

Il a du le sentir car justement il demande au public de se lever pour la suivante : To All of You, c’est celle qui m’a fait découvrir Syd Matters, issue de leur 2ème album sur 5 à date, Someday we will foresee obstacles sorti en 2005. Gentiment ironique envers les américaines si parfaites, si naturelles…
On est bien contents de pouvoir nous agiter un peu.


Pour Hadrian’s wall le public réagit davantage. Ils l’attendaient manifestement. Très agréable, le riff du début tient la chanson. Les notes tapées ("Hammer" et "pulling off" pour ceux qui comprennent le dialecte du frangin à ma droite) en fin de phrase donnent ce groove particulier. La rythmique est très marquée là aussi. Les notes entêtantes se répondent, sa voix nous guide et la basse nous rassure. Sa longueur me laisse sonnée.
Il faut dire qu’on se fait chahuter depuis un petit moment et je cherche mon souffle tant les enchainements entre les chansons sont rapides.
L’intro de Rest que j’aime tout particulièrement est très douce, clavier et voix. Puis on vire presque à la samba, bondissante par en dessous, entrainante, le clavier repart sur le thème et la guitare pop finit par avoir le dernier mot. La chanson finit d’un coup. Je suis épuisée.


Middle class men tarde à décoller, il garde les yeux fermés et moi aussi, puis explose entre The Verve et Muse.

La suivante, Nick, débute sur sa voix et des nappes claires qui ressemblent à de voix de femmes. "I’m not quite sure who’s wrong and who’s right". Le texte est dégagé et mélancolique, planant et intense, façon rengaine.

Heureusement la suivante, zoukée, va nous réveiller. Les gens applaudissent en rythme, claquent des doigts et certains dansent sur le côté. Ha oui parce que depuis qu’on avait tenté de se lever, 10 chansons plus tôt, tous ou presque nous étions rassis.


D’ailleurs ça n’a pas loupé il s’en plaint pour et annonce motivé que "toutes les personnes debout seront remboursées". Je tente de me relever sur la montée au tome bass et clavier. On applaudit à la croche, on tape des pieds.
Ok, il nous a tous remis debout pour cette 14ème chanson. (NDLR : penser à lui demander ce qu’ils prennent au petit déj, quelle pêche !). Il guide les lumières de mouvements de têtes discrets. Les basses accompagnées par les lumières au sol se lèvent progressivement comme le soleil du matin, accueillant la gaité de ce morceau. Puis le noir revient, retro-éclairage, fin en rangaine avec reprise des basses, on plane total.


Celle-ci était déjà donc un genre de rappel qui se clôt dans une sorte de chaos musical très bien contrôlé. Il y aura encore 4 chansons ensuite.
Elles finissent toutes par se ressembler.
Comment apprécier d’avantage quand on a l’impression que tout était dit à chacune d’entre elles ?
Le son reste en scène pendant qu’ils sont sortis et habille leur retour pour la 15ème chanson, triste, qui calme les esprits.

La 16ème a une intro à la Jeff Buckley type Lilac Wine, chill out.
J’ai la tête qui tourne ou c’est bien le clavier, qui a joué aussi de la guitare, nous scotche à la flûte traversière à la 17ème !?


La semaine prochaine on fête Noël et je me sens comme en fin de repas. "Merci mamie la tarte est excellente mais à l’idée de cette 18ème part…". Nous sommes soufflés par tant d’énergie et je crains que la mienne n’ait pas été à la hauteur jusqu’au bout.

Nous retrouvons nos esprits pour attraper les sets lits. Je ne suis pas surprise de ne compter "que" 15 morceaux sur celle des Syd Matters et pardonnez moi, je ne saurais pas vous dire laquelle est laquelle parmi les 5 dernières.
Quant à Flashing Teeth il nous dicte gentiment la sienne, en même temps qu’il se la remémore, contre la porte du garage d’à côté.
Nous repartons les yeux brillants de fièvre. Il doit faire -5°C, toutes les autoroutes pour partir sont fermées. Ca nous laissera le temps d’encaisser.

Set lists
Flashing Teeth :
While foudling your glass
Film noir
When you feel out off from your story
It’s all over now baby blue
When you’re through
Fool for love
From above
Here we are in the years
Year one.
www.myspace.com/flashingteeth


Syd Matters :
Wolf
Hi life
Hallal
Cloud
My lover’s on the pier
I might float
To all of you
Hadrian’s wall
Rest
Middle class men
Nick
Anytime Now
Me and my horses
------------------
End and start again
Obstacles
www.sydmatters.com/
www.myspace.com/sydmatters
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La premiere partie est assurée par Mina Tindle, jeune artiste folk, ayant notamment collaboré avec les prometteurs Toy Fight. Elle débute ce concert seule à la guitare, avant l’arrivée de ses deux musiciens, au synthétiseur et à la guitare électrique, pour un style plus pop au beat entrainant. Les mélodies sont simples, sans la moindre prétention, le résultat est frais et amusant, mais sous ces apparences enfantines, sa musique se révèle terriblement touchante, avec la voix douce et agréable de la chanteuse avec un accompagnement discret mais vraiment approprié. On pourrait comparer son registre aux incursions folk lo-fi d’une PJ Harvey sous euphorisants, croisée avec les Little Pictures pour les rythmiques ludiques et efficaces au xylophone. Cette songwriter fort sympathique enchaîne avec un morceau a cappella, où elle nous éblouit de part son souffle et ses capacités vocales. The Kingdom, morceau enchanteur, nous embarque instantanément dans un univers mystérieux et envoutant, le synthétiseur allié au xylophone, apporte un sentiment de rêve durant quelques minutes à un public ravi de ces compositions. Même s’il n’y a ici rien de novateur, il n’empêche qu’avec sa fraîcheur, Mina Tindle livre un set d’une redoutable efficacité, impregné d’une grande joie de vivre. Cette première partie se conclut avec un rappel inattendu pour l’artiste, qui un peu prise au dépourvu nous rejoue un de ses précédents morceaux, qu’importe le public est définitivement sous le charme de cette jolie parisienne.

Ensuite, pour la dernière date de sa tournée, le prodige suisse Sophie Hunger arrive et entame sans la moindre présentation, une chanson a cappella époustouflante, où sa voix oscille superbement entre timidité et puissance bien controlée, le décor est planté. Ses musiciens la rejoignent, avec deux guitares dont une électrique, une batterie et un tuba, avant d’attaquer un morceau doux, qui subitement rompt avec une ligne très folk où les instruments sont à l’honneur sans pour autant masquer les vocaux. La timidité apparente de cette artiste s’estompe dès lors qu’elle chante, elle nous livre alors une chanson entrainante aux accents rock où l’on remarque le talent de son batteur, véritable métronome de cette formation. La songwritter passe ensuite au piano pour quelques chansons plus intimistes, avec seulement l’accompagnement du tuba, puis la guitare sèche s’ajoute pour des ballades mélancoliques et touchantes en allemand. L’ensemble est plus que convaincant, la salle est rapidement conquise par le talent de cette jeune femme à fleur de peau. Le reste des musiciens revient dans une ambiance plus jazz, un peu en dessous du reste de la soirée, puis Sophie Hunger nous présente avec humour ses acolytes. Le concert se tourne ensuite d’avantage vers un rock très plaisant, avec un solo de batterie assez expérimental mais très réussi. Elle reprend ensuite Le vent nous portera de Noir Desir de manière grandiose, la mélodie est ralentie et dépouillée, j’en reste bouche-bée. Sophie Hunger s’approprie totalement la célèbre composition de Bertrand Cantat de manière rêveuse et candide, le public l’ovationne. La suite est plus triste avec de nouveau un duo piano/tuba, puis un jeu de voix décalé et amusant entre les musicens. Le théâtre Denis se révèle très remuant et enthousiaste pour soliciter un rappel, qui dans un premier temps s’effectue en acoustique avec seulement une guitare sèche, c’est charmant. Elle nous joue ensuite une de ses nouvelles compositions au piano, où ses capacités vocales nous emblouissent, et enfin un dernier morceau afin d’achever de nous convaincre de sa virtuosité et puis elle s’en va sous les acclamations. Elle revient une seconde fois, flattée par tant d’applaudissement, pour un titre en allemand, avec quelques bribes de français, avant de nous propulser dans les cieux avec une cover euphorique et géniale de Like a Rolling Stone de Bob Dylan, et comme ce dernier, elle ponctue les refrains de solo d’harmonica. Les musiciens hilares viennent s’asseoir sur le bord de la scène pour nous proposer une dernière composition, sans même un micro, tel une bande de joyeux scouts autour d’un feu de camp, avec une grande générosité. La tornade Sophie Hunger et ses acolytes laissent une foule abasourdie et emplie d’emotions, après un concert d’une intensité rare.
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J’arrive un peu en retard, et m’asseoie vite afin de ne pas rater un instant de Be My Weapon, superbe groupe américain, mieux connu sous le nom de Swell, dont le son singulier a fait la renommée. Le trio nous entraine dans une atmosphère sombre et étrange, notamment dûe à la saturation des basses, les morceaux sont originaux et efficaces. Les projecteurs sont éteints, l’éclairage est faible, nous sommes transportés dans une ambiance intimiste et dépressive. Le batteur a un jeu très intriguant, n’hésitant pas à s’acharner sur les cymbales ; l’ambiance devient plus rock, avec de virulents riffs, ce que semble apprécier le public du Théâtre Denis. Le groupe nous propose ensuite quelques ballades douces et élégantes, quoique marquées par de puissantes rythmiques, la voix si particulière du chanteur est teintée d’une forte mélancolie, rappelant Black Francis (Pixies) à ses grandes heures. Cependant on notera les arrangements sonores de la salle : les réglages des basses sont dignes d’un concert de heavy metal, ce qui est assez gênant pour de la folk. Le côté roots, typique du sud des Etats-Unis, s’affirme par la suite au travers du jeu de guitare de David Frane et de la batterie mais on regrettera le manque d’implication du bassiste, qui passe complètement à côté du concert. Les musiciens se retirent et laissent un public enthousiaste, qui après de longs applaudissements, parvient à faire revenir le chanteur pour un rappel avec le sublime Sunshine Everyday, véritable perle de leur imposant répertoire. Leur prestation s’achève donc de belle manière, après nous avoir montré leur indéniable talent.

A l’entracte, je croise les membres de Santa Cruz, qui semblent fort joyeux avant de monter sur scène, malgré le fait que la salle se soit un peu vidée. La première surprise vient de la composition du groupe, il ne compte pas moins de deux basses, une guitare, un clavier, une batterie, un banjo, sans oublier le chanteur. Ils nous proposent une musique folk sympathique, dans un répertoire anglophone propre et intéressant accompagné de notes de synthétiseur très aigües. Ces types-là sont d’habiles mélodistes, en effet, ils nous emportent dans une folk, plus dense et roots, très animée sans toutefois sombrer dans la cacophonie. On enchaîne avec un morceau plus triste accompagné d’un violoncelle en pizzicato dont le son est fort harmonieux puis le groupe nous dévoile une facette plus rock, pas forcément novatrice mais toutefois agréable. Le chanteur sort de sa poche un enregistreur et amplifie le son de craquellements bizaroïdes, les compositions qui suivent sont plus dépouillées, cela est véritablement moderne. Dans la lignée, ils lancent une musique aux accents cold wave teintée de hululements du chanteur sur fond électronique, ce qui en résulte est simplement génial. Le groupe repasse à un registre folk pop plus conventionnel, quoique marqué durant certains passages par des sons entre industrial et noisy. Le chanteur se révèle un peu ennuyeux à la longue mais heureusement un des bassistes joue avec excitation et ranime le morceau. La suite est plus acoustique et mélodieuse, en l’absence des bassistes mais avec le retour du violoncelle, la folk ressurgit de manière très mélancolique, ces passages sont de vraies réussites, avec les sifflotements du chanteur pour égayer la composition. Ces morceaux ne sont pas sans rappeler le génial Beirut par moments, sauf pour la présence des basses, ces musiciens détiennent tout de même un répertoire de choix. Le batteur est appliqué à sa tache, les bassistes sont présents et solides alors que le clavier est assez effacé. Ce morceau plus doux et sombre s’ouvre sur un bon arpège, comme destiné à être la bande originale de nuits blanches mélancoliques. Cet interlude passé, on retourne vers des choses plus rythmées et roots à l’américaine, on se croirait dans un bar douteux du fond de l’Arizona, avec la chanson Before the rain falls, ce n’est pas leur passage le plus inspiré selon moi. Le groupe poursuit avec Broken Hero, mélodie calme et légère tutoyant l’ambient mais qui a son charme. Le public ovationne les musiciens qui reviennent, avec le violoncelle pour mon plus grand plaisir, pour Too Loud, ballade romantique un peu niaise cependant. La seconde chanson dévoile une pop agréable et douce, le chant est triste, les sons s’allient de belle manière, c’est puissant sans être pour autant agressif. Pour finir, on a le droit à un très long morceau principalement instrumental d’une qualité enchanteresse. Les musiciens reviennent pour une troisième chanson au rappel, ceci est totalement improvisé car ils ne s’attendaient pas à un tel enthousiasme de la salle, le résultat n’est pas mauvais du tout. Les lumières s’éteignent et je repars avec une très bonne impression de Santa Cruz, qui nous a livré une musique subtile de grande qualité.


Be my weapon: www.myspace.com/bemyweapon album: Be My Weapon
Santa Cruz: www.myspace.com/themusicofsantacruz album: A Beautiful Life

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La première partie est assurée par H-Burns, groupe grenoblois, qui nous présente un répertoire mélancolique et élégant mais peu original, entre rock et folk. Le chanteur est un habitué des lieux, c’est la troisième fois que ce garçon foule la scène du théâtre Denis, et il semble y être heureux. Son jeu de basse est efficace et puissant, le batteur l’accompagne de manière propre sur ces ballades cependant l’autre bassiste semble un peu trop effacé. Ces premiers morceaux plutôt marqués rock sont assez sympathiques même si cela manque parfois de saveur, notamment à cause de leurs intros qui sont faibles.



Le chanteur rappelle dans son chant étrangement Brian Molko (leader de Placebo), on notera d’ailleurs sa générosité et sa sincérité qui sont touchantes. Il délaisse ensuite la basse pour une guitare, sa musique devient alors bien plus folk, cela se révèle finalement ennuyeux mais heureusement ça ne dure que quelques morceaux.
Les gars de H-Burns se montrent meilleurs pour leur dernier morceau, Fires in empty buildings, en effet les riffs sont plus rythmés, le batteur accélère le mouvement, les chants sont comme voilés par les instruments, c’est triste et puissant, on est ici dans la plus pure tradition des groupes garage anglo-saxons.



Enfin, l’attraction principale de cette soirée arrive, les Young Gods, véritables mythes vivants, venus défendre fièrement Knock on Wood, album plutôt orienté vers de la folk assez expérimentale. Le concert débute par un morceau en français très lyrique, mais après le premier refrain tout s’embale, le percussioniste envoie une ambient anxiogène et futuriste, les paroles résonnent telles des incantations. On entre ici dans ce qui a fait le renom de ce groupe, une musique expérimentale inventive et brillante, aux accents électroniques.



La chanson suivante est en anglais, on aperçoit le percussioniste embrayer le mouvement, il guide de belle manière le groupe, dans un genre country/folk innovant avec les superbes vocaux de Franz Treichler, seul rescapé de la formation d’origine. Le public est emballé et va de surprises en surprises durant ce concert, ces gars-là arrivent à chaque morceau là où on ne les attend pas, c’est juste fantastique. On assiste ensuite à quelques morceaux plus acoustiques, le chanteur nous gratifie même d’un solo d’harmonica, c’est plus calme mais toutefois très réussi. Ils enchaînent avec leur chanson Charlotte, petite comptine des plus réjouissantes, qui détend un peu l’atmosphère.



La formation suisse enchaîne par Gardez les esprits, dans une version d’une dizaine de minutes, on se retrouve rapidement comme possédé par cette ambient irrésistible, le public est en apesanteur : ils confirment ici leur réputation de groupe culte aux lives totalement magiques. Leur passé de pionniers industrial/new wave ressurgit sur ce morceau apocalyptique aux sonorités en arrière plan très électroniques. On revient ensuite à une folk agitée et rythmée par un jeu de guitares efficace, Franz Treichler retrouve sa voix grave et éraillée de la période Envoyé, puis sort un mégaphone, c’est jouissif. L’ambiance se calme, le rythme est marqué par un collier de coquillages (assez original avouons-le), ils nous livrent là une musique de très grande qualité.



Les musiciens se retirent sous les applaudissements d’un public conquis, la magie a opéré, et va se poursuivre car ils reviennent pour un rappel de six morceaux. Ce rappel débute par une chanson d’une grande sensibilité nous transportant vers d’autres horizons, le deuxième morceau est excellent, avec des ambiances entre psyché et électro, et un fond sonore que ne sauraient pas renier les Chemicals Brothers. Les guitaristes semblent possédés, leurs instruments sont saturés, le chant est planant encore une fois, on en a le cœur retourné. Le rappel se poursuit, les guitares s’intensifient tandis que des sonorités orientales apparaissent, la voix du chanteur a ici quelquechose de Bowie.



Cerise sur le gâteau, ce dernier saisit son ukulélé à la distorsion énorme, chose rare il faut le concéder, pour une chanson qui nous amène à la conclusion suivante : les Young Gods sont un groupe magique et unique en son genre. Cette soirée fantastique s’achève sur un rock/folk des plus festifs, pour le moins excitant, les héros de la soirée quittent la salle sous les acclamations d’un public ravi.


H-Burns : www.myspace.com/hburnsmusic / Album : How strange it is to be anything at all
Young Gods : www.myspace.comtheyounggods / album : Knock on Wood
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Je n’étais pas là pour la deuxième soirée de Faveurs de Printemps. Le nom de Sammy Decoster est sur toutes les bouches. Il a paraît-il fait un malheur hier soir.

Pour clore le festival, après Tatiana Sauvage à l’église anglicane, deux personnages qui promettent.



Je suis venu pour Sébastien Schuller mais Jim Yamouridis a excellente presse. Télérama parle de lui en ces termes : "le magnifique Leonard Cohen australien du Massif Central". Pas facile à comprendre au premier abord (c’est Télérama, hein !), surtout quand comme moi on croit qu’il est Grec. Il est en fait Australien d’origine grecque émigré en France.



La ressemblance avec Leonard Cohen saute aux oreilles avant même qu’il ne chante. Une voix nous dit "Bonsoir mes amis, je voudrais commencer par une prière". Ce timbre si particulier nous fait penser au divin Canadien. C’est confirmé par le chant sur la prière en question. La voix est grave et ensorceleuse, l’accompagnement à la guitare simple et charmeur. Une bien belle mise en bouche.
Il enchaîne avec un morceau plus rythmé Travelling Man sur lequel on apprécie Fab Barré à la clarinette, Seb Martel (déjà venu dans ce festival en solo voilà 2 ans) à la guitare et Sarah Murcia à la contrebasse. Pas de percussions, de temps en temps, Sébastien bat la mesure avec son pied sur sa housse de guitare.



Jim, assis derrière son micro, introduit ses morceaux avec des phrases quelquefois énigmatiques : "Parfois, dans notre vie, on a le choix", "une chanson sur l’amitié et le soutien de l’un envers l’autre dans toute la fragilité", "où je veux être : to be est le mot clé", "les nuages jaunes qui vont être gris"... J’essaie de comprendre le message en m’accrochant aux paroles pendant la première minute du morceau, puis j’abandonne et me laisse bercer par la musique. C’est le week-end, je n’ai plus envie de réfléchir.



Ne connaissant pas du tout le répertoire de Yamouridis, je ne peux sortir un morceau en particulier. Celui qui parle d’amour me va bien ce soir (Sébastien Martel à l’harmonica), tout comme Yellow Clouds qui se termine par de merveilleux chœurs de Sarah et Seb derrière la voix toujours leonardienne de Jim.



Toutefois, un sentiment de déjà entendu se produit dès le milieu du set. Les mélodies sont soignées mais pas impérissables, les solos trop rares (on aurait aimé davantage de clarinette et de contrebasse), pas de pic d’intensité.



Les pics d’intensité, on sait qu’il y en aura chez Sébastien Schuller. Son album Happiness (sorti depuis déjà quatre ans) recèle quelques pépites dont ma préférée, le Jay-Jay-Johansonien Tears Coming Home. Ce soir, il présente son nouveau projet : Evenfall. Début en solo sur le piano mal éclairé au fond de la scène. L’éclairage sera d’ailleurs le point noir (c’est le cas de le dire) de la soirée. Peut-être à dessein, pour parfaire l’ambiance ténébreuse des compositions ?
Rejoint par un guitariste, un bassiste, un batteur et un claviériste (désolé de ne pas vous donner leur nom, ils n’ont jamais été présentés…), Sébastien prend place derrière son pupitre (clavier + Mac). Les cinq premiers titres sont des nouveautés. La performance du groupe est correcte, faisant penser aux concerts d’Archive, avec d’excellents arrangements et une interprétation musclée. Mais les compositions semblent moins abouties que celles de Happiness, peut-être méritent-elles plusieurs écoutes pour être mieux appréciées. Sébastien chante beaucoup (plus que sur son premier album) et se permet souvent de tenir son micro : il lui suffit quelquefois de sa main droite pour pianoter, d’un doigt pour appuyer sur Entrée, de sa main gauche pour bidouiller (le micro a changé de main). Je me surprends à bâiller.



Et puis, pour la plus grande joie du public résonnent les premières notes de Sleeping Song pour laquelle Sébastien Schuller a regagné le fond de la scène (les deux claviers sont dos à dos). L’interprétation est prenante, le rythme est plus rapide que sur le disque, la rythmique s’en donne à cœur joie et le guitariste est épanoui. La salle aussi, l’ovation reçue par ce titre pourrait faire réviser les plans de Sébastien sur la dose d’anciens morceaux à insérer dans son spectacle. Me voilà définitivement réveillé, d’autant que sur le morceau suivant, la basse est anormalement forte (un curseur bloqué ?). Certains murs de la vieille ville ont dû se lézarder !



Après un morceau un peu plus rock’n roll, suivi de Donkey Boy et d’encore un nouveau titre, les musiciens nous disent au revoir pour de faux.

Le rappel sera le meilleur moment, puisqu’ils jouent Weeping Willow, une des pépites de Happiness. Les deux claviers sont à nouveau dos à dos et construisent la plus belle mélodie de la soirée. Lorsque le guitariste commence son solo et que la rythmique se densifie, on est aux anges. Tout simplement énorme.



Une dernière nouveauté viendra conclure le set. A la sortie, le sentiment des spectateurs semble général : pas assez d’anciens titres, pas assez de lumière. Et déception pour moi que Tears Coming Home n’ait pas été jouée.

Deux moments d’anthologie toutefois et un festival qui a, encore cette année, été de grande qualité. Merci aux membres de Tandem pour la perspicacité de leurs choix, leur organisation, leur accueil et leur disponibilité. A l’année prochaine.

Bonus vidéo (sombre) : Sleeping Song

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Cinquième édition du Festival Faveurs de Printemps qui, année après année, arrive à attirer dans ce merveilleux écrin qu’est le Théâtre Denis à Hyères, des artistes tels que Cyann & Ben, Syd Matters, Jesse Sykes, Shannon Wright ou Kelly de Martino pour ne citer qu’eux.

J’en arrive à faire une confiance aveugle à Tandem, l’association organisatrice, au point d’aller voir ce soir deux filles que je ne connais pas (juste un tour sur leur myspace). J’avais aussi prévu d’aller voir Tatiana Sauvage, un groupe toulonnais qui se produisait gratuitement à l’Eglise Anglicane en préambule, mais les embouteillages en ont décidé autrement.



En cette première soirée, Faveurs de Printemps reçoit Les Femmes S’En Mêlent, le festival itinérant lui aussi gage de qualité. Tamara Williamson, une Londonienne émigrée à Toronto entre sur scène avec sa guitare. Elle est accompagnée d’une nommée Rachel Smith, Canadienne habitant Boston si j’ai bien compris, au piano. Elles se connaissent depuis 7 ans, mais c’est la première fois qu’elles jouent ensemble.



Beaucoup d’intimité dans ce set, les deux filles se contentent de jouer de leur instrument respectif et de chanter. Pas de pédale à boucles (le programme indiquait que Tamara en était coutumière) mais de fort jolies ballades. Le timbre de Tamara me fait penser à celui d’An Pierlé avec un avantage non négligeable : Rachel Smith excelle dans le backing vocal et l’harmonie entre les deux voix est parfaite. En plus de ses compositions, Tamara effectue deux reprises, dont Stop de Sam Brown qui ne fera pas date.

L’association piano / guitare est fort réussie malgré quelques accords imparfaits de Tamara qui est la première à grimacer sur ses couacs.



On peut regretter la mise en retrait du piano de Rachel, loin du public et pas très bien éclairé. Dommage, elle a un vrai talent, témoin le dernier titre sur lequel elle assure une rythmique vocale pour accompagner le chant de Tamara qui lui rend la pareille pour les dernières secondes. De toute beauté !

Un petit rappel avant le changement de set et la traditionnelle vente de disques en présence des duettistes. Au Théâtre Denis, on sait recevoir, chips et cacahuètes à volonté. Bien joué, ça donne soif…



De gros efforts vestimentaires pour la seconde partie puisque Clare & The Reasons sont tout de rouge vêtus, de la tête aux pieds (chemisette, pantalon, baskets pour les garçons, coiffe, robe, fuseau, guêtres pour Clare).

Moi qui trouvais ça un peu terne sur disque, je suis d’emblée agréablement surpris par leur première interprétation, Pluto qu’ils chantent en Anglais à mon grand dam, étant donné qu’une version française existe. Mais patience…



La voix de Clare Muldaur semble émerger des comédies musicales américaines des années 50. Les instruments aussi : les pickings de violon d’Olivier Manchon, le régional de l’étape (son père est dans la salle), l’alto de Todd, le violoncelle de John et les claviers de Bob aussi bassiste renforcent ce sentiment de changement de continent et d’époque.

Ils ont le mérite de créer une atmosphère feutrée et une impression de bien-être chez l’auditeur. Le deuxième titre est une nouvelle composition All The Wines qui rend impatient de connaître leur prochain album.



Pas de percussionniste, Clare utilise avec parcimonie une percussion à pédale notamment sur Nothing/Nowhere, une de leurs compositions les plus dynamiques. Les quatre garçons prouvent qu’ils savent aussi faire les chœurs grâce à un final à quatre voix décalées du plus bel effet.



Puis, ils s’affublent de loupiotes de cyclistes et tout s’éteint, nous laissant au milieu de l’espace devant une constellation de cinq étoiles. Lorsque le morceau commence, on se dit que ça nous rappelle quelque chose. Ils rejouent Pluto ou plutôt Pluton, en français cette fois, une espèce de lettre d’excuse à l’ex-planète de l’avoir reléguée à l’état de numéro 134 340. Si la mélodie et l’histoire sont les mêmes que dans la version anglaise (Le New York Times a juste été remplacé par Le Monde), l’orchestration est radicalement différente. Adieu les pickings, Olivier joue à présent de la scie musicale. Clare nous dit que ça fait partie d’une trilogie. Ils ne joueront pas la troisième version ce soir.



Ah ! Cette voix !… Je me suis demandé pendant tout le set s’ils n’allaient pas faire une reprise de Mr Sandman qui n’aurait pas dépareillé. Leur morceau Rodi est sur le même registre. Il me semble que c’est sur ce titre qu’ils ont joué aux chaises musicales, chacun se déplaçant sur la scène pour changer d’instrument.

Puis Alphabet City, chanson sur New York, leur ville d’origine, permet aux cordes de nous inviter au voyage en nous berçant délicatement. Un poil plus jazzy, Love Can Be A Crime élargit leur palette avant une dernière (nouvelle) chanson.



Pour le rappel, Clare achève de me charmer avec le titre plein de promesses Cook For You que confirme le début « I like to cook for you in my underware » mais que tempère fort la suite «I like to talk to you when I brush my teeths ’cause I have so much to say».

La soirée est déjà finie. Pas le festival. Je reviens samedi pour voir Sébastien Schuller. Et peut-être Tatiana Sauvage si ça ne rime pas à nouveau avec embouteillages.


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