Ile du Gaou - Six-Fours-les-Plages

Je n’avais jamais eu l’occasion de me rendre aux Voix du Gaou auparavant. On m’avait tellement dit de mal de ce site que je n’avais jamais franchi le pas. Il est vrai que l’accès est des plus délicats avec des bouchons depuis le kilomètre précédant la sortie d’autoroute. La sortie a également été épique avec près d’une heure pour rejoindre notre voiture une fois le concert terminé et quelques kilomètres de ralentissement encore par la suite. C’était vendredi soir et on ne va donc pas trop se plaindre.

Le site en lui même est tout simplement magnifique, au bord de la mer, au milieu des éléments. On comprend mieux pourquoi plusieurs dates ont dues être annulées au cours de ce festival en raison du vent. L’espace réservé au public est original car vous entrez par le petit côté du rectangle. Du coup, la profondeur face à la scène est très limitée. Il faut juste penser à aller au bout du grand côté pour que la foule soit bien moins compacte.

Nous n’avons pu entendre que quelques morceaux de Gaïo, sans trop bien le voir. Le public était visiblement réceptif à ce style déjà entendu lors du concert de JP Nataf en décembre dernier à Marseille. Je trouve toujours ça sympa pour mettre l’ambiance. Alors que l’entrée sur scène de la vedette anglaise n’était prévue qu’à 21H45, il était un peu plus de 21H30 quand Jay Kay a fait son apparition accompagné de ses nombreux musiciens.



Pas de coiffe indienne, mais un chapeau de feutre noir sur la tête, pour notre zébulon anglais. Il porte par contre une tenue bariolée à franges à dominante bleue. Le son est excellent et les 10 musiciens sont en grande forme. Accompagné de 3 cuivres et d’autant de choristes, le leader du groupe met le feu dès le premier morceau tout simplement excellent. On sait d’emblée pourquoi on est venu, ça groove à souhait et le plaisir est présent pour tout le monde. Le funk jazzy est joué à la perfection et ça claque dans tous les sens. Pour le plaisir des plus anciens, dont je fais partie, Cosmic Girl est ensuite joué, suivi du génial High times rock à souhait. Le mélange des instruments est un régal pour les oreilles.



Le plus impressionnant lors de ce concert c’est de compter les airs que l’on reconnaît. Bien qu’ayant un peu laissé de côté la formation anglaise après son 3e album, les tubes s’enchaînent. Ils ne sont pas tous à mon goût, mais peu importe, le public est visiblement aux anges. La machine est rôdée et rien ne laisse transparaître le mal de dos dont souffre Jay Kay. La formation avait d’ailleurs du annuler une date en début de semaine. Les spectateurs plus avertis et l’ayant déjà vu en action, feront pourtant tous remarquer à la sortie du concert qu’il était moins sautillant qu’à son habitude. Je ne m’en suis pas rendu compte et je m’incline devant les qualités de ce grand showman, qui va à la rencontre de son public aux 4 coins de la scène, qui joue avec lui, leur demandant une cigarette, empruntant une paire de lunettes de soleil, et c’est le plus important, qui chante à merveille.



Comme je l’ai déjà dit, musicalement, c’est du très haut niveau. Le bassiste est monstrueux et son instrument claque sans arrêt. Le guitariste a quasiment une 6 cordes différente pour chaque morceau et nous gratifie de soli et autres rythmiques funky à souhait. Le batteur imprime un rythme soutenu variant la puissance en fonction des titres. Je me demande parfois si les choristes ne remplacent pas leur leader sur certains passages, notamment lorsque c’est un poil haut pour lui.



Les arrangements sont réussis, Canned heat sera notamment entamée guitare (très floydienne)/voix pour se terminer avec des ambiances caribéennes. Love foolosophy sera également jouée une première fois guitare+percus pour être ensuite reprise par l’ensemble des musiciens. Certains morceaux ne sont pourtant pas aussi bons que les autres à mes oreilles, notamment lorsqu’ils lorgnent trop vers le jazzy mou du genou. Vers le milieu du concert, je sens donc l’ennui poindre.



Le court rappel est également très dispensable à mes oreilles. Les plus jeunes parmi le public connaissent et hurlent à tue tête cette chanson digne de David Guetta. J’ai trouvé bien dommage de terminer sur un tel morceau, et de le faire si brutalement alors que bon nombre d’excellents morceaux auraient eu leur place ce soir. Je ne saurais ainsi expliquer l’absence du tubissime Virtual insanity ; trop dur à chanter désormais pour son auteur ? De même, les 2 premiers albums sont quasiment passés sous silence malgré des morceaux ayant rencontré un grand succès et ayant surtout fait connaître le groupe (Too young to die et When you gonna learn en tête). Le concert a duré une bonne heure et demie, le minimum syndical et j’ai eu le sentiment que cela se terminait en eau de boudin. C’est bien dommage car il y eut de nombreux moments qui valaient le détour.



En particulier, dès que la saturation est de mise et qu’on entre dans le rock, la claque est bien présente, Feels just likt it should ou Black capricorn day en sont de bons exemples. La virée vers l’excellent Travelling without moving me revigore avec le titre éponyme et l’excellent Alright. Le sommet du concert sera sans aucun doute le gigantesque Deeper underground, véritable claque d’une puissance rock à toute épreuve. Le trio clavier/basse/batterie mettra l’ensemble du public en transe. Utilisé sur la bande originale de Godzilla, le titre aura à peu près le même effet dévastateur pour le public que le monstre du film.



Setlist :
Black Capricorn Day
Main Vein
Cosmic Girl
High Times
Little L
Morning Glory (intro)
Canned Heat
All Good In The Hood
Hey Floyd
Feels Just Like It Should
Love Foolosophy
Use The Force (Interlude)
Travelling Without Moving
Scam (Break)
Alright
Deeper Underground
White Knuckle Ride
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En début de journée, la pluie battante faisait craindre l’ajout de ce concert à la longue liste des annulations pour les Voix du Gaou : Jack Johnson, Angus & Julia Stone et Yannick Noah. Finallement, après l’arrêt de la pluie le concert est maintenu.
Arrivé sur site, il ne reste de la pluie que quelques flaques et un peu de boue, pas de quoi faire peur aux festivaliers.

Ce soir trois groupes : Selah Sue, Aloe Blacc et Ben l’Oncle Soul. Une soirée sous le signe de la soul et du jazz donc.


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Dans ce cadre exceptionnel qu’est l’île du Gaou, et malgré de nombreuses rafales de vent qui ont fait craindre une annulation de dernière minute, la soirée s’ouvre avec l’entrée sur scène du groupe d’Audrey LAVERGNE, venue promouvoir la sortie prévue en septembre de son nouvel album : Facing Mirrors.



Tandis que les premières notes de piano résonnent, les musiciens prennent possession de la scène tout en restant relativement statiques. Le claviériste joue assis. Des applaudissements timides viennent conclure ce premier morceau.
Le tempo lent du deuxième morceau le place dans la lignée du premier. Tandis qu’un nouvel instrument à cordes fait son apparition, la chanteuse, cramponnée à son micro à pied, lutte contre le vent et le soleil qui tape sur la scène.



Le troisième morceau est l’occasion pour le groupe de se détendre un peu et d’interagir avec les spectateurs. Des applaudissements sont lancés, et le claviériste, après avoir pris une photo souvenir, fait chanter un public qui se montre un peu plus réceptif.
Après une intro à la batterie, Audrey joue quelques notes sur la guitare basse qu’elle s’est passée autour du cou. Sur ce morceau, des effets vocodés sont appliqués sur sa voix, qui laisse ensuite la place à un passage instrumental plus lourd, où la mélodie est assurée par le guitariste soutenu par le batteur. Malgré ce morceau plus puissant, le public continue de sommeiller et ne s’anime véritablement que lorsqu’il s’agit de réagir aux "ça va toujours ?" lancés par la chanteuse.



L’intro du cinquième morceau (piano classique + voix) est l’occasion de réaliser que le vent ne cesse de secouer bruyamment les bâches en plastique du toit de la scène. Le soleil descend lentement et la luminosité devient orangée... Ce morceau, plus atmosphérique, nous permet d’apprécier un jeu de guitare plein de réverbe. Audrey détache le micro de son pied mais ne s’en éloigne pas pour autant.



Ce n’est qu’après un solo de guitare ponctué par un cri qu’elle se mettra enfin à bouger en rythme avec la musique d’une façon qui ne manquera pas de rappeler Florence (and the Machine).
Audrey introduit ensuite le dernier morceau, Evil For Good, et présente ses musiciens. Le rythme est bien plus soutenu, la voix est puissante et posée, et cette énergie bien plus appuyée est captée par le public qui applaudit en suivant le rythme dicté par la basse.



Dans une setlist d’une demi-heure (19h30-20h), le jeune groupe a proposé des morceaux aux rythmes relativement lents qui auraient nécessité une plus grande implication pour réellement capter l’attention du public. On regrettera globalement une attitude trop sage et hésitante de la part d’une chanteuse et de musiciens propres sur eux, souriants, mais dont le manque d’enthousiasme a laissé penser qu’ils ne profitaient pas vraiment du moment vécu.



À 20h15, c’est au tour du très attendu Louis BERTIGNAC de faire son entrée sur une scène ensoleillée et toujours aussi sujette aux rafales de vent. "On va faire du rock ‘n’ roll, vous êtes prêts ?!!". Oui, le public est prêt, bien réveillé, et il salue dignement l’arrivée énergique du chanteur guitariste. Dès le refrain, les backing vocals du bassiste permettent à Louis d’annoncer la couleur en gratifiant le public d’un premier solo de guitare.



Après cette entrée en matière réussie, Louis et son groupe jouent un nouveau morceau. Le style est carré, les musiciens sont à l’aise et bien dedans. Louis conclut ce morceau en sautant avec sa guitare, puis présente ses musiciens et précise que c’est bien qu’il fasse encore jour car il voit bien nos gueules !
La communication musiciens-public se met en place très naturellement. L’atmosphère est légère et détendue. Le public reprend en cœur les "whoooohoh" de Louis qui "n’entend rien" puis "entend mieux" !
Pour le quatrième morceau, Louis annonce un numéro de magie et "sous nos yeux ébahis, se transforme en grizzli". Des petits grunts sont de la partie. Louis n’hésite pas à envoyer et à tirer sur sa voix. Pour rendre l’incarnation plus convaincante encore, il enlève sa veste : "faut qu’on voit des poils".



Puis, après avoir sondé le public et conclu que celui-ci apprécierait certainement une vieille chanson, Louis et son groupe entament les première notes de Cendrillon. Le public est aux anges et ne manque pas de sauter en rythme sur le refrain. Louis monte sur un caisson de basse et nous livre un bon solo très efficace. Le son est réglé à la perfection et Louis jouera même quelques notes avec les lèvres. Le public reprend sans en oublier un tous les "yohooooo" du bassiste. Celui-ci se montrera d’ailleurs, tout au long de cette heure de concert, très souriant et sympathique.

Après un petit intermède où l’on appréciera quelques notes d’une célèbre reprise, c’est au tour de Le Grand Ordinateur. L’intro est bien rythmée, très efficace. Après un nouveau passage instru très réussi, Louis se lance à nouveau dans un bon gros solo. Le soleil est presque couché mais la luminosité est encore très bonne. Et c’est au tour de la batterie de taper un bon coup.



"Vous en voulez une que vous chantez ? On va en faire une un peu connue quand même… 1, 2, 3, 4 !" et au public de hurler : "Quelque chose en toi, ne tourne pas rooond !". Louis laisse un public déchaîné assurer le chant et en profite pour s’amuser avec sa guitare. À ce stade, tous, sur scène et devant la scène, s’éclatent !
Pendant Vas-y guitare, la complicité des musiciens ne fait vraiment aucun doute. Louis prend quelques libertés avec les paroles pour y intégrer "Gaou". Le soleil s’est couché, il fait froid, mais on ne le réalise pas vraiment tant on est concentré pour apprécier le jeu de guitare d’un Louis décidément très à l’aise : avec la bouche, sur les genoux, avec le pied de micro, rien ne l’empêche de livrer un très bon solo.



Le morceau suivant, Ces idées-là, est à nouveau l’occasion pour le public de donner de la voix. La lumière du soleil a désormais laissé la place aux projecteurs de la scène.
Après une petite discussion avec un public toujours aussi passionné, le groupe se lance dans une reprise de The Who. Tandis que les spectateurs applaudissent en rythme, les musiciens s’éclatent sur scène, tout particulièrement à la fin du morceau qui laisse la part belle aux guitares.
Puis, après de nouveaux remerciements du bassiste, Un autre monde vient conclure le concert. Le premier couplet est intégralement chanté par le public. Le solo qui suit est applaudi avec énergie et enthousiasme.



Louis BERTIGNAC et ses musiciens ont su livrer, avec sympathie, générosité et humour, une prestation pro. Leur expérience de la scène ne fait aucun doute et leur permet de prendre leur pied à l’unisson avec un public conquis.



Après une attente qui, de par le froid, a semblé très longue, le groupe TEXAS fait son entrée sur la scène de Six-Fours-les-Plages à 21h50 et ne perd pas de temps en attaquant par l’un de leur plus gros tube : I Don’t Want A Lover. Sharleen Spiteri débarque sur scène avec une énergie débordante et sollicite immédiatement un public qui n’attendait que ça !



Si l’entrée sur scène s’est étonnamment déroulée sous des lumières très sombres, le set se voit soudainement inondé de lumière, à juste titre, pour le morceau Halo qui est décidément très efficace en live. Après un "Bonsoir Six-Fours, ça va bien ?", Sharleen chante d’une voix posée et assurée qui n’a rien perdu de sa puissance. Les musiciens, quant à eux, se révèlent rapidement très souriants et faciles d’accès.
Pour le troisième morceau, Everyday Now, Sharleen troque sa guitare contre un micro sans fil. Elle peut ainsi évacuer une part de son énergie en parcourant la scène dans toute sa largeur, permettant de cette façon à tout le public de profiter de sa présence. Elle est à 200% dedans et ponctue de nombreuses phrases chantées en criant "Whooo" loin du micro.



Entre deux morceaux, quand un spectateur parvient à crier quelque chose d’audible, Sharleen n’hésite pas à lui répondre. Pendant In Our Lifetime, l’énergie est tout aussi soutenue, et Sharleen continue de se déplacer sous le regard bienveillant du guitariste solo.
Avant d’attaquer So Called Friend, secondée par les backing vocals du guitariste rythmique, Sharleen explique qu’elle est heureuse que le concert ait finalement été maintenu malgré le vent et ajoute : "Thank you for the last 24 years France!".



C’est au tour de In Demand de passer l’épreuve du live et d’en ressortir grandi. Les variations proposées sur le refrain sont très agréables et la fin du morceau est entièrement revisitée. Il est toujours appréciable de voir un groupe s’éloigner de la version studio d’un morceau.
Tandis que le guitariste rythmique et le bassiste échangent leurs instruments, Sharleen annonce un nouveau morceau intitulé The Conversation et demande au public comment dire en français qu’il y a trop de vent. La guitare sèche est à l’honneur dans ce morceau, le groupe semble très enthousiaste. Le public apprécie, saute en rythme sur le refrain, et Sharleen ponctue cette découverte d’un "Merci mes amis".



Il est temps de laisser au public la possibilité de récupérer ses forces (car Sharleen, de son côté, ne semble pas en avoir besoin !). On passe en configuration acoustique avec une guitare sèche pour seul instrument. Alistair et Sharleen sont assis. Cette dernière nous explique que la chanson qui suit a été la première jouée par le groupe à la télé française. Il s’agit de Prayer For You. Le son bien réglé permet d’apprécier un jeu de guitare sans aucun couac. Sharleen est toujours aussi investie dans son chant. Elle finit par se lever pour la fin du morceau, non sans avoir entraîné le public en criant "Here we go, alleeeeeez !". Le message est passé et le public se lance dans un long et puissant "On n’est pas fatiguééés !", que le groupe ne manquera pas d’apprécier !



Sharleen parvient enfin à introduire, non sans humour, le prochain morceau, une love song : Tired Of Being Alone. Ici, de façon encore plus percutante qu’avant, il saute aux yeux que Sharleen vit sa musique et sait donner forme et substance aux paroles qu’elle chante. Le morceau permet une montée en puissante énorme. L’énergie est à son comble.
Et quand on pense qu’on a atteint le point culminant du concert, Sharleen lance un "Ready to go crazy ?" parfaitement appuyé par les premières notes de l’indiscutable tube Summer Son. Elle fait alors monter sur scène une fan du premier rang et demande au public, avec son accent écossais irrésistible, de lui montrer ce que c’est d’être "totally mad". Tandis que les premiers rangs sautent en rythme, le reste des spectateurs apprécie avec enthousiasme ce morceau incontournable.
La pression ne redescend pas avec un autre single de choix, Black Eyed Boy, que Sharleen termine en prouvant que ses capacités vocales lui permettent de tenir des notes aussi longtemps qu’elle le décide.



Enfin, c’est l’archi-connu Say What You Want qui vient ponctuer l’avant rappel. Cela fait 1h10 que le concert a commencé.
Le retour sur scène est assez comique puisque Sharleen se trompe de morceau. Alistair, le guitariste solo, ne semble pas en savoir davantage… "Here’s what french wine does to you" plaisantera Sharleen avant de commencer à chanter Thrill Has Gone.
Le groupe joue ensuite l’un des ses derniers tubes Inner Smile. On regrettera ici la tenue en cuir que Sharleen ne manquait pas de porter lors des plus vieilles tournées… Et sans changer d’un iota l’attitude énergisante dont elle a fait preuve tout au long du concert, Sharleen défiera une fois de plus le public au cours du morceau : "Come on, can’t hear you !".



Après une courte pause, le groupe revient pour clôturer traditionnellement le concert par leur reprise d’Elvis Presley : Suspicious Minds.
Cette soirée était sans conteste un moment privilégié et chargé d’émotions… Être en mesure d’entendre tous ces tubes, délivrés avec professionnalisme, enthousiasme et simplicité par des musiciens sympathiques et une chanteuse qui n’a en rien perdu de son pouvoir envoutant de frontwoman, ne manquera pas de marquer les esprits.




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Jul : Quelles sont les nouvelles depuis vos ateliers en avril ?

François : Ca nous a fait pas mal avancer sur l’arrangement des morceaux. Le fait d’avoir un contact avec un œil extérieur, différents pro de la scène du studio etc. nous a permis de re-bosser ce qui existait

Jul : Et par rapport à votre travail avec un ingénieur du son ?
François : On a fait une résidence de quelques jours avec Jérôme (en retrait à notre gauche). Grâce à Thierry (en face de moi, de l’Escale d’Aubagne). Il y a aussi une possibilité à l’Affranchi, début avril. C’est un bon travail pour nous.

Jul : Allez vous bosser en permanence ensemble ? (avec l’ingé son)
Marion : : Au maximum des dates qu’on a eu, on a essayé de bosser ensemble.
François : : Ca ne ‘est pas représenté depuis. Parfois ca s’est retrouvé annulé à cause de la pluie…… et du coup Jérôme n’était plus disponible.

Jul : Que je comprenne comment cela se traduit sur scène : est-ce que cela vous permet d’avoir des Instruments en plus sur scène ? Des arrangements ?
Marion : Par rapport à la dernière fois il y a un tome bass en plus, un carillon.
François : Et puis maintenant il y a un bon son. Avant c’était bien et maintenant ca déchire tout (rires).
Marion : ca permet d’aller dans les subtilités.

Jul : Est-ce que ca vous a servi pour écrire ? Vous en avez tenu compte ?
François : On a pas eu le temps de composer depuis mais je pense que oui on va s’appuyer dessus.
Marion : y’a des idées à la percu qui sont sorties déjà dans les répètes donc oui, ca va servir.

Jul : Quelles sont vos prochaines dates ?
François : Demain en 1ere partie de Bernard Lavilliers à Sollies-Pont, dans le Var au dessus de Toulon. Il y a un Festival dans un Château pendant 4 ou 5 soirées dont Bernard Lavilliers. Cela s’est présenté assez rapidement par l’intermédiaire de Sud Concert.
Après on va à Avignon, résidence concert dans un petit théâtre : le théâtre du Chapeau Rouge. Du 24 au 28 juillet tous les soirs à 22h.
Marion : en Août vacances et puis on se retrouve à Paris en septembre.

Jul : Donc tu "montes" ?
MARION oui je "monte". On va essayer d’avoir une date parisienne un peu sympa. Autre chose qu’un petit café concert.
François : des petits concerts aussi. Le Zébrock va nous donner un coup de main.
Marion : Sur place on va se motiver pour un projet d’album.
Ecriture et prod parce que ca c’est un gros boulot aussi. Le temps de tout faire, pas avant le printemps prochain.
Jul : Avec des dates pour l’été prochain ?
François : oui a on va dire ça.

Jul : Est-ce que ce soir pour ceux qui vont ont déjà vu il y a des nouveautés ?
Marion : On est toujours sur le même set que depuis 2 ou 3 mois.
François : On va essayer de ne pas s’électrocuter aussi ! Parce que ca c’est nouveau, on n’a jamais fait (nous sommes sous une pluie battante).
Marion : …des petites choses ont changé depuis 1 mois, scéniquement.
Ha oui y’a un truc qui a changé !
François : je me lève. Oui ! Hé bah ca change tout !
Marion : du coup il fait du rock maintenant ! Plus de tabouret de flamenco. Enfin sauf pour le flamenco. Ca change, c’est plus dynamique.
Ca fait presque 6 mois qu’on est sur ce travail de trouver notre truc sur scène. J’ai eu aucun soucis sur l’écriture, c’est pas une angoisse de se dire on va faire des nouveaux morceaux. Ca fait 12 ans qu’on compose.
Sur scène c’est déjà un autre boulot.

Jul : Comment vous faites pour capter le public sur un endroit aussi grand ?
Marion : Il faut déjà de la musique béton. Et c’est là que le boulot de Jérôme donne un truc énorme. Il faut que la musique ait de l’envergure. Bien qu’on soit 2 c’est une musique qui a de l’envergure.

Jul : Au niveau des lumières vous avez bossé aussi des choses ?
Marion : hé bien ça ce serait les next steps. On essayera de le bosser à Marseille. Peut être en résidence à l’Espace Julien.
Aussi une chose c’est que pour l’instant on joue une heure, c’est pas le temps qu’il faut pour penser un set. Avignon va nous permettre de faire ca, c’est un peu plus conséquent.

Jul : Vous avez de l’aide de la salle pour ce travail de lumières ?
Marion : L’Ingé lumière va travailler avec nous et puis on comptera sur Martin (son ami à notre droite). C’est un tout petit lieu.
Et puis il faut qu’on fasse une vidéo dans pas longtemps.
Et on a envie d’avoir un site à nous. A la place de MySpace qui ne fonctionne plus.

Jul : L’intérêt d’avoir un site à vous ?
L’intérêt d’avoir un site c’est d’avoir une page rapide, qui permette d’écouter de la musique.
Marion : que ce soit un peu la maison du groupe et d’avoir une identité graphique personnelle.
Ce sera géré par une amie et à nous de le faire vivre.

François : La pluie se calme, on va sortir en plein soleil….


Et ils jouèrent au sec.

Merci à vous deux.

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En chemin,

Jul : Vous étiez donc à Dour, c’était bien ?
Jonathan Morali : Oui c'était bien et il faisait beau. On a déjà fait ce festival il y a 3 ans, avec l’album précédent, en Belgique ça se passe toujours bien et ce festival est vraiment sympa.

On s'installe dans le canapé sous la tente blanche face à la mer.

Jul : Vous avez joué cet album en intérieur, en extérieur, un peu partout, vous le sentez vivre de façon différente selon les endroits ?
JM : Ha, c’est le but oui de s’adapter à l’endroit où on joue.

Jul : Et cela vient pendant le concert ? Vous sentez les gens ?
JM : Non, enfin pendant le concert on sent les gens mais c’est déjà calé. C’est un album qui se prête à être joué je trouve un peu partout. C’est beaucoup de voix, de percussions, ce sont des choses qui sont faciles à reproduire en dehors d’une salle.

Jul : Parce que je vous ai vu au Théâtre Denis à Hyères, qui est vraiment cosy pour le coup ça faisait un peu comme un feu dans une cheminée (il se marre), ça crépitait et je me demandais ce que ça pouvait donner en extérieur. Pour moi c’était un album qui a besoin d’espace, qui a besoin de place.
JM : Oui bah écoute c’est différent, après aussi il faut s’adapter au public, si les gens sont plus calmes, on tempère, ou alors sinon on va avoir envie de réagir. Il faut qu’on ait cette marge de s’adapter au moment où on joue. Parce que c’est plus fun, il faut se faire plaisir.

Jul : J’ai été frappée par la différence entre la version album studio, un peu électro avec beaucoup d’arrangements et la version scénique. Je ne m’attendais pas à ce que soit aussi complémentaire. C’est presque une façon différente d’appréhender les morceaux, parce vous n’avez pas tous les instruments où les arrangements possibles. Est-ce que tout ça vous le bossez dès le début ou est-ce que c’est vraiment un travail différent, une traduction ?
JM : C’est vraiment un travail différent.
Quand on est en studio il ne faut pas se demander si ca va être adaptable sur scène. Par exemple on fait tout se qu’on a envie de faire et souvent ce sont des choses qui sont impossibles à reproduire. On le sait. C’est pas ça qu’on cherche.
Une fois qu’on retravaille vraiment pour le live, on essaye de redécouvrir les morceaux.

Jul : Donc c’est ça tout l’intérêt, se demander comment on va faire pour traduire en live ?
JM : Oui et c’est aussi garder l’essentiel de ce qu’on met dans les morceaux. De ne pas avoir peur de lâcher des choses, et surtout de jouer différemment certaines choses.
Je crois vraiment que les morceaux ne sont jamais figés. Par exemple c’est frustrant pour quiconque a enregistré une seule chanson dans sa vie. On peut être très content et se dire 3 jours après je l’aurais bien jouée autrement que comme ça. Le fait de la jouer sur scène ça permet de la réinventer tout le temps. C’est une liberté qui est importante.

Jul : Justement je lisais qu’on vous avait demandé comment vous bossiez et vous disiez "je valide tout, j’ai besoin de tout voir, tout passe par moi quitte à être de mauvaise foi" (il se marre). Dans ce boulot d’adaptation à la scène, est-ce que c’est le moment où chacun dit la sienne ?
JM : Oui oui je pense que vraiment on est 5 musiciens et on a besoin de ressentir chacun des choses.

Jul : Vous jouez tous plusieurs instruments en plus ?
JM : Oui. Mal… mais, oui. (rires) (Désapprobation manifeste de ma part)

Jul : Justement Syd Matters, après toutes ces dates, tous ces endroits, vous vous êtes bien appropriés l’album, est ce que déjà vous avez la tête ailleurs ou vous arrivez à profiter encore des morceaux, typiquement dans des endroits comme ici ?
JM : Les 2. Je ne me suis pas encore lassé de ces chansons là et j’ai toujours beaucoup de plaisir à les jouer.
Et puis en même temps je n’arrête jamais d’écrire. Je réfléchis à la suite. On a déjà fait 4 disques et une BO donc c’est aussi le temps de faire quelque chose de vraiment différent. Peut être pas forcément un album. Peut être un autre projet.

Jul : Vous avez d’autres projets visuels ?
JM : On a toujours eu pas mal de propositions. Après, moi je ne suis pas très cinéphile et je suis pas super sensible au cinéma. Du coup c’est un peu compliqué de trouver un projet qui m’intéresse. Ils sont rares ceux qui sont particuliers. Si c’est pour faire une musique de film…bon….

Jul : Je pensais plutôt à l’inverse, mettre des images sur votre musique, pas forcément faire un clip mais…
JM : J’aimerais bien trouver un juste milieu entre "on fait de cinéma et nous ensuite faisons la musique" ou alors "nous on fait la musique, qui ensuite est mise en image". Essayer de faire un projet vraiment complémentaire, avec quelqu’un qui vient de l’image. Un projet hybride qui soit à la fois musique et image. Voilà…j’essaye de trouver.

Jul : Donc j’entendais que vous avez un projet avec H Burns dont vous faites partie (que j’aime beaucoup aussi, c’est chouette). On a compris que pour SM vous décidez, comment vous bossez avec eux ?
JM : H Bruns c’est vraiment le projet de composition de Renault. Le jeu qui est super intéressant est de comprendre qu’il y a une vision du projet par quelqu’un en particulier, et de savoir où se placer pour enrichir le projet mais pas le dénaturer.
H Bruns typiquement je suis fan de son écriture et après j’essaye de trouver ma place en tant que musicien ou arrangeur mais ça permet d’avoir une place très très différente de Syd Matters.

Jul : Complémentaire ?
JM : Ça apprend plein de choses de comprendre que quand on est dans un groupe si y’a 4 personnes, 4 personnes vont avoir plein d’idées. Après c’est pas tant d’avoir des idées qui est important c’est de comprendre qu’il y a une vision. De garder la ligne. Quelqu’un porte le projet et a la vision de A à Z. Il faut respecter la vision du mec.

Jul : Renaud, il a les idées claires et vous vous y collez ?
JM : Claires ou pas simplement c’est lui qui donne une personnalité. Pour Syd Matters j’essaye de donner une personnalité ensuite c’est eux qui enrichissent et ils font pousser le projet beaucoup plus loin que ce que je pourrais faire tout seul.
Sauf que c’est important une personnalité au centre. Tout le monde peut faire de la super musique mais qui est impersonnelle si c’est un projet démocratique. C‘est super par ailleurs, mais ca se dénature.
Donc Renault il vient avec ses chansons, avec ses textes. Il va plus droit au but. Il a des codes, il vient d’une certaine tradition musicale donc il y a certains instruments qui sont impossibles à utiliser. Alors que moi j’aime bien utiliser n’importe quel instrument.

Jul : Je vous ai même vu avec une scie...
JM : AH, j’ai du batailler pour celle là !

Jul : Oui pas évident de placer ça là !
JM : A chaque fois qu’on sort des nouveaux trucs la blague c’est que j’arrive et que je dis, "ah je mettrais bien une cornemuse !". Mon rôle ca va être parfois d’ouvrir un tout petit peu.

Jul : Comment vous vous organisez pour bosser là dessus puisque vous avez des dates tout le temps ?
JM : En fait on habite pas au même endroit, lui il habite dans le sud. Enfin le sud : Grenoble, enfin "plus au sud", et moi je suis à Paris. Pour l’instant il fait des maquettes chez lui, il me les envoie. On essaye d’enregistrer un disque en février prochain. Donc il faut trouver du temps cet hiver.

Jul : Pour Syd Matters, quand vous avez des projets annexes comme ça, j’imagine que c’est compartimenté ?
JM : Non non. Justement c’est perméable. Ca m’enrichit. Il faut s’adapter. C’est comme quand tu parles avec une copine et que tu parles avec une autres copine très différente, d’autre chose qui n’est pas du tout pareil. Je pioche et ça enrichit vachement. Je me sens beaucoup plus musicien que compositeur ou songwritter donc j’apprends aussi à jouer différemment. Ce ne sont pas des choses qui ne se rencontrent jamais. Il faut changer de famille de temps en temps.

Jul :: Une dernière petite question… Est-ce que vous avez un rituel avant de monter sur scène ?
JM : Ah, on fait "ça". Mais il faut qu’il soit PARFAIT. (il met sa main droite de face, prêt à toper-là.)

On fait un 1er essai.

JM : Non là tu vois ça va pas.

On fait le 2ème.

JM : Voilà, là tu vois : super. On peut y aller.

Merci Jonathan !
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Nous sommes arrivés pourtant très en avance, mais le temps de faire la queue, de se faire fouiller (par solidarité) et de rejoindre la petite scène cachée au fond dans les pins, nous avons raté les 2 premières chansons de We Used To Have A Band. Dommage.

Le public est déjà attentif au jeu de scène de Marion Rampal et François Richez, tous les deux debout pour l’occasion. Ils sont souriants, plus bavards qu’à l’habitude.
Dans le soleil, du moins dans le jour gris couchant, ils sont bercés d’un jeu de lumières vives dans l’odeur délicieuse de pin humide.
Il est question de Passiòn, il s’assoit. Elle reste debout, femme fière et aimante.
Elle le cherche du regard, le couve, lui est concentré sur son jeu.



Un goéland nous rejoint dans hautes branches du pin le plus proche et profite avec nous de Shadows gone.
Puis François sort de son cocon pour nous expliquer le thème de la chanson suivante, amusante (faire se réconcilier deux amis amoureux de la même personne).
Pour notre plus grand plaisir François chante beaucoup plus qu’auparavant.



Déjà six chansons et il leur faut quitter la scène pour changer de plateau et accueillir Syd Matters.
We Used To Have A Band a à peine le temps de nous donner rendez vous en Avignon dès les jours suivants.

Syd Matters arrive rapidement en scène. Pas de temps perdu à parler pour se raconter des politesses. Ils entament River Sister douce et claire, Wolfmother et ses notes basses et moelleuses. Puis ils prennent le temps de profiter des applaudissements nourris, pour sourire et glisser un "bonsoir".
Jonathan Morali leur leader, a l’œil sur chacun, attentif et précis.




Hi Life nous soulève dans une lumière chaude.
Chacun des 5 musiciens est concentré sur son travail, le corps en alerte, artisans, ils façonnent en direct.
Leur façon de couper leur jeu en plein élan et de nous rattraper pour nous emmener encore plus loin coupe le souffle. Le goéland perché là haut prend certainement des notes.

Et le final de Bones….ce final de Bones....nous laisse perdus dans le noir.

"Nous ne parlerons pas" glisse-t-il dans un sourire entre deux.
Qu’ils trafiquent dans la pénombre ou explosent en pleine lumière on s’accroche.

Le public attrape chaque occasion proposée pour participer (taper des mains, claquer des doigts, siffler), les ceintures attachées sont attachées, prêts au décollage.



I Might Float dans son plus simple appareil, enchanteresse.
Jean-Yves Lozac'h
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