Moriarty en concert

C’est à l’Usine d’Istres que Moriarty joue ce soir pour un public déjà conquis d’avance (voir chronique. Face aux diverses difficultés rencontrées pour obtenir une interview de dernière minute, je me trouve nez à nez avec, en fin de set, un groupe des plus accessibles et chaleureux. C’est donc avec Zim (basse) que je démarre cette interview totalement improvisée sur le zinc du comptoir de la salle, en compagnie des happy few restés jusqu’à la dernière minute.



Vous voulez cette interview en français ou en anglais ?

I don’t mind, franchement c’est comme vous voulez. (Rires)


Pouvez-vous nous dire quel rapport vous entretenez avec la culture française, avec la langue en tant que francophones ?

On est francophones, on est anglophones, on est « bilingophones », et ce qui nous plaît dans la culture française c’est je pense quelque chose qui est symétrique à la culture anglo-saxonne. Honnêtement en terme d’identité, on a passé la plus grande partie de notre vie en France, on a tous fait des voyages, j’ai également vécu à l’étranger dans les patries d’origine de mes parents, mais on se sent surtout ‘entre deux’ en terme d’identité. C’est une question très intime, je parle au nom de tout le monde parce qu’on a tous des origines partagées.


Est-ce que ces voyages constants n’ont pas eu une influence sur votre manière d’écrire ?

Oui, quand on est bilingue on a le cerveau divisé en deux, à gauche et à droite.



Avez-vous déjà pensé à faire des textes en français ?

Oui, on y a pensé mais ce n’est pas encore le moment. Les textes sortent naturellement en anglais. Arthur lui rêve en anglais, et comme il écrit beaucoup de morceaux, ses textes ont souvent un rapport avec ses rêves ; c’est un peu spontané, une sorte d’écriture automatique et cela sort en anglais. Par exemple la langue maternelle avec laquelle Rosemary a appris la musique en anglais, car son père est un musicien américain né en France.
La question ne s’est jamais vraiment posée, on a commencé à faire de la musique en chantant en anglais. Les premiers textes originaux sont venus d’Arthur avec son ami d’enfance Allan Robert qui est désormais journaliste. Les textes se font toujours par l’inspiration directe, il n’y a pas de calcul, ce n’est qu’une question de spontanéité.
Maintenant c’est vrai qu’on nous demande des choses en français, et Rosemary s’est éprise du travail de Pierre Macorlian, écrivain d’après guerre et plus précisément des chansons qu’il a écrites pour Germaine Montero, des chansons réalistes en argot du Havre. On ne l’a pas joué ce soir, mais nous l’avons fait à l’alliance française de Dublin, une sorte de clin d’œil pour les français expatriés, et on l’a refaite aux coups de cœurs francophones de Montréal en novembre 2007.
Nos parents sont tous expatriés, tous immigrés, exilés, tous les termes que l’on peut trouver pour décrire des gens qui viennent d’une culture différente de celle de leurs origines. Faire de la musique pour nous, c’est jouer pour ces communautés en quelque sorte. Moi j’appelle ça être fifty/ fifty. Quand je suis allé au Vietnam, car j’ai de la famille là bas, les enfants m’appelaient spontanément fifty/ fifty ou me considéraient comme un français alors qu’en France on me regarde avec les traits asiatiques. Finalement on ne se sent nulle part chez nous, par rapport aux 100% on se sent toujours 50%, mais on finit par en être fier au bout d’un moment.



Vous développez un côté très intimiste sur scène. La difficulté n’est-elle pas de retranscrire ce côté bricolé sur scène ou en studio ?

Il y a la question de la distance physique qui a une grande importance, elle influe sur la musique telle qu’on la fait. On ne peut pas jouer de la même manière si on est éclaté à dix mètres sur un plateau que si on se touche. Peut être que pour d’autres groupes ce n’est pas essentiel, mais pour nous cela influe énormément. Quand on a composé nos premiers morceaux, on jouait dans de très petites caves, et ça a du former cette habitude de jouer très proche, de jouer les yeux dans les yeux et d’entendre de toutes petites choses, de pouvoir à peine frotter une corde et de pouvoir l’entendre. Cela n’aurait pas été pareil si on avait joué dans de grands studios. Après, il y a les signes par regards ou chuchotements. En fait je pense qu’on n’a pas spécialement envie de faire quelque chose d’intimiste. Cela vient juste de nos habitudes scéniques. Après, rien ne nous empêche d’utiliser le potentiel et l’espace de la scène, mais on ne peut pas s’éloigner plus que notre limite pour bien jouer.



Vous avez également ce côté très théâtral sur scène. Peut-on dire de vous que vous êtes plutôt une troupe ou un groupe ?

Les deux définitions peuvent prendre sens. Groupe de musique est tellement générique et peut s’appliquer à toutes sortes de choses. Il y a des groupes de toutes sortes, alors que troupe s’apparente à la troupe de théâtre, des gens qui vivent ensemble sur la route, qui grandissent et qui se construisent ensemble. Groupe, c’est plus instantané. En général on dit qu’on est une famille parce qu’on se comprend bien dans l’entre-deux, entre deux langues, entre deux cultures, entre deux nationalités, entre deux pays, entre deux musiques aussi ; le fait de partager ces choses nous donne une sorte de code génétique commun où l’on comprend beaucoup de choses sans avoir à s’expliquer. Il y a des gens qui nous demandent si nous sommes vraiment des frères et sœurs, et je pense que ça sous-entend génétiquement… Pas encore, non, et si on trouve un moyen de nous assimiler génétiquement, on le fera mais pour le moment nous sommes frères et sœurs de manière spirituelle.


Comment pouvez vous qualifier votre multitude d’influences, très internationales en quelque sorte ?

Comment la qualifier ? Je ne sais pas trop, on a tous des goûts musicaux hétéroclites voire totalement opposés, l’un d’entre nous peut adorer un groupe, puis le présenter aux autres et au final nous allons jeter le disque parce que c’est inécoutable. Quelques rares artistes passent le test musical et font l’unanimité mais en majorité on n’écoute pas la même chose et quand on compose, on a ce lien humain qui nous unit, et qui nous fait respecter les influences de chacun. Et lorsque quelqu’un compose sous influence, les autres vont la contredire. Certains sont peut être baignés dans le blues d’avant guerre, très rural, années 20 ou 30, par contre moi je ne m’y connais pas beaucoup. Par exemple, si on m’amène un riff qui vient du blues, je vais essayer d’amener quelque chose qui vient plus de la new-wave. Ça n’a rien à voir mais il va falloir trouver un moyen de le faire fonctionner ensemble. Et ensuite chacun va amener sa propre touche, Rosemary va être baignée dans du chant lyrique, ce qui va amener une autre touche. C’est assez bizarre mais c’est souvent comme ça que ça se passe. On dirait un jeu où tout le monde tire la couverture de son côté, et au final on ne sait pas très bien ce que va être le résultat. C’est un peu comme un cadavre exquis, il y a juste un code qui dit que tout doit se connecter en pliant la feuille. Il n’y a que cette règle du jeu, et lorsque l’on déplie la feuille, on découvre la surprise, le monstre qui naît. Le problème avec les monstres, c’est que c’est assez difficile de les faire tenir debout, ça se casse souvent la figure. C’est une sorte de Frankenstein.



Vous semblez avoir cette fascination pour tout ce qui touche au kitsh, au rétro et au vintage. N’est ce pas pour vous une manière de tourner en dérision les codes esthétiques présents ?

On est très méfiant vis-à-vis de l’obligation d’être contemporain et moderne. Etre contemporain et présent, ça ne veut pas dire se conformer aux codes esthétiques actuels. Par contre, on nous dit souvent que nous avons une étiquette rétro que je déteste complètement, car rétro signifie uniquement le fait de choisir une époque et la labelliser. Je sais qu’il y a des groupes d’inspirations années cinquante qui font ça très bien en prenant les vêtements des années cinquante, la pochette de disque, etc. Pour nous, ça ne nous intéresse pas plus que du folklore où par exemple on va jouer la musique du 17ème siècle pour la rejouer telle quelle en s’habillant de la même manière.
Ce qui ne nous intéresse c’est de ne pas avoir d’époque. Thomas adore la musique des années 30 et moi la musique des années 70 et 80 et pour la réconcilier, on se dit qu’il n’y a qu’un temps cyclique, que les choses reviennent, mais par contre que les thèmes ou les manières de chanter ne meurent jamais. On veut échapper à la dictature du temps présent, et je vais donner un exemple : nous avons écrit une chanson qui s’appelle Private Lily, écrite il y a trois ans, qui est de surcroît une histoire vraie à propos d’une cousine d’un de nos membres qui s’est engagée dans l’armée américaine. Cela a été un choc lorsqu’il l’a appris et la chanson est née quelques heures après ça. A l’époque, la guerre d’Irak battait son plein, on lui demandait si elle se rendait compte qu’elle pourrait être envoyée là bas, et elle nous répondait qu’elle serait prête à le faire à l’âge de dix huit ans.
Cette chanson est née très viscéralement, et en la réécoutant, on s’est très vite aperçu que personne n’a parlé de la guerre d’Irak, et les paroles qui ont été écrites avec Arthur, Rosemary et moi-même sont placées de manière intemporelle. On ne nomme même pas l’époque, le pays, c’est une sorte de parabole qui pourrait aussi bien s’appliquer à la seconde guerre mondiale ou à la guerre du Vietnam. On peut également retrouver ça sur des correspondances de soldats des guerres passées. On voit tout ça plutôt comme un temps cyclique plutôt que du progrès et le fait d’être contemporain. Rétro et intemporel ne veulent rien dire pour nous, intemporel est trop générique et veut dire trop de choses à la fois. La chose qui nous intéresse c’est plutôt la multi-temporalité, ce qui est plaqué hors des temps, hors des cultures.



Comment va Colette ? Et Gilbert comment va-t-il ? (Gilbert et Colette sont les deux bustes d’animaux empaillés utilisés sur scène)

Gilbert n’était pas présent car il a eu une petite période de fatigue due à la tournée qui a été un peu dense, et étant un chamois des Vosges, il a un peu de mal avec les grandes chaleurs et le sud, tandis que Colette est elle une biche de Normandie qui s’acclimate mieux au climat. Ils ont simplement échangé leurs rôles, pour que nous en ayons toujours un sur scène. Ils nous donnent plein de courage et d’énergie.


On leur souhaite bon courage…

La tournée se clôt bientôt et nous commençons bientôt la tournée à l’étranger à New York le 10 janvier, et de là nous allons aller en Hollande, Espagne, Angleterre, Allemagne et Scandinavie, et peut-être au Japon. Mais je pense que cela influe beaucoup de savoir avec quel type de public nous allons jouer ; de par leur langue, ce n’est pas la même manière d’appréhender la scène. Le public anglo-saxon perçoit directement les paroles : quand on joue Jimmy, le public se met à rire car le texte est absurde et comique avec ses paroles intraduisibles en français, alors qu’en France, le public s’axe plus sur le côté mélancolique de la musique. C’est amusant de faire cette expérience, grâce à cette différence de lecture musicale.

Arrivée en un temps record à l’Usine , après seulement 36 minutes de R5 entre autoroute pluvieuse et sentiers désertés, nous chicanons habilement les petits marécages du parking avant de se faufiler in medias res pour la première partie. Lola Fortune et leur humour décoiffant. Lola Fortune et leur pop bidouillée, voire gribouillée, à la Radiohead version Kid A .



Fin quasi-dépressive (‘dans l’attente d’un prochain entretien…) et humblement reconnaissante (…salutations distinguées’) sur fond d’applaudissements encourageants.

En pleine tournée européano-américaine et 6 mois après avoir fait salle comble au Poste à Galène , les Moriarty honorent l’Usine d’Istres avec son public familial.



Le devant de la scène se remplit de fans-statues, cristallisant leur mètre carré avec horizon ouvert sur la scène encombrée de l’habituel univers brocante des Moriarty : paravent, table et lampe de chevet, bibelots-carte postale… ; le show commence avant même que la musique ne s’enclenche. L’attente se prolonge encore un peu dans la douce clarté des projecteurs dociles qui caressent le décor figé.
Enfin les voilà qui investissent la scène, smarts et souriants, dans un déluge d’instruments artisanalement hétéroclites (machine à écrire, xylophone, guimbarde, guitare Dobro avec archet…). Les Moriarty nous en mettent plein la vue, soulevant la poussière à chaque nouveau roadtrip musical. Entre les plaines résonnantes du Middle West et les étendues enneigées du mont Fuji ; poussières de pissenlit, fleur de coton. Sa flore et sa faune.



Rosemary et sa boucle d’oreille en cage, Rosemary et sa boucle d’oiseau, caressant le collet soigneusement découpé de Madame Colette, remplaçante attitré d’un certain Gilbert, chamois de tournée, actuellement en RTT de congé d’arrêt maladie.



Les Moriarty gravitent dans leur univers chamarré, voguent les uns vers les autres, coulissent avec une élégance fluide en saluant le batteur impassible, s’auréolent autour de Rosemary et sa baguette de fée, tournoient sur leurs instruments, donnent l’air d’improviser constamment, ravivant les boucles impromptues de leurs mélodies-bandes-son. La magie opère, la magie réelle, celle qui fait écho quelque part à l’intérieur de chacun, celle qui nous réoxygène en nous laissant vaguement euphoriques et chavirés.



Très bel arrangement de ‘Enjoy the silence’ emprunté à Dépêche Mode , qui trouve parfaitement sa place au creux des compositions mi-cabaret mi-‘au coin du feu, on est bien mieux’ de la famille Moriarty .



Après un salut rituellement théâtral, et une pensée musicale pour l’anniversaire de Christelle la régisseuse, la troupe Kerouacienne revient pour deux rappels, interprétant son traditionnel air allemand, solennel et enlevé _toujours soigneusement déroutant.
Let’s go ‘On the road’, donc.
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Bon avouons le, l’affiche de la Garden Nef Party, c’était un peu le truc le plus excitant niveau rock’n’roll qu’on ait vu depuis longtemps. Même si les festivals c’est pas trop ma came, là j’ai pas hésité longtemps. Et dire que j’y suis presque tombé par hasard, cherchant une hypothétique date française pour Archie Bronson Outfit, groupe que je désespère de voir depuis 3 ans. Je tombe sur la prog’ du festival, avec les Kills, autre groupe fantasmé (à Marseille c’est parfois la dèche niveau gros combos électriques). Et tout le reste c’est du bonus, et quel bonus : les Hives, les Bellrays et, (énooooorme) cerise sur le gateau, Iggy & the Stooges.
Un cours de géographie SNCFienne m’apprend qu’un Marseille-Paris-Angoulème c’est plus rapide et moins cher qu’un Marseille-Angoulème, et c’est parti pour deux jours de rock’n’roll ras la gueule, avec une seule appréhension, il va falloir faire des choix !



Le lieu est des plus agréables (même si peu d’ombre en journée), pas mal d’espace vert, une belle vue sur la vieille ville et une jauge où on se marche pas les uns sur les autres. Loi du genre, la bouffe est chère et pas spécialement bien fournie et la bibine un peu cheros (3 euros). Comme d’hab’, il vaut mieux avoir ses propres provisions. Mais l’accueil est des plus sympas, on n’a pas l’impression d’être dans une grosse machine à fric. D’autant que le pass deux jours à 60 euros est vraiment raisonnable.
Vu que je sais que pour certains c’est important, précisons que le festival est éco-citoyen comme on dit. Gobelets consignés, toilettes avec sciure, brigade verte, etc… Et faut dire que le résultat est visible d’entrée pour les vieux briscards des rendez-vous d’été : c’est propre ! Même après deux jours musicaux et éthyliques. Allez, on se prend à rêver d’un « label lutte-de-classe-compatible », qui s’apposerait aux salles et festival qui respectent le droit du travail, le salaire minimum, etc…



Archie Bronson Outfit

On arrive sur place à 16h30 le premier jour et c’est à peine après une bière qu’Archie Bronson Outfit attaque. Et là déception. Bon, entendons-nous bien, c’est un peu le groupe qui truste mes platines depuis 3 ans, que je crève d’envie de voir dans un petit club, et là 17h, en plein cagnard, avec un son horrible… Pas de bol, le son sera impeccable le reste du festival (bravo aux sonorisateurs d’ailleurs). Raaah, bordel, ça tombe juste sur ce groupe ! Et c’est d’autant plus frustrant qu’à travers le magma sonore, on sent que ce groupe est hyper doué, leur zique carrément obsessionnelle. À revoir d’urgence donc (programmateur marseillais, si tu lis ces lignes c’est ma commande pour 2009….).



Archie Bronson Outfit

J’avoue qu’après je serais fort peu professionnel : je boude ! Direction le bar pour cuver ma rancoeur et éviter de tomber sous un soleil de plomb. Tant pis pour le folk hippisant d’Alela Diane (et en plus elle a un bon son elle, screugneugneu…). Bon pas besoin de dire pourquoi je boycotte les BB Brunes, heing. Je jette un œil quand même, et suis déçu, leur public n’est même pas hystérique, plutôt mou du genou. Zarb’, y avait pleins de kids, j’pensais qu’ils seraient en folie pour leurs idoles.

Retour sur la ch’tite scène pour Moriarty, que j’avais jamais encore vu après leurs deux dates complètes au Poste à Galène. Cabaret blues, le combo fait partie des (trop nombreux ?) groupes actuels fan de Tom Waits, musicalement doués et qui s’échangent sans arrêt leurs instruments. Y a pas à dire, y a quelque chose, la chanteuse pince-sans-rire est bien dans son rôle, les musicos sont attachants, mais ça me fait l’effet d’un groupe de premiers de la classe, leurs reprises de Enjoy the silence de Depeche Mode et de Chocolate Jesus de Tom Waits ne m’enlèveront pas cette idée d’exercice appliqué. Attention, je me répète, il y a quelque chose (c’est pas comme The Do le lendemain que j’ai trouvé sans saveur) mais pas accroché. Sûrement plus facile d’entrer dans leur univers dans une ch’tite salle, aux allures de cabaret donc.



The Kills

Ce n'est pas sans une excitation certaine que je me dirige vers la grande scène, pour ce qui est pour moi une des grosse claque de ces dernières années, The Kills, la version crade de White Stripes. Et je ne serais pas déçu par le duo le plus sexe du rock actuel. Voix, deux guitare, boite à rythmes, la recette d'un rock obsessionnel et épileptique, violent, cradingue, qui te saisis au dessous de la ceinture. VV a cette voix d'une PJ Harvey toxico et enragée, à elle seule elle fascine. Hotel mitraille le public, et sa compagne, avec sa gratte, obsédé par son son, autiste lors de son moon-walking de camé. Musique trouble, ambiance malsaine, renforcé par la boite à rythme qui déshumanise le son, peine perdue vu l'énergie charnelle, lascive qui se dégage du couple. Violence implacable aussi dans ses riffs de guitares fiévreux, cette voix au bord de la rupture, la cavalcade désespérée pour ces deux là qui pousse à son paroxysme le côté viscéral du rock'n'roll. Une claque magistrale donc...



The Kills

Bon après un truc comme ça, normalement tu rends les armes, tu vas te coucher. Et bien pas à la Garden Nef Party qui semble vouloir garder son festivalier sous tension et excitation permanente. Parce que là, dans la foulée, on a droit à rien de moins qu'Heavy Trash, le nouveau projet de Jon Spencer, Ladys and Gentlemen ! Avec son alter ego canadien Matt Verta Rey, accompagné par les insolents danois de Powersolo (qu'on adore ! Lollipop power !), il revisite à sa façon le rock 50's.



Heavy Trash

C'est pas trop ma came à la base le 50's, mais le Spencer c'est quand même la classe absolue sur scène. Une dégaine de crooner sous amphétamines, un groupe qui assure sa race, pour un set impeccable. Niveau son, je préfère le Blues explosion, mais faut bien avouer qu'Heavy Trash, c'est terriblement efficace, complètement jouissif. On passe de la face sombre du rock avec les Kills à un côté complètement jubilatoire.



Heavy Trash

Suite à tant de bonheur électrique, j'écouterais de loin le rock 70's des) The Raconteurs, me faisant penser à du sous Ten Years After pas inspiré... Tu me diras, si on avait eut droit à White Stripes, je crois que j'aurais succombé...



The Raconteurs

On retourne donc à la petite scène pour Brian Jonestown Massacre. Vu que j'ai pas vu Dig, j'arrive "vierge" pour découvrir le groupe. Déjà, ils sont nombreux, sept, et je me demanderais souvent lors du concert le pourquoi de 3 guitares (parfois 4 !). Disons le tout de suite, je n'ai pas été conquis. Attention, c'est pas mauvais, loin de là, mais ce côté rock 70's psyché, sous influence Doors / Velvet, m'a guère touché. J'ai trouvé que les morceaux se ressemblaient souvent, et, alors que je susi assez accro des montées instrumentale sous tension, là je m'enmerde un peu malgrès leur mascotte aux clopes et accessoirement tambourin. Juste que j'ai pas trouvé ça habité malgrès tout ce qu'on m'avait dit. Pas mon truc quoi...



Brian Jonestown Massacre

C'est quand même loin de l'escroquerie Justice qui suivra. J'comprends pas comment un tel groupe peut susciter l'enthousisame alors que leur set est terriblement basique et ennuyeux. Bon ok l'électro c'est pas ma came, mais je trouve que Birdy Nam Nam le lendemain s'en sortira bien mieux dans un set plus efficace.



Justice

C'est pas tout ça, mais faut rentrer (cool y a un système de navettes gratos), encore abasourdi par tant de qualité sonique prise en peu de temps.

Photos : Pierre Huot
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La bande-son des désaxés(*)

L’interview a eu lieu avant le concert donné par le groupe dans la salle du Forum de Berre l’Etang (13) le 16 mai 2008 où 900 personnes étaient présentes. Démarrée sur le parking de la salle, l’interview s’est poursuivie durant une petite balade dans la petite ville avec Arthur et Rosemary. Sans avoir aucune idée de l’endroit où nos pas nous menaient, nous nous sommes retrouvés dans le cimetière municipal. Un chat noir et blanc nous a accompagné dans le plus ancien carré, là où les coquelicots sauvages avaient envahi les allées entre les vieilles tombes, tandis que passaient au-dessus de nos têtes les avions qui décollaient de l’aéroport de Marignane.



Moriarty, qui êtes-vous ?

Arthur : Nous sommes des amis de longue date, certains depuis le bac à sable. Nous sommes tous nés en France mais tous de parents américains, sauf Stéphane qui a des racines vietnamiennes mais dont les parents ont émigrés aux Etats-Unis après la guerre du Vietnam. Nous ne nous sommes rencontrés dans un lycée américain à Paris, le genre creuset un peu coupé de l’extérieur. Nous nous sommes rencontrés au cours de notre scolarité que nous avons suivi dans les bons établissements laïque de la République française à Paris.

Mais alors, qu’est ce qui vous a rapproché ?

Rosemary : Les autres. Chacun de nous n’a pas forcément vécu des choses très agréables avec les autres jeunes qui n’acceptaient pas facilement qu’une partie de notre identité et de notre culture soit ancrée de l’autre côté de l’Atlantique. Nous étions différents d’eux, c’est tout. Forcément, on s’est rapproché, puisqu’on vivait la même chose. C’est un mouvement assez commun chez les êtres humains. Quand on est un peu rejeté d’un côté, on va vers l’autre. Ceci était d’autant plus facile qu’une partie de nos familles respectives vivent toujours aux Etats-Unis. Et la musique a été évidemment le vecteur de notre rapprochement.



Moriarty, c’est l’ennemi juré de Sherlock Holmes ?

Arthur : Non, Moriarty, c’est Dean Moriarty, le héros de Sur la route de Kerouac. Quand nous avons créé le groupe, nous étions tous en train de lire ce livre et nous avons décidé d’adopter ce nom car nous pensions qu’il nous ressemblait. Donc, dans le groupe, c’est devenu notre nom de famille : Thomas Moriarty joue de l’harmonica, Stephane Moriarty joue de la contrebasse et de la guitare, Charles Moriarty joue de la guitare, Rosemary Moriarty chante et moi, Arthur Moriarty, je joue de la guitare, de la contrebasse et des percussions. Sur scène, nous sommes également accompagné de Vincent à la batterie.

Vous avez mis 10 ans pour sortir votre premier disque. Ce n’est pas un peu… long ?

Arthur : Moriarty existe depuis 10 ans mais le groupe n’est pas notre raison de vivre. Chacun de nous à un métier qui nous fait plus ou moins vivre. Mais en tout cas, cette situation nous a dégagé pendant toute une période d’obligations que l’on aurait pu se mettre quant à la production d’un disque. Et puis Moriarty dans sa forme actuelle n’a que trois ans, car Rosemary n’était pas avec nous dès le début. Et depuis, tout a changé…



Un nom mythique, une date de naissance obscure, des membres qui portent le nom du groupe, un site internet à accès réservé, des concerts minutieusement mis en scène… Peu de jeunes groupes adoptent dès le départ une démarche aussi élaborée.

Rosemary : Tout cela a effectivement été réfléchi et pensé. C’est l’apanage des gens qui ont pu profiter d’une longue maturation, bien que nous ayons tous la trentaine, sauf moi, qui n’est que 28 ans ! (rire). Et malgré notre relative jeunesse, nous ne sommes pas des impatients. Je pense que tout doit arriver en temps et en heure et surtout que cela ne dénature pas notre identité qui est déjà bien compliquée à gérer : nous sommes un jeune groupe français d’origine américaine, nos têtes, nos cœurs, nos pensées effectuent sans cesse des allers-retours au-dessus de l’Atlantique et Moriarty est ce qui nous cimente. Pas question de faire n’importe quoi avec.

Donc, vous avez tous attendu 10 ans bien sagement en vivant de vos métiers respectif en attendant que ça vous tombe sur la tête ?

Rosemary : Tout ce qui nous arrive aujourd’hui, c’est un accident. Nous étions invités à jouer après un spectacle dans un théâtre à Paris, tu vois, le genre groupe de cocktail. Et à la fin du set, un homme vient nous trouver pour nous dire qu’il apprécie beaucoup ce qu’on fait et qu’il veut nous aider.
Arthur : c’était Jérôme Deschamps, on était dans son théâtre. Moi, je ne savais même pas qui il était. Bref, avec sa femme Macha Makeïeff, il a tenu parole, il nous a présenté aux gens du label Naïve. Et je crois que le label a voulu faire plaisir à Deschamps en nous signant pour un album, mais juste comme ça, sans trop y croire. Du coup, ils nous ont foutu la paix, on a fait ce qu’on a voulu.



Et qu’est ce que vous avez voulu faire sur votre premier album, Gee whiz but this is a lonesome town ?

Arthur : C’est une sorte de compilation des morceaux que nous avons écrit depuis 10 ans. L’album représente encore un tiers de nos compositions. Jimmy la première chanson qui est devenu le single a 10 ans. Mais cette chanson ne ressemblait pas du tout à celle qu’on peut entendre dans l’album. Elle a évolué au cours de toutes ces années jusque dans les accords de guitare. Cela est dû à notre mode de fonctionnement. Tout le monde dans le groupe participe aux morceaux, que ce soit les textes ou les musiques. Et une chanson n’est terminée qu’à partir du moment où nous sommes tous les 5 d’accord.

C’est la chanson qui décide ?

Arthur : Peut-être au final. En tout cas, nous avons voulu créer une sorte de démocratie Rousseauiste dans Moriarty. Voilà pourquoi on met souvent du temps pour finir une chanson.



Et pourquoi avez-vous privilégié ce côté folk rural américain ?

Rosemary : ça c’est une invention des journalistes, l’étiquette folk années 30. En France, il faut tout étiqueter, ça rassure les gens. La seule chose qui nous lie vraiment avec la tradition folk, c’est que nos chansons racontent des histoires. Mais notre musique est beaucoup plus variée que cela. Nous ne sommes pas coupés du monde, nous sommes influencés par les sons d’aujourd’hui comme par le rock des années 70 ou la new wave des années 80. On ne vit pas sous une cloche estampillée « Nouvelle Orléans 1930 » !

Oui, d’accord, mais c’est vous qui avez choisi dans votre répertoire, non ? Et manifestement, vous avez voulu donner une cohérence, renforcée l’omniprésence d’une contrebasse et d’un harmonica qui marquent quand même très fortement votre musique.

Rosemary : Évidemment, notre musique est totalement américaine, c’est notre identité. Mais d’une Amérique ancienne, peut-être cette Amérique d’avant que nous fantasmons tous en tant que franco-américains.
Arthur : Puisque notre démarche est plutôt d’attendre que les choses s’imposent d’elles-mêmes, peut-être que nos chansons sont effectivement quelque chose qui vient de loin en nous, quelque chose de nos racines profondes avec lesquelles nous voulons renouer à travers la musique.



(*) Quand John Huston tourne The Misfits (Les désaxés) en 1961, il voulait célébrer, à sa façon, une messe en mémoire d’une Amérique des chevaux sauvages et des espoirs de liberté qui disparaissait au profit d’une nouvelle Amérique, celle des voitures et des centres commerciaux que l’on connaît aujourd’hui. Dans ce passage de témoins, tout le monde était désaxés : Marilyn Monroe en femme divorcée et déprimée, Clark Gable, le cow-boy nostalgique ou Montgomery Clift en jeune amateur de rodéo. La musique de MORIARTY, elle aussi, coincée entre deux mondes, la France et les Etats-Unis, pourraient très bien être la bande-son idéale de ce film mythique.




Propos recueillis par Stéphane Sarpaux
Merci à Patrick Veyron et son équipe du Forum de l’Etang de Berre
Photos : Chloro Phil prises lors du concert à l’Espace Doun de Rognes le 15 Février 2008

www.moriartyland.com/ et www.myspace.com/moriartylands
Des retours de scène : ici
Des chroniques de disque : là.

Un interview