Grand théâtre de Provence - Aix en provence

Accompagné de l'Orchestre Philharmonique de Radio France, dans le très prestigieux Grand Théâtre De Provence, Jean-François Zygel démonte et explique les Danses Symphoniques de Rachmaninov. L'œuvre est présentée comme une allégorie de la vie, en trois parties : la journée, le soir, la nuit.


Comme un horloger Suisse démonterait, pièce par pièce son coucou, ou plutôt, la grande horloge de Strasbourg, Jean-François Zygel isole chaque partie des Danses Symphoniques de Rachmaninov, puis chaque phrase, chaque instrument, seul ou par petits groupes pour nous faire appréhender la mécanique complexe de ce vaste rouage. Il est question de cellules rythmiques répétées, puis de variations, de développements, d'ornementations. Et le miracle s'accomplit, sous nos yeux, et nos oreilles, ébahis : la sensation délicieuse de se sentir musicologue, mélomane éclairé, savant, s'insinue en nous au fil des exposés, des thèmes reproduits, consécutifs, puis superposés.


Voir et écouter un orchestre symphonique... l'acoustique parfaite du Grand Théâtre De Provence sublime ce qui est déjà extraordinaire. Quelle qualité de son, quelle précision dans la synchronie des instruments, quelle cohésion d'ensemble chez les violons !
Jean-François Zygel est à la musique classique avec l'émission télévisée Les Clefs de l'Orchestre ce que Jean-François Victor est à la Géographie avec l'émission télévisée Le Dessous Des Cartes, Alain Jaubert à la peinture avec Palettes, Jamy Fred et Sabine aux Sciences et Techniques avec C'est Pas Sorcier : des vulgarisateurs de génie, car ils vulgarisent sans réduire, des hérauts modernes de la culture, de la pédagogie et de l'enseignement.


Signalons au passage l'excellente et trop rare émission produite et diffusée par France 2 : La Boîte A Musique, réalisée et présentée par le non moins excellent Jean-François Zygel.
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Ceci est une chronique balletophile sans aucune prétention balletologue.


Le Ballet de l’Opéra National de Perm ville de Russie (Oural) sur la rivière Kama avait fait salle comble ce mardi au Grand Théâtre de Provence pour le Lac des Cygnes de Tchaïkovski. Un programme dont on pouvait attendre beaucoup et qui fut bien au-dessus de tous nos espoirs.

Depuis les petits cygnes jusqu’aux danseurs étoiles, ce fut un enchantement de les voir, portés par une musique sublime, nous conter avec grâce et légèreté les heurs et malheurs de la princesse / cygne blanc, Odette et de son prince charmant, Siegfried.


Du pas de deux romantique de leur rencontre jusqu’au pathétique tableau final de leur mort, en passant par la fête au château, prétexte à des danses (hongroise, espagnole, napolitaine) encadrant la présentation des candidates fiancées, ce fut un ballet de costumes chatoyants aux belles couleurs savamment harmonisées. L’arrivée du sorcier Rothbart, un oiseau de mauvais augure – mais quel somptueux plumage ! – accompagné d’une Odile en cygne noir belle à damner un prince qui la prend pour Odette – dont elle est le sosie – fut un des moments forts du spectacle.


Toutes les générations étant représentées dans le public, on peut reprendre les termes du programme : " ce grand poème lyrique qui se combine aux fastes du divertissement folklorique… a ému, ébloui des générations de spectateurs".
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Alain Bashung a enregistré une version inédite d’un des albums les plus cultes qui soit, L’Homme A Tête De Chou de Gainsbourg.

Une chaise de bureau comme seul élément de décor au centre de la scène. C’est la chaise de Bashung. Il aurait dû l’occuper et déambuler assis à travers la scène pendant les danses. La bande-son de sa voix était juste terminée lorsque Jean-Claude Gallotta apprit, un soir de mars 2009, que la chaise serait vide. Les quatorze membres de sa troupe défilent l’un après l’autre et rendent hommage en saluant, chacun à sa manière, au siège inoccupé.

Et puis on entend sa voix, qui resta merveilleuse jusqu’au bout. Va-t-elle rendre fidèlement le texte original ?
Ca commence mal : "Je suis l’homme à LA tête de chou". Ce sera le seul frisson négatif de la soirée avec plus tard "Festival DE Woodstock". C’est mon côté obsessionnel. On ne touche pas à un texte de Gainsbourg. Bashung y compris. Mais il fait bien claquer les [k] dont l’allitération est un ingrédient essentiel de la musicalité de l’œuvre.


Une chorégraphie sur ce texte ? Ma curiosité est grande. Comment illustrer par la danse des paroles aussi crues, aussi pornographiques ? Gainsbourg y fait rimer carlingue avec cunilingue, les couplets de Marilou Reggae vont du coquin (ci-dessous) au porno :
Quand Marilou danse reggae
Ouvrir braguette et prodiguer
Salutations distinguées
De petit serpent katangais
et l’apogée est atteint sur Flash Forward :
Elle était entre deux macaques
Du genre Festival à Woodstock
Et semblait une guitare rock
A deux jacks
L’un à son trou d’obus, l’autre à son trou de balle crac !

Jean-Claude Gallotta évite brillamment l’écueil. Il a choisi ce texte et l’assume, sans se dérober. De la nudité, oui, mais point de vulgarité.
On s’amuse au début à chercher qui parmi les danseuses campe Marilou, qui parmi les danseurs est l’Homme à Tête de Chou. La réponse apparaît vite : aucun en particulier et tous à la fois.
Lorsque Marilou arpente nue la scène, slip aux chevilles, on se dit que Gainsbarre aurait adoré ça. Comme il aurait apprécié la simplicité du décor, un fond noir, tout simplement.
Seule une nuance de rouge à la fin, une guitare, jouant symboliquement le rôle d’extincteur et accessoirement de cache-sexe à une Marilou titubant.

Gainsbourg aurait-il aimé la bande-son ? Probablement. Les plages écrites par Denis Clavaizolle pour permettre aux danseurs d’évoluer respectent la rythmique originale, l’instrumentalisation est brillante. Celle qui conclut Flash Forward est même surprenante d’intensité avec les aigus des guitares.

Les réorchestrations ne font pas crier au blasphème, loin de là. Elles sont influencées à la fois par le rock et le classique comme la musique de Gainsbourg, parfois même à la limite de la musique expérimentale pour Premiers Symptômes avec la trompette inventive d’Erik Truffaz.

C’est splendide sur la scène, c’est beau et émouvant dans les enceintes avec davantage de nostalgie encore lorsque Bashung dit le sublime texte de Variations Sur Marilou :
Là-dessus cette Narcisse
Se plonge avec délice
Dans la nuit bleu pétrole
De sa paire de Levi's

Bleu Pétrole était son dernier album. Ceci était sa dernière participation à une œuvre.


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Une fumée est diffusée, joliment colorée par les projecteurs de l’immense scène du Grand Théâtre de Provence. Un quartet prend place, pour moitié conforme au Devil Quartet habituel. Entre le guitariste Bebo Ferra malade, un trajet aérien improbable Pise/Munich/Marseille qui a fait atterrir Paolo Fresu deux heures seulement avant le début du spectacle et d’autres péripéties que se plaît à nous narrer le trompettiste, ce concert a bien failli ne jamais avoir lieu.
La formation est inédite donc, et les répétitions ont été quasi inexistantes. C’est peut-être la raison de la loquacité du Sarde. Meublerait-il pour parvenir à l’heure et demi prévue ?
De diabolique, ce quartet n’a que le nom. Il suffira de deux notes de trompette accompagnées par la guitare pour nous en convaincre. Une ballade de l’alité Bebo Ferra. Encore une fois, l’acoustique de cette salle fait merveille. La trompette semble surgir des fauteuils qui me cernent.


La gestuelle du trompettiste ajoute à la magie : verticalité de la trompette vers le haut tel un loup qui hurle à la mort, vers le bas comme pour souligner son attachement à Miles Davis.
Moins prenantes sont les plages où il use / abuse de boîtes à effets et où son bugle se fourvoie dans la fusion.
Les effets sont cependant du plus bel dans Mimi de Paolino Dalla Porta, tout comme les cliquetis de batterie et la dernière note de bugle qui dure une trop courte éternité.
D’autres ballades (Ninna Nanna, et un Hymne à la Vie) nous confortent dans l’idée que l’appellation de son quartet il y a une dizaine d’années – Angel Quartet - est plus significative du contenu que la nouvelle.

Lors de ses longs monologues, Paolo Fresu évoque un documentaire sur un groupe de Palestiniens et d’Israëliens qui ont essayé de vivre ensemble 15 jours et pour lequel il a composé Moto Perpetuo puis nous fait partager la tristesse qui fut la sienne lors de la mort de Fellini. Le titre qui en résulte, écrit dans le train Florence – Bologne le soir-même de la disparition du "Maestro" fait pleurer conjointement la contrebasse et une trompette assourdie pour la seule fois de la soirée.

Paolo Fresu Devil Quartet :
Paolo Fresu : bugle, trompette / Roberto Cecchetto : guitare / Paolino Dalla Porta : contrebasse / Joël Allouche : batterie.



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Quel contraste entre l’heure de bonheur que Carla Bley avait procurée en juillet 2009 au Nice Jazz Festival et cette heure et quart sans saveur ! Certes, les conditions ne sont pas les mêmes : un big band d’un côté, une formation réduite de l’autre : ici, ça s’appelle "Songs With Legs", chansons avec des jambes, entendez qui ont fait du chemin. Du chemin, Steve Swallow et Andy Sheppard en ont fait avec la pianiste californienne, et pas qu’un peu : 50 ans pour le premier, presque la moitié pour le second.


Toutes les pièces jouées sont ses compositions, exception faite d’une reprise de Monk qu’elle a arrangée. Mélodiquement, rien à dire, c’est varié et beau comme du Carla Bley. C’est au niveau de l’instrumentation que ça pêche : peu de relief, pas d’émotion.
Les premiers solos réellement applaudis (saxo ténor puis piano) le furent seulement lors du cinquième morceau, Awful Coffee.

Jusque là, on espérait qu’il allait se passer quelque chose : Tropical Depression et Valse Sinistre portaient trop bien leur nom, la pièce en trois parties "d’après Henri Matisse" commandée pour le Festival de Jazz de Grenoble voyait certains spectateurs s’enfoncer dans les confortables fauteuils rouges.

La pianiste et ses deux complices font l’effort à tour de rôle de nous présenter les pièces en français. Carla Bley : "Vashkar est un désert d’Asie, il y a du sable partout et il fait très chaud"…

On applaudit poliment et le rappel presque redouté sauvera la soirée : un tendrissimement envoûtant sax ténor et trois musiciens enfin concernés y compris Steve Swallow, bien fatigué jusque là, et soudain revigoré. On est d’autant plus frustré en se disant que tout aurait pu être de cette veine.


Carla Bley Trio “Songs With Legs” :
Carla Bley : piano / Andy Sheppard : saxophones ténor et soprano / Steve Swallow : basse.

Setlist :
Wildlife
Tropical Depression
Les Trois Lagons
Valse Sinistre
Awful Coffee
Vashkar
Sidewinders In Paradise
Misterioso (Monk)

(Toujours pas l’autorisation de prendre de photos au Grand Théâtre de Provence…)

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Steve Coleman est un homme insaisissable. Se jouant des étiquettes, il nous propose une musique neuve, avant-gardiste, et que certains pourraient qualifier de Jazz de part l’importance qu’y joue l’improvisation. Mais est-ce encore du Jazz ? Steve Coleman qui a toujours pris du recul par rapport à cette étiquette, nous a encore prouvé, ce soir, sa vocation à s’en différencier.



Car non, le concert auquel nous avons assisté ce soir n’était pas un "simple" concert de Jazz.

De part le lieu tout d’abord, bien plus adapté, de part son cadre et son envergure imposante, aux opéras et orchestre symphoniques, qu’au Jazz, du fait de la distance imposée par le lieu.

De part la disposition des musiciens, une chanteuse, un trompettiste, un guitariste, un pianiste (jouant aussi quelques notes de synthé basse), et Coleman au saxophone alto, rigides et concentrés face à leur pupitre.

De part la musique proposée ce soir surtout, plus proche, parfois, d’une œuvre de musique contemporaine que d’un set Jazz. Ici, pas de reprise de standards, pas de II-V-I… Steve Coleman a créé son propre langage, s’inspirant tout autant de Charlie Parker, John Coltrane, Sun Ra ou Pharoah Sanders, que d’Arnold Schoenbergou Anton Webern. La musique de Steve Coleman utilise les polyrythmies pour permettre aux musiciens d’échanger et entremêler différents thèmes, créant un support mouvant sur lequel vient se poser l’improvisation. Ne cherchez pas toutefois de thèmes aisément identifiables ou de chorus démonstratifs. Ici, les thèmes entrecroisés forment un canevas complexe, où les instruments se croisent, s’accordent, s’éloignent où se font écho. Les progressions d’accords, complexes, semblent étirées. Les chorus, quand à eux, cherchent à se fondre dans ce canevas, jouant un rôle proche de celui d’un soliste au sein d’un orchestre symphonique. Le jeu est clair, précis. Pas de growl, ou de déferlantes de notes. Les morceaux, quand à eux, se présentent sous la forme de trois longues "pièces", pour une durée de 2 heures environ. Steve Coleman and Five Elements présentent donc une musique écrite, complexe (d’aucun diront "cérébrale"), et bien loin des standards du Jazz "Be-bop"…



Hors de toutes considérations techniques, la musique proposée est tout à la fois éthérée et rythmée. Les notes, les thèmes, les rythmes se déplacent sur la scène pour nous amener vers un état de transe. L’alchimiste Steve Coleman mêle les Five Elements, les instrumentistes abandonnent leur individualité au profit du groupe tout en entier. Il n’est plus question ici de se focaliser sur tel ou tel instrument, mais d’écouter l’ensemble, les thèmes entremêlés, comme un tout holistique.

Reste, toutefois, quelques longueurs, durant le second morceau notamment, sans doute liées à l’absence de section rythmique. Steve Coleman cherche, certes, à se démarquer de l’image "Funk" qui l’a longtemps suivi du fait des grooves créés par ses polyrythmies. Mais ce soir, seul le piano faisait office d’instrument rythmique, secondé par une guitare trop timide pour offrir un support suffisant. Sans doute la présence d’une batterie ou d’une contrebasse aurait elle suffit à éviter quelques longueurs, et à rendre le propos de Coleman plus intelligible, notamment pour les néophytes. Une partie du public, a, en effet, quitté les rangs à la moitié du concert. A en juger par le nombre de personnes présentes ce soir, pour un artiste qui ne me semble, toutefois, pas être très connu en France, et par l’âge du public, il y a fort à parier que nombre de personnes n’étaient présentes ce soir que du seul fait de leur curiosité et de leur abonnement à la salle.



Le relatif hermétisme entourant la musique jouée ce soir n’aura sans doute pas fait beaucoup de nouveaux adeptes, mais aura sans aucun doute comblé les attentes des initiés.

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